Agnès Varda - Cleo de 5 a 7
A fines de la década de 1950, un deseo de revitalizar el cine y empujar los límites medios a nuevos generó un movimiento que cambiaría el cine para siempre: la nueva ola francesa. Los directores masculinos, como Jean-Luc Godard, Francois Truffaut y Claude Chabrol, dominaron el período, retratando una visión bastante androcéntrica del mundo. Sin embargo, Agnès Varda, la única directora de la nueva ola francesa, fue pionera en una mirada cinematográfica distintivamente femenina que está encapsulada en su segunda característica, Cleo de 5 a 7.
Lanzada en 1962, la película es un hito del cine feminista y uno de los lanzamientos definitivos de la nueva ola francesa. Sigue a un cantante llamado Cleo (Corrine Marchand) entre las cinco y siete de la noche, mientras espera ansiosamente los resultados de una prueba que determinará si tiene cáncer. La película comienza con una secuencia de cartas del tarot, la lente de Varda se centra en las cartas antes de revelar la cara de Cleo. Cuando el lector de Tarot saca cartas preocupantes, el stock de película de color lúcido se convierte en blanco y negro, lo que indica los miedos de Cleo al eliminar literalmente todo el color de su vida.
Mientras Cleo sube las escaleras, tomando su fugaz mortalidad, Varda emplea hábilmente disparos POV para enfatizar su inestabilidad, enfocándose en las paredes que se rompen y la extensión de afuera a través de una ventana cercana. Varda incluso repite un primer plano de la cara de Cleo varias veces para desorientar al espectador antes de enmarcarla en un espejo. Las reflexiones se convierten en un motivo significativo desde el primer momento, lo que indica la preocupación del personaje por la belleza. Ella se dice a sí misma, aguanta, bonita mariposa. La fealdad es una especie de muerte. Mientras sea hermosa, estoy más vivo que otros.
En lugar de enmarcar el narcisismo de Cleo con el juicio, Varda le permite desempeñar un papel central en su personaje, un barómetro con el que juzgar su progreso en el transcurso de la noche. Significa su dependencia de la belleza y la apariencia externa como la clave para la supervivencia como mujer en un mundo patriarcal, y su ocupación como cantante refleja su dependencia de la actuación en todas las facetas de su vida. La idea de que el género es realizado, defendido por teóricos como Judith Butler, se explora a través de la obsesión de Cleo con parecer femenino y hermoso. A través de Cleo, Varda comenta sobre las demandas impuestas a las mujeres Adherirse a ciertas normas sociales patriarcales, que se vuelven agotadores de llevar a cabo continuamente. Los hombres frecuentemente miran a Cleo, o los espejos la enmarcan desde más de un ángulo a la vez, destacando la idea de que las mujeres son encuestadas constantemente.
No solo se enmarca como narcisista, sino que también es infantil y mimada, con su asistente, Angele, refiriéndose a ella como mi pequeña niña. Sin embargo, después de una interpretación dramática de Sans Toi en su casa, con un opulento bata blanca esponjosa, todo cambia para Cleo. Una sola lágrima roda por su mejilla mientras canta, belleza desperdiciada/ desnuda en el frío del invierno/ solo un cuerpo anhelante/ sin ti. Varda se acerca lentamente para que Cleo sea enmarcado por un telón de fondo completamente negro, enfatizando la importancia de este momento revelador. Desde aquí, decide salir a las calles y deambular por París, pero sin la ayuda de Angele o su peluca. En cambio, ella se pone un vestido negro inteligente como si ya estuviera de luto por su posible muerte y se dirige.
En el transcurso de la próxima hora, Varda llena la película con una increíble cantidad de simbolismo, emergiendo de cada esquina de la pantalla. Su capacidad para usar una radio de taxi lejana para agregar comentarios sobre la Guerra de Argelia o una máscara africana en una ventana de una tienda para connotar el colonialismo y reflejar la preocupación de Cleo por el rendimiento y el trabajo de máscara indica la fuerza de las habilidades cinematográficas de Varda. Mientras Cleo deambula sin rumbo, se encuentra con un amigo y ve un cortometraje, lentamente enfrenta las complejidades de la vida cotidiana, encontrando sustancia más allá de la belleza y el rendimiento. Sus ansiedades que rodean la potencial decadencia de su belleza comienzan a disminuir a medida que acepta su mortalidad, reflejada en la última imagen que vemos de un espejo, una destrozada. El ojo de Cleo está enmarcado en uno de los fragmentos, como ella dice, es un presagio de la muerte. Sin embargo, finalmente decide no recoger las piezas, dejándolas fragmentadas en el suelo.
Mientras Cleo deambula un poco más, se encuentra con un soldado sensible, Antoine, y se conecta instantáneamente con él, encontrando consuelo en compañía de otro. La pareja discute la muerte y la guerra, y Cleo revela que su verdadero nombre es Florencia antes de que Antoine la acompañe a recibir los resultados de sus pruebas. Al final, el médico conduce casualmente a Cleo y le dice que necesitará tener dos meses de quimioterapia, pero debería estar bien. Solo así, las ansiedades de Cleo se confirman, pero no se echó a llorar ni actúa. En cambio, ella sonríe a Antoine y dice: Tengo la sensación de que mi miedo se ha ido. Tengo la sensación de que estoy feliz.
Cleo encuentra la felicidad al descartar los actos rígidos de rendimiento que se esperan de ella, con Varda sugiriendo que la vida sería mucho más liberadora para las mujeres si no tuvieran que adherirse a las expectativas establecidas por los hombres. Con eso, su felicidad proviene de una aceptación de la escasez de la vida, pero de la alegría que se puede encontrar en las simplicidades de cada día, como visitar a un amigo o golpearlo con un extraño y potencialmente encontrar amor. Al final de la película, Cleo ya no es la mujer narcisista y obsesionada que conocemos al principio: ella es Florencia. La película traza su viaje de autoaceptación y descubrimiento, y finalmente se la libera por su diagnóstico. Le permite enfocar su atención en las superficialidades de la vida en las que dependía tanto antes.
Varda imbuye un tema sombrío con esperanza y optimismo, todo mientras comenta sobre cuestiones sociales relevantes de la época, desde las expectativas de las mujeres hasta la guerra argelina en curso y el colonialismo francés. Su rico lenguaje visual y su uso del tiempo como estructura narrativa han inspirado a los cineastas durante décadas desde entonces, y Cleo de 5 a 7 sigue siendo una de las mejores películas sobre las expectativas de la feminidad.
