Fuera del universo de Hollywood: las 10 mejores películas de ciencia ficción extranjera

A menudo, cuando pensamos en un éxito de taquilla de Hollywood, es el género de ciencia ficción que asociamos más estrechamente con proyectos de gran presupuesto. Si se trata del exceso de planeta de Christopher Nolan Interestelar O las extravagancias que provocan reflexión del maestro moderno Denis Villeneuve, cuando la mayoría de los amantes del cine piensan en la ciencia ficción, Hollywood es la primera tierra celestial que viene a la mente.

Sin embargo, simplemente considerar el cine estadounidense es ignorar algunas de las mejores y ciertamente algunas de las películas de ciencia ficción más influyentes de todos los tiempos. Después de todo, a pesar de que el género está ampliamente asociado con Hollywood, la llamada madre y padre de la ciencia ficción fue pionera en la amada forma de escritura fuera de América, con el autor francés Jules Verne escribiendo Veinte mil leguas debajo del mar En 1970 y la novelista inglesa Mary Shelley Writing Frankenstein en 1818.

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Desde entonces, la ciencia ficción ha prosperado en todo el mundo, con algunas de las mejores películas de ciencia ficción en la historia del cine que surgió de Europa, Asia y más allá. Esta lista explorará solo diez de estas icónicas películas de ciencia ficción extranjera, descubriendo gemas olvidadas de directores desconocidos mientras elogia las obras clásicas de algunos de los mejores cineastas de todos los tiempos, desde Andrei Tarkovsky hasta Fritz Lang.

Amantes de la ciencia ficción, prestan atención; Estas diez películas deben considerarse vitales para su comprensión del género como Stanley Kubrick 2001: A Space Odyssey, Jonathan Glazer’s Under the Skin y Wachowskis Matrix.

Las 10 mejores películas de ciencia ficción extranjera:

10. La ciudad de los niños perdidos (Marc Caro, Jean-Pierre Jeunet, 1995)

Antes de que Jean-Pierre Jeunet fuera su película más conocida, Amélie , se asoció con su buen amigo Marc Caro para hacer dos películas de ciencia ficción que se deleitaban con lo fantástico. Tiendas Delicatessen Llegó primero antes La ciudad de los niños perdidos , que solo toma la ventaja ligeramente. Con una gran partitura del colaborador frecuente de David Lynch Angelo Badalamenti, la película tiene una estética similar a Amélie, Aunque es considerablemente más surrealista e influenciado por el steampunk.

La película sigue a un grupo de hombres que recuperan los sueños de los niños, lo que los lleva a someter a un niño de cinco años a su tortuoso método de extracción. Por lo tanto, el padre y el amigo del niño se propusieron salvarlo. Es divertido, sincero y visualmente impresionante, ¿qué es no amar?

9. Te amo, te amo (Alain Resnais, 1968)

Alain Resnais no estaba tan estrechamente asociado con el movimiento francés de New Wave como cineastas como Jean-Luc Godard y François Truffaut, pero aún contribuyó a esta era del cine francés significativamente. Utilizando técnicas atípicas en gran parte de su trabajo, como la no linealidad, se volvió muy aclamado. Mientras que es mejor conocido por dirigir películas como The Soldish El año pasado en Marienbad , intentó su mano en la ciencia ficción con Te amo, te amo en 1968.

La película ve a un hombre participar en el viaje en el tiempo después de su alta del hospital. Alojado por recuerdos y experiencias del pasado, el experimento de viaje en el tiempo no sale exactamente según lo planeado. Es una gran disección de tiempo, memoria y mortalidad, incluso inspirando la película de 2004 Eternal Sunshine de la mente impecable.

8. Solaris (Andrei Tarkovsky, 1972)

Creando su película en parte debido a la adulación que Stanley Kubrick recibió para su épica película de 1968 2001: una odisea espacial , que Tarkovsky pensó que era frío y estéril Solaris fue uno de los proyectos más ambiciosos del cineasta ruso. Una historia profunda y compleja, Solaris Cuenta la historia de un psicólogo que es enviado a una estación espacial para averiguar por qué la tripulación se ha vuelto loca, con personas como Natalya Bondarchuk y Donatas Banionis tomando papeles protagonistas.

Una desconcertante cine de Andrei Tarkovsky, Solaris Durante mucho tiempo ha sido defendido por su densidad, y cada disparo está pacto con un peso emocional mucho más allá de lo que simplemente se puede ver en la superficie. Disparado en un estilo sorprendente y único, si no encuentra Solaris’ visuales memorables, no hay duda de que recordarás su intrincado mensaje, explorando cómo el amor influye y altera el esfuerzo humano.

7. El muelle (Chris Marker, 1962)

Si solo tienes media hora de sobra, Chris Marker El muelle es ideal. La película es una entrada seminal al género de ciencia ficción, combinando el experimentalismo con temas de viajes en el tiempo y distopía. La película utiliza en gran medida fotografías y voces en off para entregar la narrativa, una técnica innovadora que ayudó a un marcador como uno de los cineastas más singulares de Francia.

El muelle Se lleva a cabo después de que un desastre nuclear hace que la tierra sea inhabitable, lo que lleva a los humanos a vivir bajo tierra. Mientras tanto, los experimentos en el viaje en el tiempo están en desarrollo, con el protagonista de la película volviendo repetidamente a años anteriores, utilizando un recuerdo específico de ver la muerte de un hombre en un embarcadero para aprovecharlo al pasado.

6. Planeta Fantástico (René Laloux, 1973)

En 1973, René Laloux y Roland Topor unieron fuerzas para crear una historia de ciencia ficción que usó una animación dibujada a mano para contar la historia de una realidad alternativa donde los humanos se mantienen como mascotas, Planeta Fantástico. Sus dueños son extranjeros humanoides azules con ojos rojos brillantes que ven a los humanos como nada más que animales para mantener cautivo.

Es una película bellamente diseñada, rica en color, surrealismo y psicodelia. La banda sonora, compuesta por Alain Goraguer, es igualmente psicodélica, evoca una atmósfera de otro mundo que es perfectamente apropiada. La película es una visita obligada para cualquier fanático de la ciencia ficción y está abierta a una amplia interpretación, aunque muchos espectadores creen que la película es una metáfora de la crueldad animal.

5. Alphaville (Jean-Luc Godard, 1965)

El maestro de New Wave francés Jean-Luc Godard no es el primer nombre que me viene a la mente cuando piensas en el cine de ciencia ficción, pero el director inclinó los dedos de los pies en el género por primera vez en 1965 con Alphaville. La película está protagonizada por el actor estadounidense Eddie Constantine en el papel principal, con el ícono francés Anna Karina en una parte secundaria. Filmado en oscuro en blanco y negro, Godard demostró que era capaz de utilizar su estilo dentro de un género diferente al que estaba acostumbrado.

Hizo esto disparando en el lugar sin ningún sets elegantes, en línea con el espíritu de la nueva ola francesa. De acuerdo con su estilo típico, aprovechó al máximo su entorno para crear una película que se sintió auténticamente distópica. Al hacerlo, en realidad enfatizó cuánto del presente poseía una sensibilidad distópica y futurista a medida que las innovaciones culturales y tecnológicas se estaban llevando a cabo rápidamente.

4. Akira (Katsuhiro Otomo, 1988)

En el cine moderno, la animación se ha convertido en una de las mejores vías para explorar los cuentos de ciencia ficción, y el medio ofrece un control creativo total a quien intente aprovechar su dificultad. El anime de 1988 Akira Por el director Katsuhiro Otomo ejemplifica cómo la animación puede usarse como una de las mayores formas de narración de cuentos de ciencia ficción, siguiendo la historia de una pandilla de motociclistas en Neo-Tokyo que se envuelve en una trama militar que involucra una súper arma.

Una de las películas animadas más hermosas jamás hechas, Akira Cambió cómo se consumió el anime en todo el mundo, elevando drásticamente el medio de cine. Repleto de detalles, a Otomo se le atribuye ayudar a dar vida a una de las distopias más realizadas jamás puestas, con Akira influyendo en gran medida en películas posteriores como Comienzo e incluso de Netflix Cosas más extrañas .

3. Fantasma en el caparazón (Mamoru Oshii, 1995)

De una animación esencial a la siguiente, el clásico de 1995 de Mamoru Oshii Fantasma en el caparazón, que se inspiró en el mencionado Akira , llegó al momento perfecto, siendo una voz importante en la conversación cinematográfica sobre la tecnología a cambio de la nueva milenio. En la película, una mujer policial de Cyborg caza a un hacker insidioso mientras atraviesa las tribulaciones de la nueva ciudad portuaria ficticia de 2029.

Con una estética visual pionera que lanzó a los espectadores directamente al mundo de la película, Fantasma en el caparazón combinó una comprensión magistral de sus elementos técnicos con una historia que se siente muy por adelantado a su tiempo. Prediciendo bien el surgimiento de tecnologías específicas, la película cuestiona la relación de la humanidad con una vida de progreso digital, lo que sugiere que pronto llegará un momento cuando la humanidad y las máquinas se conviertan en una.

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2. Metrópoli (Fritz Lang, 1927)

Si hay una conclusión de esta lista, debería ser que las películas extranjeras de ciencia ficción, no el forraje de Hollywood, han demostrado ser los lanzamientos más pioneros del género. Ninguna película lo demuestra más claro que el clásico de 1927 de Fritz Lang Metrópoli , que pasó a inspirar películas como Ridley Scott’s Blade corredor y George Lucas Star Wars con su opinión sobre la versión artística y política del futuro de la humanidad.

Ambientada en una imponente ciudad futurista, Metrópoli explores a class system that splits a society in two and the emergence of a prophet from the proletariat who predicts imminent change. A visionary piece of science fiction that pulled from the German Expressionism art movement, Lang’s film presented a plethora of new ideas that the genre had never seen before, giving us the basis for many concepts that we take for granted in storytelling today.

1. Acosador (Andrei Tarkovsky, 1979)

Olvídese del cine extranjero, incluso en las listas de las mejores películas de ciencia ficción de todos los tiempos, el icónico clásico de 1979 de Andrei Tarkovsky Acosador sale en la parte superior, frotando hombros con Stanley Kubrick’s 2001: una odisea espacial épico. Sellada por el gobierno, la historia se refiere a un área llamada La zona, que tiene la capacidad de otorgar a quien visita a su corazón sus deseos más profundos, con un hombre que lleva a dos almas desesperadas a través del extraño desierto.

Una película hipnotizante, el significado filosófico de Acosador Se ha debatido durante años, y muchos señalaron la idea de que la película explora la fe y la desesperación, y cada explorador avanza en su viaje con una nueva perspectiva sobre sus vidas a pesar de lo que pueden haber ganado al visitar la zona. Aún más profundo, otros consideran que es un examen del significado de la vida misma, con acosador sosteniendo un legado duradero que ha durado desde que adornaba la pantalla plateada.