De Sergei Eisenstein a Andrei Tarkovsky: las 10 mejores películas soviéticas

El lenguaje está mucho más cerca del cine que la pintura. - Sergei Eisenstein

La historia del cine soviético es polémica porque los líderes de la Unión Soviética a menudo veían el cine como la herramienta de propaganda ideal, gracias a su inmensa popularidad. Vladimir Lenin creía que el cine podría usarse de manera efectiva para adoctrinar las masas, ya que podría ser comprendida por casi cualquier persona. Declaró que el cine es para nosotros el más importante de las artes.



Sin embargo, las obras más definitivas de esa época no son las que pueden clasificarse como películas de propaganda. Son las experimentos de cineastas brillantes y teóricos de cine con el floreciente medio que fue cine, experimentos que han dado forma a cómo se hacen las películas hasta el día de hoy.

Eisenstein escribió una vez, es interesante volver sobre los diferentes caminos de los trabajadores de cine de hoy a sus comienzos creativos, que juntos componen los antecedentes multicolor del cine soviético.
A principios de la década de 1920, todos llegamos al cine soviético como algo aún no existente. No nos encontramos con la ciudad de no construir; No había cuadrados, ni calles establecidas; Ni siquiera los pequeños carriles torcidos y callejones ciegos, como podemos encontrar en la cinemotropolis de nuestros días.

Añadió, lanzamos nuestras carpas y arrastramos al campamento nuestras experiencias en campos variados. Las actividades privadas, las profesiones pasadas accidentales, las artesanías sin guarda, las erudiciones insospechadas, todos se agruparon y entraron en la construcción de algo que aún no tenía tradiciones escritas, no había requisitos estilísticos exactos, ni incluso demandas formuladas.



Revisamos algunas de las películas seminales de esa época para comprender mejor el fenómeno que era el cine soviético.

10 mejores películas soviéticas:

10. Tierra (Aleksandr Dovzhenko - 1930)

Parte tercera de Dovzhenko Trilogía de Ucrania , Tierra es una crónica del proceso de colectivización y la hostilidad de los terratenientes de Kulak. La cámara de Dovzhenko presenta imágenes visualmente impresionantes del lado sensual de la naturaleza, trascendiendo las limitaciones de la propaganda para cuestionar conceptos cósmicos.

Dovzhenko mismo explicó, concibí Tierra como una película que anunciaría el comienzo de una nueva vida en las aldeas. La película fue condenada por los críticos soviéticos en el pasado, incluido un ataque mordaz de Demyan Bedny (el seudónimo de Yefim Pridvorov, considerado un importante poeta proletario de la década de 1920).



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Estaba tan sorprendido por el ataque (de Bedny), escribió Dovzhenko, tan avergonzado de ser visto en público, que literalmente envejecí y me puse gris durante la noche. Fue un verdadero trauma emocional para mí. Al principio quería morir.

9. Tengo veinte (Marlen Khutsiev - 1965)

Considerado un hito del cine soviético de la década de 1960, la película fue muy censurada en su lanzamiento, pero la versión definitiva de tres horas fue restaurada en 1989. La obra maestra de Khutsiev sigue a tres amigos de toda la vida que regresan a Moscú después de servir en el ejército, navegando por sus aspiraciones e cuestionando su lugar en la sociedad.

Khutsiev dijo, la confianza absoluta en lo que estás haciendo y dudas persistentes al respecto. Si alguna de estas cualidades supera [las otras], es malo ... lo obstinado decidirá que todo lo que han hecho es [un trabajo de] genio. La indecisión también conduce a nada. Estas dos cualidades son necesarias para el director, todo a la vez.

8. Felicidad (Aleksandr Medvedkin - 1935)

Uno de los trabajos más experimentales en la lista, Felicidad es una comedia negra surrealista, silenciosa y soviética que presenta a un campesino desafortunado que se lleva una aventura salvaje tras otra con su esposa, un vecino y miembros del clero. Es una interpretación brillantemente satírica y existencial de un agricultor soviético que se encuentra respondiendo al estado, las instituciones religiosas, así como a sus compañeros, pero nunca puede encontrar su identidad individual.

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El aclamado cineasta Chris Marker escribió, me pareció [vi [ Felicidad ] Casi de inmediato. Ledoux me invitó a menudo a ver sus nuevos descubrimientos. Ambos estábamos estupefactos, como serían todos los que descubrían la película después de nosotros, por una mezcla única de humor, lirismo y dominio cinematográfico. Además del misterio de la fecha: 1934, y, sin embargo, una imagen silenciosa. Además, el hecho de que los historiadores del cine soviético se olvidaron por el cine y el cineasta ...

7. Balada de un soldado (Grigori Chukhrai - 1959)

Una meditación no convencional sobre los efectos de la guerra, Balada de un soldado es una búsqueda poética de esperanza en los devastados paisajes devastados por la guerra. Sigue a un joven soldado que decide visitar a su madre pero se desvía por el sufrimiento que ve a su alrededor. El dominio técnico de la narrativa visual amplifica esta abrumadora sensación de pérdida y angustia.

Las películas rusas siempre tenían grandes multitudes de soldados, escenas de batalla y personas que daban sus vidas para la patria, dijo el cineasta en una entrevista con el New York Times en 1998. Decidí hacer una película sobre lo que sucede cuando el mundo pierde a una sola persona.

6. Hombre con una cámara de cine (Dziga VERTOV - 1929)

Es sorprendente ver cómo se han examinado los potenciales ilimitados del cine desde sus primeros días. A pesar de Hombre con una cámara de cine Parece ser solo una crónica de la vida diaria del pueblo soviético en Kiev, Kharkov, Moscú y Odessa, es una exploración sorprendentemente vanguardista del proceso de voyeurismo y utiliza técnicas contemporáneas como la cámara lenta, el movimiento de parada y los cortes rápidos.

La idea para El hombre con una cámara de cine Ya había surgido en 1924, reveló el director de fotografía Mikhail Kaufman. ¿Cómo tomó esta idea? Estrictamente hablando, necesitábamos una teoría de Kino y un programa kino en forma cinematográfica. Sugerí tal idea a Vertov, pero no se podía realizar en ese momento.

5. Battleship Potemkin (Sergei Eisenstein - 1925)

Esta película muda soviética de 1925 ha tenido una influencia formativa en el cine e introdujo nuevas formas de interactuar con el medio. La película es una versión dramatizada del motín que ocurrió en 1905 cuando la tripulación del acorazado ruso Potemkin se rebeló contra sus oficiales porque fueron alimentados con carne rancítica. No solo un relato histórico, Battleship Potemkin es una investigación simbólica de las relaciones de poder.

Eisenstein reflexionó, a menudo escucho las críticas de que Acorazado tiene demasiado pathos. Por cierto, la versión que se muestra en Alemania perdió una buena parte de su enfoque político. Sin embargo, todos somos personas; Todos tenemos carácter, pasiones, tareas y objetivos.

El éxito que tuvo esta película en Berlín y en toda la Europa de la posguerra, que se sumergió en la oscuridad de un status quo inestable, debería haberse convertido en un llamado a una existencia digna de la humanidad. ¿No justifica esto Pathos? Deberíamos levantar la cabeza y aprender a ser humanos, necesitamos ser humanos, para convertirnos en un ser humano: esto es lo que esta película apunta, no más y nada menos.

4. Las grúas están volando (Mikhail Kalatozov - 1957)

La obra maestra de Mikhail Kalatozov se centra en la devastación y el dolor causados ​​por la Segunda Guerra Mundial a través de su emblemática protagonista Femenina Veronica, que pierde a su novio durante la guerra. Las grúas están volando Es la única película soviética que ha ganado la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes.

El director de fotografía Sergey Urusevsky dijo, con nosotros existía un derecho tácito de veto. No estuvimos de acuerdo en eso, no se escribió en ningún lado, pero él sabía: si no me gusta algo, no insistirá; Si no le gusta algo, yo tampoco. Por supuesto, tratamos de persuadirnos, argumentamos.

Agregó, nadie retuvo a nadie, lo solicitado, dictado. El lado gráfico de la imagen dependía de mí, y Kalatozov le otorgó una gran importancia a eso.

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3. El ascenso (Larisa Shepitko - 1977)

El Opus Magnum de 1977 de Larisa Shepitko fue la última película que hizo antes de su muerte en un accidente automovilístico en 1979. Establecido durante los días más oscuros de la Segunda Guerra Mundial, describe la cara de dos soldados campesinos que abandonan su unidad hambrienta para buscar en una granja cercana en busca de suministros, pero se ven obligados a retirarse más profundamente en el territorios enemigos cuando ven que los alemanes ya lo han ocupado. La película ganó el Premio Golden Bear en el 27º Festival Internacional de Cine de Berlín en 1977.

El ascenso se basa en Sotnikov , Una novela publicada en 1970 por el escritor bielorruso Vasil Bykaŭ. Hablando sobre el material fuente, dijo Shepitko, identifica la importancia crucial de la fortaleza espiritual del hombre soviético frente a la máquina militar nazi.

Pensé que era muy importante la idea de que el pueblo soviético ganara la guerra no solo por la fuerza de las armas, sino también por su fuerza de espíritu. Por su maquillaje moral superior. Al igual que la historia de Bykov, nuestra película es un intento de rastrear las fuentes de esa fortaleza espiritual y glorificar las hazañas del espíritu humano

2. Ven a ver (Elem Klimov - 1985)

La sombría película contra la guerra del cineasta soviética Elem Klimov es una representación despiadada de la capacidad de la humanidad para el mal descarado. Experimentamos los horrores de la guerra a través del protagonista adolescente, Alexei Kravchenko, en un paisaje que ha sido sometido a una incursión y genocidio nazi. Ven a ver Insiste en que, aunque la guerra ha cambiado lo que significa ser humano para siempre, la dignidad individual es algo que nadie puede quitarnos.

Es una historia convincente de sobrevivir contra viento y marea a pesar de que toda una civilización se convierte en caos a nuestro alrededor. Visceral y conmovedor, Ven a ver es una pesadilla pero necesaria, un recordatorio para que nos mantengamos alejados de nuestros errores pasados.

Klimov dijo que fue algún tipo de reflejo de lo que sentí de mis propias emociones en el momento de la guerra. O, se podría decir, de mi infancia en tiempos de guerra. Porque cuando comenzó la guerra, solo tenía ocho años. Nací y crecí en Stalingrado. Entonces, como muchos de mis amigos y conocidos, todos experimentamos juntos tiempos muy difíciles.

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Tuvimos que trabajar duro. Sentimos sufrir humano. Estos fueron mis recuerdos de la guerra. Recuerdos que nunca me dejarán. Y estoy seguro de que, de una forma u otra, se reflejaron en la película Ven a ver .

1. Acosador (Andrei Tarkovsky - 1979)

Acosador es la mejor película de Andrei Tarkovsky, uno de los mejores cineastas de la historia del cine. Solo esa declaración es suficiente para merecer un lugar en cualquier lista, pero no le hace justicia al cine. Tarkovsky construye una experiencia meditativa que se tambalea violentamente hacia la verdad, pero solo garra en el vacío, una incisión reveladora de la cual se drena una dialéctica vacía. Aunque está estructurado como una expedición al aire libre para llegar a una heterotopía que promete proporcionar nuestros deseos más profundos y oscuros, Acosador Realiza un viaje simultáneo hacia los recovecos psicológicos que nos quedan ocultos.

Tarkovsky cubria la temeridad del género de ciencia ficción con una rica atmósfera de madurez filosófica. Acosador’s El deseo autodestructivo amenaza con destruir todas nuestras nociones preconcebidas, pero se detiene con la elegante restricción de la totalidad poética. La cámara de Tarkovsky se desliza sobre el páramo radiactivo mientras perfora lentamente algunos de los misterios del universo.

¿Por qué no importa a dónde llegó? Porque el camino es infinito, dijo Tarkovsky. Y el viaje no tiene fin. Debido a eso, no es absolutamente ninguna consecuencia de si ya está parado cerca del principio o cerca del final, antes que usted, hay un viaje que nunca terminará. Y si no ingresó al camino, lo más importante es ingresarlo. Aquí se encuentra el problema. Es por eso que para mí lo importante no es tanto el camino, sino el momento en que un hombre entra en cualquier camino.

Añadió, en Stalker, por ejemplo, el enemigador mismo quizás no sea tan importante para mí, mucho más importante es el escritor que fue a la zona como cínico, solo un pragmático, y regresó como un hombre que habla de dignidad humana, que se dio cuenta de que no era un buen hombre. Por primera vez, incluso enfrenta esta pregunta, ¿es el hombre bueno o malo? Y si ya lo ha pensado, él entra en el camino ... y cuando el acosador dice que todos sus esfuerzos se desperdiciaron, que nadie entendía nada, que nadie lo necesitaba, está equivocado porque el escritor lo entendía todo. Y por eso, el tortador mismo no es tan importante.

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