Ganador del Premio Turner Howard Hodgkin en la agonía de la pintura
La mayoría de los niños de cinco años son inyectantes, desmotivados para encontrar un propósito en la vida, su visión recién comenzando a concentrarse y desarrollarse. Por lo general, su papel es existir, jugar, observar, ciego al tiempo y al futuro: formas, colores vívidos y formas que vienen a ellos de una manera soñada. Para el joven Howard Hodgkin, estaba claro que estos pigmentos humanos que estaba experimentando serían el trabajo de su vida.
A los cinco años, decidió convertirse en pintor. Casi 50 años después, Hodgkin estaba en la plataforma London Paddington Tube, lista para suicidarse.
A pesar de haber nacido en Londres en 1932, Hodgkin fue evacuado con su madre y su hermana mayor de Long Island en los Estados Unidos en 1940. La influencia de Nueva York en el trabajo del artista es palpable, especialmente porque el expresionismo abstracto se agitó por la ciudad. Hodgkin analizó las visiones de color audaz de Stuart Davies, manchas de pintura brillante yuxtapuesta con formas gráficas. El efecto estadounidense efervescente y juguetón alentó su compulsión a pintar. Su desplazamiento había administrado una dosis de ambición y color que trajo al Reino Unido.
Sin embargo, la derecha e inquietud de Hodgkin le hicieron oponerse a la educación formal. Los colores vibrantes y enérgicos que imaginó despegaron junto a él mientras escapaba de la escuela, dos veces. Hasta que un maestro en Eton mostró Ustad Mansur's Un camaleón , que fue el catalizador por su entusiasmo por el arte indio. Un camaleón era algo simbólico del propio Hodgkin, un producto de sus entornos desplazados, su habilidad para el color y su habilidad para pintar y cambiar las emociones. Soy un pintor representativo pero no un pintor de apariencias. Pinto imágenes representativas de situaciones emocionales, explicó Hodgkin. La imagen del camaleón agarrando fervientemente a la única rama que puede resistir su peso es paralelo al enfoque cínico y doloroso de la pintura del artista. En una entrevista con el NUEVOS STATEMAMA N, explicó su relación conflictiva con la pintura que lo hizo pasar por la línea amarilla en la estación de Paddington: es lo que hago, dijo. No tengo otras habilidades. [Pero] siempre ha sido agonía.
Hodgkin estaba atrapado entre las repercusiones solitarias de ser un artista y su devoción por la pintura. Desafortunadamente, Hodgkin no es un caso inusual; Si bien los colectivos y los grupos artísticos están constantemente en aumento, el hiperindividualismo que se ha comercializado como ingrediente para el éxito es a veces un estándar mortal. Se alienta a los artistas a ajustar el estereotipo de un ermitaño y recluso torturado pero genio. Los artistas con enfermedades mentales son románticas por su público, a menudo deshumanizando y descuidando al artista mientras celebran su arte.
La claustrofobia emocional de Hodgkin era tan pesada como sus pinceladas, pero su interés en los colores exigentes lo atrajo a la India. Con su historia de escapar y moverse, finalmente encontró un lugar al que podía correr. Se reinventó a sí mismo como coleccionista, alabándolo por reflexionar: coleccionar trae consigo una serie casi automática de presentaciones, contactos sociales, con concesionarios, académicos y ocasionalmente con otros coleccionistas.
Su trabajo Pintar India Muestra una ferviente simbiosis de verde, naranja y azul, el abrumador animado de la India a través de las perspectivas estadounidenses y británicas. Ante el desplazamiento de su infancia, le explicó a David Sylvester en 1984: creo que mi razón principal para volver a la India es porque está en otro lugar. El frenesí de color y vigor de la India lo inoculó contra los espacios cerrados que había intentado escapar.
Hodgkin permaneció en la plataforma. El tubo se aceleró por. Las pinturas del artista permanecieron confinadas entre un odio vehemente hacia el arte y una oda a la pintura y al color.
