Cinco películas de la década de 1960 que fueron años antes de su tiempo
La década de 1960 fue un momento transformador para el cine en todo el mundo. En Hollywood, la desaparición de las producciones clásicas de estudio con finales felices y censura rígida condujo a la nueva era de Hollywood, donde triunfaron el nihilismo, la violencia y la sexualidad. Inspirándose en los movimientos pioneros que ocurren en otros países, Hollywood progresó drásticamente, y la influencia de este cambio monumental todavía se puede sentir hoy.
Mientras tanto, en Francia, la nueva ola francesa estaba en plena vigencia, con directores como Jean-Luc Godard, François Truffaut y Agnès Varda haciendo películas innovadoras que combinan el realismo y la artificialidad, experimentando con técnicas y temas de edición únicos que profundizaron en el corazón de la experiencia humana.
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El movimiento de los derechos civiles y las protestas feministas estaban acelerando, y el cine se estaba volviendo más accesible con la afluencia de cineastas independientes que demuestran las posibilidades de hacer películas con cámaras de mano y un pequeño presupuesto. Por lo tanto, las películas crudas y veraces sobre raza, sexualidad, género y otros temas considerados anteriormente se consideraban tabú a un ritmo mucho más rápido, lo que indica que las actitudes de muchas personas estaban cambiando.
Es difícil reducirlo a solo cinco películas que realmente se adelantaron a su tiempo durante la década de 1960, pero estas son películas que hicieron algo que pocos habían hecho antes, y posteriormente continuó para tener una influencia gigantesca en las próximas décadas.
Cinco años 1960 antes de su tiempo:
Girl Black (Ousmane Sembène, 1966)
Debut como director de Ousmane Sembène, Niña negra , tiene poco más de una hora, por lo que realmente no hay excusa para no verlo. Lanzada en 1966, la película es una mirada impresionante pero trágica al poscolonialismo, considerando cómo los individuos se ven afectados por algo a menudo discutidos más ampliamente. Aquí, vemos a Diouana, una mujer de Senegal, encontrar un trabajo trabajando para una pareja francesa como servidor doméstico. Ella es rutinariamente deshumanizada y fetichizada, su cultura no es más que un arte de pared extravagante para enfatizar la apertura de la pareja francesa al mundo que los rodea.
La película de Sembène es un reloj sombrío pero poderoso, y su enfoque frontal para abordar temas de raza y colonialismo desde una perspectiva femenina apenas se había explorado antes de este punto. Con Niña negra , el director ofreció una historia vital que muchos no querían escuchar, pero que debía contar. Al utilizar la narración innovadora al estilo de Verité, Sembène les recordó a los espectadores que la película estaba lejos de ser una obra de ficción.
Cléo de 5 a 7 (Agnès Varda, 1962)
Hubo muy pocas cineastas femeninas operando durante la década de 1960, pero Agnès Varda dejó su huella con una serie de películas innovadoras que la convirtieron en una de las figuras más influyentes de su generación. Es su película de 1962 Cléo de 5 a 7 , que se sintió más adelantado a su tiempo, con su exploración de temas feministas clave que surgieron antes de que el feminismo de la segunda ola realmente hubiera despegado. Mientras que sus contemporáneos masculinos de New Wave French, como Jean-Luc Godard, ofrecían historias centradas en las mujeres, Varda dio a los espectadores una perspectiva auténticamente femenina que era revolucionaria por el momento.
La película sigue a Cléo, una cantante pop mimada, que es arrojada a la crisis mientras espera los resultados de una prueba médica. La seguimos mientras espera ansiosamente para descubrir su destino, mirándola cara a cara con su papel de mujer, artista y objeto. Varda desafía a la mirada masculina y rompe la ilusión de la perfección, ofreciendo un personaje defectuoso pero admirable que los espectadores han llegado a amar décadas después.
‘Blow-Up’ (Michelangelo Antonioni, 1966)
La primera película inglesa de Michelangelo Antonioni, Explosión , ofreció una perspectiva única de Swinging London, inyectando la atmósfera vibrante con una esencia distintiva del nihilismo. El cineasta italiano no podría haber elegido un mejor escenario para su película, que temas explorados de percepción , artificialidad y verdad, con David Hemings interpretando a un fotógrafo sórdido que se encuentra obsesionado con descubrir lo que él cree que es un asesinato en una de sus imágenes. La efemerías y las imágenes se convierten en temas centrales, haciendo Blow-U P El tipo de película que se beneficia de ser visto varias veces para comprender la rica variedad de ideas de Antonioni.
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La película no solo se siente increíblemente antes de su tiempo estilísticamente, sino que también fue un punto de inflexión para la flexibilización de la censura en el cine estadounidense. Con sus temas moralmente ambiguos, la desnudez y la representación franca del sexo, la película fue en contra del código Hays, pero cuando finalmente se lanzó en cines seleccionados a través de Premier Productions, logrando evitar la censura, el éxito de la película condujo al declive y la eventual desaparición del Código.
Psycho (Alfred Hitchcock, 1960)
El género de terror realmente se puso en marcha cuando Alfred Hitchcock se lanzó Psicópata En 1960. Hasta este punto, el horror no era particularmente desafiante o original: la mayoría de las películas de aterrador se basaban en historias preexistentes como Drácula o Frankenstein . Sin embargo, con Psicópata , el cineasta presentó una concepción temprana del género slasher, con la escena de apuñalamiento de la ducha en la historia del cine como uno de los más inolvidables y definidos por la era. Esta fue una historia que se sintió inquietantemente real. No había fantasmas, demonios ni monstruos; Más bien, un propietario de motel mentalmente inestable.
Hitchcock engañó al público estableciendo a Marion de Janet Leigh como el personaje principal, solo para que ella fuera brutalmente asesinada en una de las escenas más gráficas que el cine que haya visto. Si bien puede parecer muy manso en comparación con los estándares de hoy, la película se extendió por la industria y alentó una ola de películas de terror que eran considerablemente más oscuros que nunca antes, allanando el camino para todo La masacre de la motosierra de Texas y Víspera de Todos los Santos a El silencio de los corderos.
2001: A Space Odyssey (Stanley Kubrick, 1968)
Stanley Kubrick hizo muchas películas antes de su tiempo, pero 2001: una odisea espacial y es sin duda el que toma el pastel. Con su diseño de set futurista y representaciones sorprendentemente realistas del espacio, la película logró convencer a muchos espectadores de que Kubrick había reutilizado el set para fingir el aterrizaje de la luna. De hecho, la película se ve sorprendentemente moderna para algo hecho a fines de la década de 1960, y fue un sendero para todas las películas de ciencia ficción que llegaron a su paso, como Star Wars y Encuentros cercanos del tercer tipo, posteriormente provocando un fenómeno cósmico.
Además de ser visualmente sorprendente, la exploración de la película de las amenazas de la tecnología se siente increíblemente relevante hoy, especialmente con los amanecer de la IA asumiendo muchos trabajos de humanos reales. El villano destructivo Hal 9000, una computadora artificialmente inteligente que gana sensibilidad, es un símbolo de la humanidad que pierde lo que es realmente importante: comunidad, creatividad y autonomía. Hal 9000 podría ser creado por el humano, pero pronto llega a aprender a destruir la vida humana.
