10 películas increíbles que cuestionan la mirada masculina
Escribiendo en 1975, la teórica Laura Mulvey presentó el concepto de la mirada masculina en su ensayo Placer visual y cine narrativo. Influenciado por los psicoanalistas como Jacques Lacan y Sigmund Freud, su teoría tomó en consideración la forma en que las mujeres se representan en los medios de comunicación.
En pocas palabras, Mulvey teorizó que las mujeres son objetivadas en el cine y se retratan desde la perspectiva del hombre heterosexual. La industria abrumadoramente masculina ayuda a construir una narrativa falsa de las mujeres como objetos sexuales y pasivos. Mulvey señala que los cuerpos de las mujeres son frecuentemente estilizados y fragmentados por primeros planos, convirtiéndose en el contenido de la película y el destinatario directo del aspecto del espectador.
Un gran ejemplo de la mirada masculina se puede ver en la película de Brian de Palma Carrie . La apertura de la película se acelera a través de un vestuario de la escuela secundaria, donde las tomas de cámara lenta capturan los cuerpos desnudos de las adolescentes al sonido de las cuerdas de ensueño, acompañadas de nubes de vapor de ducha. Toda la escena mira innecesariamente los cuerpos de las niñas menores de edad, creando un reloj muy incómodo, especialmente con el conocimiento de que un hombre adulto estaba detrás de la cámara.
Mulvey cree que la mirada masculina refuerza la ideología patriarcal que nos enseña a ver a las mujeres de cierta manera, incluso influyendo en las mujeres para que se vean a través de la mirada masculina. Por ejemplo, una bomba como Marilyn Monroe se muestra como un ideal femenino a través del cine, sin embargo, esta versión de feminidad es en gran medida inalcanzable.
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Por supuesto, con todas las teorías vienen las críticas, y el concepto de Mulvey de la mirada masculina ha sido condenado por su falta de consideración para los espectadores no heteronormativos del cine. Camille Paglia criticó la teoría de afirmar que la historia no es más que la opresión masculina y la victimización femenina, y los increíbles ganchos de campana formaron su propio concepto de la mirada opositora que argumenta que las mujeres negras están en gran parte excluidas de ser sujetas de la mirada masculina en los medios, escribiendo que la mirada opositiva funciona como una forma de aspecto de aspecto, en la búsqueda del cuerpo negro dentro de la mirada cinemática de la mujer, la ideal de la mujer blanca.
A pesar de estas críticas increíblemente válidas, la teoría de Mulvey ha sido increíblemente influyente, y puede usarse como un punto de partida para observar películas que desafían la existencia de la mirada masculina y operan sin tener en cuenta el placer del público masculino heterosexual.
10 películas para cuestionar la mirada masculina:
10. Marie Antoinette (Sofia Coppola, 2006)
Sofía Coppola es un maestro moderno en el uso de la mirada femenina en sus películas, subvirtiendo los ojos vigilantes de los hombres y explorando sin vergüenza todas las cosas femeninas. Marie Antoinette Cuenta la historia de la fatigada joven Marie Antoinette, quien es empujada a la posición de la Reina de Francia. Ella es interpretada por la frecuente colaboradora de Coppola, Kirsten Dunst, quien declaró que trabajar con la directora femenina de una edad tan joven (protagonizó la función de debut de Coppola T La virgen se suicida Dieciséis años) le permitieron sentirse hermosa sin la necesidad de una mirada masculina.
La película se entrega a todo lo femenino: una escena memorable muestra fotos de primer plano de hermosos zapatos, vestidos, accesorios y dulces para el sonido de I Want Candy de Bow Wow Wow. Otra hermosa escena muestra a Marie Antoinette, todo en blanco, pasando tiempo con su pequeña hija en hermosos campos, completo con corderos, flores y sol. Completamente separado del patriarcado, la escena captura perfectamente la idea de la mirada femenina.
9. Despistado (Amy Heckerling, 1995)
Despistado , basado libremente en la novela de Jane Austen Emma , a menudo se pasa por alto como nada más que una comedia romántica adolescente femenina debido a su énfasis en la moda, un personaje principal bastante tonto y los tipos estereotípicos de secundaria, como macetas, niños populares y nerds. Sin embargo, la película es una sátira suave del género adolescente, burlándose de sí misma, deleitándose en el juego de los personajes principales Cher, tanto como la idea de que es ajena a su privilegio blanco y rico.
La película resalta la importancia de la amistad femenina (con algunos espectadores que van tan lejos como para teorizar que Cher es de hecho una lesbiana encerrada que simplemente no se da cuenta) y la autoexpresión. Despistado Los extraños de la mirada masculina: Heckerling crea una película que muestra a los espectadores jóvenes y viejos por igual que simplemente vivir para sí mismos es la mejor decisión posible.
8. Pescado (Andrea Arnold, 2009)
Ganador de bafta Pescado Explora la vida de la protagonista Mia, mientras vive en un piso del consejo sin más que bailar. Relativamente sin amigos, y con una madre más interesada en festejar y pasar tiempo con un nuevo novio, Mia, de quince años, está increíblemente aislada y solitaria. Arnold, un maestro del cine británico realista, representa a MIA con gran ternura, manejando delicadamente temas de aseo, pobreza y tensiones familiares.
Pescado focuses its lens on working-class characters, a social class not central to mainstream cinema. Furthermore, the female direction of the film allows young Mia to be portrayed sensitively, and a fetishist, voyeuristic gaze is nowhere to be found.
7. Cuatro aventuras de Reinette y Mirabelle (Eric Rohmer, 1987)
Aunque dirigido por un hombre (el único en esta lista), Eric Rohmer's Cuatro aventuras de Reinette y Mirabelle Permitió que los personajes principales improvisaran gran parte de su diálogo, haciendo que una perspectiva masculina se sintiera bastante ausente. Centradas alrededor de cuatro viñetas que representan eventos en la vida de las dos niñas, estas aventuras implican una obsesión por la naturaleza, las críticas sociales y el disgusto por las actitudes de los hombres. Casi todos los hombres que se encuentran en la pareja se retrata negativamente, y los dos prefieren existir juntos, discutiendo la filosofía y la vida.
La cinematografía de la película es hermosa, persistente en escenas sublimes de la naturaleza que enmarcan a las chicas mientras charlan juntas. En este punto de la carrera de Rohmer, trabajó con miembros de la tripulación en gran parte, como la editora Maria Luisa García, y la director de fotografía Sophie Maintigneux. Está claro que Rohmer escuchó a las mujeres con las que trabajaba y con su ayuda creó una hermosa representación de la feminidad, ausente de toda objetivos.
6. Niñez (Celine Scamp, 2014)
Uno de los mejores cineastas modernos de Francia, Celine Sciamma, con frecuencia destaca temas importantes y marginados dentro de su trabajo, como el transgénero, el lesbianismo, la feminidad y el racismo. Su película de 2014 Niñez presenta un elenco casi exclusivamente negro y prioriza las voces de las jóvenes negras, trabajando extensamente con los miembros del elenco para hacer que la película sea lo más auténtica posible.
Niñez Representa la vida de Marieme, una joven negra que, después de desempeñarse mal en la escuela, se une a una pandilla de niña, finalmente vende drogas para un grupo de hombres y se transforma en una versión ultra feminina de sí misma para hacerlo. Sin embargo, fuera del trato de drogas, frecuentemente se une a sus senos y usa ropa holgada, que su novio comienza una pelea con ella. Sciamma, al igual que Arnold, explora tiernamente los factores sociales que llevan a Marieme a unirse a la pandilla y vender drogas, mientras que también explora la dinámica de género. Todas las películas de Sciamma utilizan la mirada femenina, y Retrato de una dama en llamas , y Chica poco femenina son otros grandes ejemplos de sus películas que exploran la feminidad desde una perspectiva inequívocamente femenina.
5. Margaritas (Věra Chytilová, 1966)
Una de las películas más grandes que provenía del movimiento checo New Wave fue la comedia feminista de vanguardia surrealista de Věra Chytilová Margaritas . The film is not only a critique of upper-class decadence but also a critique of patriarchy and the male gaze. Margaritas Utiliza efectos únicos y técnicas de edición, como hacer que las cabezas de los dos personajes principales floten de sus cuerpos. Las chicas, ambas llamadas Marie, declaran que el mundo se mimó, decidiendo así que también se miman. Se produce peleas de comida masiva, balanceándose de candelabros y se burla de los personajes masculinos burlones, lo que es un reloj extraño pero entretenido.
Hay un uso frecuente de imágenes fálicas, como cortar plátanos y salchichas a la mitad. Además, las chicas enfatizan la desesperanza de los hombres al reír de ellos y hacer el ridículo: el tormento de los hombres representa la ira sentida hacia el tratamiento de las mujeres a manos del patriarcado. Margaritas Pregunta el uso de la mirada masculina en el cine convencional al poner todos los estereotipos al revés y desorientar al espectador en el proceso.
4. Niña gorda (Catherine Breillat, 2001)
Inquietante, molesto y visceral, À Mi hermana ! también conocido como Niña gorda , es una de las películas más brutales sobre ser una chica que jamás hayas visto. Altamente controvertido en su lanzamiento por su representación explícita de la sexualidad adolescente, el clímax de la película sin duda permanecerá con el espectador durante mucho, mucho tiempo.
La película cuenta la historia de una niña gorda de trece años, Anais, quien, que vive a la sombra de su hermosa hermana de quince años, Elena, está desesperada por perder su virginidad. Mientras está de vacaciones por la costa francesa, Elena se embarca en una relación sexual con un hombre un poco mayor llamado Fernando. La representación de Breillat de la relación es absolutamente desgarradora, y la estructura narrativa poco convencional que conduce a los eventos climáticos de la película es inquietante en todos los sentidos posibles.
3. La mujer de sandía (Cheryl Duyne, 1996)
La mujer de sandía Marca la primera película en ser lanzada por una lesbiana negra. La directora del director Dyyne, como el personaje principal, la película rebota entre el cine narrativo, mientras comienza una relación con una mujer que compra en su tienda de videos, y un estilo documental de filmación donde Dunye se filma a través de una videocámara, discutiendo una actriz negra ficticia de la década de 1930 que siempre fue elegida como un personaje estereotípico mamíferido.
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La película es un hito en el nuevo cine queer que surgió en la década de 1990 y se realizó con un presupuesto limitado de $ 300,000. La mujer de sandía es una película increíblemente importante que destaca la invisibilidad de las mujeres negras, particularmente las lesbianas negras en el cine, con el objetivo de cambiar eso. Incluso la teórica y crítica feminista Camila Paglia tiene una aparición en el cameo en la película.
2. Cleo de 5 a 7 (Agnes Varda, 1963)
Agnes Varda fue una de las mejores cineastas que jamás hayan vivido. Se mantuvo realmente auténtica con sus creencias y formas de ver, que se capturan sin esfuerzo dentro de sus películas. La película más conocida de Varda es Cleo de 5 a 7 , que sigue al ansioso pop estrella Cleo mientras espera resultados de las pruebas médicas. La película explora la forma en que Cleo es objetivada por quienes la rodean e impactan por el patriarcado, que ha deformado su propia percepción de sí misma.
Los primeros planos y las imágenes de espejo se utilizan con frecuencia para representar la obsesión de Cleo con la apariencia y el rendimiento de la feminidad, que lentamente abandona, y eventualmente encuentra la felicidad en actuar únicamente para sí misma y no para los que la rodean. La película es una exploración increíble de la experiencia femenina, y Varda hace un trabajo increíble al crear una obra maestra feminista temprana.
1. Jeanne Dielman, 23 Quai du Commerce, 1080 Bruselas (Chantal Akerman, 1975)
Apodado como la primera obra maestra de lo femenino en la historia del cine, las tres horas de Chantal Akerman y la exploración de una porción de la vida de Chantal Akerman es una pieza absolutamente inolvidable de cine de la muerte. Gran parte de la película muestra largas tomas de Jeanne (Delphine Seyrig) completando tareas domésticas, como lavar platos o pelar vegetales, y se roda en tiempo real.
Akerman usó un equipo de mujeres y llamó a la película una película de amor para mi madre. Da reconocimiento a ese tipo de mujer. Jeanne Dielman Definitivamente es para los dedicados, pero si logras pasar tres horas de rutina, que día a día tan ligeramente desentrañal, serás recompensado con un final impactante que vale la pena cada minuto.
Ninguna otra película pregunta a la mirada masculina como Jeanne Dielman - Cualquier hombre que busque la gratificación sexual de la película estará severamente decepcionada.
