Cinco películas de la década de 1970 que fueron años antes de su tiempo
La frase antes de su tiempo a veces se presenta mucho en las discusiones sobre el cine radical y las películas percibidas como revolucionarias. Si bien hay algunas películas que ciertamente son innovadoras en más de un sentido, no siempre significa que estuvieran por adelantado a su tiempo. Esta etiqueta está reservada para proyectos que se arriesgaron al compartir una determinada historia o mensaje que contradecía el pensamiento convencional en ese momento.
Podría ser como los gustos de Montaña en ruido o Vi el brillo de la televisión Con ambas películas desafían la retórica pública en torno a las personas queer y en contra de las ideas dañinas se vuelven cada vez más comunes en la corriente principal.
O podrían ser películas como El niño de la angustia y Mikey Nicky, Con Elaine May trabajando antes de su tiempo en una industria que rara vez permitía a las mujeres entrar en puestos de poder, con el director luchando por que su voz se escuche y en un momento, existente como la única mujer en el Gremio de Directores de América.
Pero si bien esta etiqueta se arroja mucho, hubo una época fundamental que condujo a muchas películas genuinamente revolucionarias y anticipadas de su tiempo. La década de 1970 actuó como un catalizador para el cambio creativo, alterando para siempre la cara de la industria.
Cinco películas de los años 70 que estaban por delante de su tiempo:
Claire’s Knee - Éric Rohmer (1970)
Éric Rohmer fue uno de los pensadores y cineastas más progresivos de su tiempo, sobresaliendo incluso entre los anarquistas del movimiento francés de New Wave por sus dramas introspectivos y su comprensión incisiva de la psicología humana. De la exploración aplastante de la soledad en El rayo verde a su divertida crítica de la indecisión romántica en Un cuento de verano , no hay sujeto fuera de los límites para el director. Su perspectiva astuta y naturalmente perspicaz permite al público obtener sabiduría de cada cuadro.
Sin embargo, hay una película que sobresale de su racha magistral en los años 70 que vio al director aventurarse en territorio tabú con su película de 1970, Rodilla de Claire . Sigue a un profesor en la víspera de su boda y su repentina obsesión por acariciar la rodilla de una adolescente. Al estilo típico de Rohmer, el director arroja una luz sobre las fantasías perversas de este hombre y separa la psique masculina, exponiendo la naturaleza endeble de su brújula moral y sus constantes contradicciones mientras justifica su deseo inmoral y pensamiento delirante. Este se convirtió en un tema común en el resto del trabajo de Rohmer, pero quizás sea más impactante en Rodilla de Claire , dada la controvertida lente con la que ve la historia y su cuidadoso manejo de un tema tan pegajoso.
Jeanne Dielman, 23, Quai du Commerce, 1080 Bruselas - Chantal Akerman (1975)
Es imposible hablar de obras innovadoras de los años 70 sin mencionar Jeanne Dielman, Con la obra maestra feminista de Chantal Akerman cambiando para siempre el marco del cine y los tipos de historias que se consideran dignas de compartir en la pantalla grande.
La película traza The Daily rutinas y rituales de una ama de casa belga solitaria, Lentamente llevándonos a través de cada parte de su día y dándonos una muestra de la sensación de temor y aburrimiento inducidos a través de la vida de esta vida. Muchos críticos lo criticaron por ser aburrido y límite insoportable, pero aquellos que lo entienden saben que este es el punto: cómo obligamos a algunas mujeres a vivir esta existencia durante toda su vida cuando ni siquiera podemos soportar mirarlo durante unas horas. Por esta razón, sigue siendo no solo una de las películas más influyentes de los años 70, sino de todos los tiempos.
'Walkabout' - Nicolas Greek (1971)
Hay muchas obras maestras extrañas que surgieron del movimiento australiano de New Wave, con directores como Nicolas griego , Peter Weir y Gillian Armstrong se convierten en sinónimo de una nueva era de anarquistas creativos, exponiendo los efectos dañinos del consumismo y la pérdida de inocencia en la era moderna. Pero hay una película que encapsula bellamente el tono de este movimiento, al tiempo que se destaca en términos de las técnicas utilizadas para criticar nuestra realidad ahora ineludible.
Caminata Sigue a dos jóvenes adolescentes que son abandonados en el desierto por su padre, luchando por sobrevivir hasta ser encontrados por un niño aborigen local que les enseña cómo vivir de la tierra. A través de la brillante edición y las visuales fascinantes, Roeg captura la verdadera belleza del mundo natural y una forma de vida aún más natural que hemos destruido lentamente con nuestra obsesión con la modernidad y el progreso. En última instancia, Roeg muestra cómo esta búsqueda solo nos ha retirado, corrompiendo lo que es natural y haciendo vidas de procesos antinaturales que nos separan más de nuestra humanidad. La historia es asombrosamente relevante ahora, con Roeg ejerciendo un ojo de conocimiento sobre un futuro sombrío que es el presente.
Todo ese jazz - Bob Fosse (1979)
En un mundo que se está corrompiendo cada vez más por las actividades narcisistas y la autocurve, algo que es demasiado común después del ascenso constante y la dominación de las redes sociales, Bob Fosse fue uno de los primeros en predecir los peligros de esto a través de su película de 1979, Todas esas tonterías.
Fosse cuenta la historia de su propia vida y tiempo en el centro de atención a través del personaje ficticio de Joe Gideon, mostrando cómo la fusión de su mundo interior y exterior y la obsesión con el rendimiento lo llevó a convertirse en un caparazón de sí mismo mientras dedicaba todo su ser al escenario. Muchas personas en el ojo público se convierten cambiado irreparable a través de la fama y la atención constante, Con Fosse destacando cómo una vida en el centro de atención lo hizo perder de vista lo que era importante, con su actuación que todo lo consume arruinando sus relaciones interpersonales y dejándolo un hombre vacío sin nada real que mostrar por su éxito. Este es un destino que espera a muchas personas que ahora comparten toda su vida en línea y no pueden separar su verdadero ser de la versión que retratan, lo que hace que esta película sea devastadoramente relevante en un mundo lleno de personas que no pueden dejar de actuar.
Sunday Bloody Sunday - John Schlesinger (1971)
Hay pocas películas de esta época que contienen representaciones amables y matizadas de personas queer, y muchas recurren a estereotipos dañinos y personajes unidimensionales que excluyen aún más a la comunidad de la representación adecuada. Mientras que una película como Fox y sus amigos es innovador en su representación de hombres gay, la película de 1971 de John Schlesinger, Domingo Domingo sangriento , es un subestimado criminalmente en el canon del cine queer; Es una historia que Representa la rareza y la no monogamia de una manera revolucionamente compasiva.
Para una comunidad que a menudo se borra del centro de atención o se retrata a través de una lente dañina, Domingo Domingo sangriento es conmovedor y profundamente humano en su representación de tres personas en un viaje de autodescubrimiento sexual, y cada uno se involucra en una relación no monógama y desafía sus ideas de tradición, intimidad y amor. Es maravillosamente complejo y sensible, ya que entrelaza las experiencias de cada uno y explora los altibajos de abrazar el verdadero yo, al tiempo que resalta simultáneamente la confusión sobre no conformarse con las expectativas de la sociedad, pero tratar de confundir y vivir de manera auténtica. Es una de las películas más radicales de la época en su interpretación del amor queer, aprovechando la libertad que vino con los años 70, así como la incertidumbre que vino al ejercer estas libertades.
