Cómo Fleetwood Mac y Francis Ford Coppola hicieron obras maestras del desastre
Es cierto en muchos casos que la turbulencia y el arte de la vida son una pareja hecha en ... bueno, no del cielo, pero, tal vez, las filas de purgatorio de la tabla media superior. El exorcismo de los problemas a través del arte sin duda ha sido la fuente de muchas obras maestras, pero ¿qué pasa cuando la producción misma del arte en sí se lleva directamente a la turbulencia embriagadora? ¿Qué pasa cuando la lucha que generó la imagen en realidad comienza a agitar la pintura?
Hay dos ejemplos principales de Studio y Screen, un momento en que los problemas detrás del arte no pueden ser secuestrados para su producción y, sin embargo, a pesar de lo que imaginas posible, una obra maestra es arrebatada de las mandíbulas del desastre. Uno de esos casos proviene de la mente mercurial de una de las bandas más finas pero turbulentas de la música rock, mientras que la otra es posiblemente una de las mejores películas jamás hechas. Uno es el álbum impecable y totalmente horrible de Fleetwood Mac Rumores Mientras que el otro, arraigado en la peste de la guerra, es igualmente lleno de pulgas pero maravillosa, Francis Ford Coppola Film Apocalipsis ahora .
Estamos mirando hacia atrás en cómo dos piezas de cultura pop casi perfecta, que definen la carrera y los gigantes generacionales tal como son, pueden rescatarse de las zonas de desastre que las rodearon y se convirtieron en piezas de brillo de calidad de museo dacadas en diamantes en sus campos. Quizás no haya mejor lugar para comenzar que con el tormentoso registro seminal de Fleetwood Mac, Rumores .
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Cuando el mundo de los ojos muy abiertos de la cocaína de la pareja californiana Buckingham y Nicks colisionó con la recompensa de alcohol y blues de la muy británica Fleetwood Mac, en papel, bien podría haber sido un entorno mixto que impidió la productividad. Quizás aún hubiera sido peor si todos se estuvieran follando. Pero posiblemente lo peor de todo, era la realidad de que de repente no lo estaban haciendo. De alguna manera, una obra maestra pop-rock fue generada por esa realidad, sin embargo.
La desvaneciente banda de blues británicas Fleetwood Mac estaba en el mercado para un guitarrista y un avivamiento, Lindsay Buckingham era el hombre que tenían en mente, pero él y Stevie Nicks vinieron como un paquete. En 1975, en su undécimo disco, la banda significó un renacimiento al homontar su primer álbum como el homónimo de cinco piezas (que ahora incluye Buckingham y Nicks). Animados por el éxito de ese disco, regresaron al estudio en 1977, solo que esta vez la gira había tenido un alto rendimiento.
John y Christine McVie estaban en medio de un divorcio mutuamente autodestructivo y tomaron el estudio de Sausalito aislado en una especie de estupor comatoso, cuyos síntomas se referían a negar la existencia de los demás a menos que involucrara expresiones simples poco comunicativas, como ¿Qué clave estás en John?. Buckingham y Nicks habían estado tan cerca que parecían existir como una sola entidad. Tanto es así que su ruptura fue como dividir un átomo junto con la reacción volátil que se produce. Mientras tanto, el pobre y viejo Sticksmith Mick Fleetwood estaba tratando de mantener a esta frágil banda de hermanos desesperados juntos, mientras que también llegó a un acuerdo con el hecho de que su esposa lo había dejado por su mejor amigo. Para completar el Rumor s Receta, agregue una glug de alcoholismo y una pizca de adicción a la cocaína masiva, hornee en un horno californiano y californiano sin ventanas durante 15 horas al día durante casi un año, adornen con un extraño tipo de simbiosis y sirva la perfección pop.
A diferencia de muchos problemas internos, los que están sure en Rumores estaban bien documentados. Permiten los álbumes con un sentido de drama, autenticidad y vitalidad, pero también lo imbuyen con un cierto sentido de hilaridad oscura.
No es de ninguna manera decir que es cómico o novedad, de hecho, todo lo contrario, pero algunas de las situaciones que rodean la grabación se parecen mucho a una parodia del grupo de rocas debatiadas arquetípicas que no puedes evitar reír. Incluso Mick Fleetwood bromea que toda la situación fue quizás lo peor de todo para John McVie porque los demás estaban hablando sobre sus problemas en la canción, solo que John no podía hablar porque no cantó.
Todos sabemos que el período posterior a la ruptura es uno en el que el tiempo y la distancia son necesidades vitales para el reequilibrio personal y emocional. Los miembros de la banda no solo se negaron esto al soportar horas en el mismo pequeño estudio estrecho con la persona con la que estaban rompiendo, sino que también tenían que interpretar o incluso cantar canciones que eran inequívocamente sobre sí mismas.
Todos los días, un amante rechazado se tambaleaba en el estudio agarrando una nueva hoja de letras que condenaba ante el jurado de la banda, el hombre o la mujer se paraban frente a ellos para diferentes grados de vitriolo; el acusado tenía que simplemente tocar reticentemente. De hecho, tuvieron que dar todo a la acusación condenatoria contra ellos.
Fleetwood Mac en la década de 1970. (Crédito: Alamy)
Aunque el tiempo y la distancia posteriores ahora pueden haber agregado alegría a todo el asunto, en ese momento, era cualquier cosa menos la fanfarria extravagante a la que se ha aludido de manera simpática. Ya sea que John y Buckingham se establezcan cabezas creativamente, Nicks y Buckingham reman ferozmente o Mick extrañando a sus hijos y profundizando cada vez más en un exceso narcótico, el estudio era un lugar de tormento en lugar de un lugar de purga de santidad. Era solo la calidad de la música, de la cual todos eran una parte indispensable, lo que los atravesó.
Tomemos, por ejemplo, la canción Dreams. Quizás es demasiado pegadizo y fácilmente cantado para ser considerado el pico de la música desgarradora, de hecho, incluso se reproduce en las bodas con DJ menos líricamente escrupulosos. Sin embargo, la historia detrás de esto es una que no se vuelve mucho más trágica este lado de Orfeo. Escrito por Nicks (en Sly Stones Piano) en una noche de sonido particularmente sombría y solitaria, sabía que había escrito una gema. También sabía que la canción de Barebones que había escrito solo podía ser elevada por el mismo hombre del que la escribió minuciosamente. Del mismo modo, Buckingham no pudo estar bajo ilusiones de que la canción en sí fuera sobre él.
Entonces, imagina si, como una especie de cuadro para el registro, en el momento en que las voces de tres partes tuvieron que ser grabadas: en una sala de estudio silenciosa, oscura y de estudio se paró a Stevie, Christine y Lindsey acurrucados en pulgadas aparte alrededor del mismo micrófono y vertiendo sus angustias, sin duda en ese momento, se agrega el dolor de corazón, es frenoso, es frenoso, es una actuación más dura bajo una actuación más emocional. Y, sin embargo, es esa muy vulnerabilidad combinada con la liberación catártica de la gran música rock, lo que le da a la canción su inmediatez vibrante y emotiva.
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El último giro en la historia de este difícil registro fue el hecho de que habían hecho tanta grabación que algunos de los óxidos en las cintas analógicas habían sido realmente desgastados por las cabezas de la cinta, lo que significa que se perdió cualquier cosa de alta frecuencia y, por lo tanto, se tuvieron que usarse en exceso para mezclar meticulosamente todo a su calidad original.
El hecho mismo de que a pesar de todo lo que existe este disco es un testimonio, no solo con la fuerza de los cinco músicos en cuestión, la desafiante beligerancia del arte o el poder del álbum en sí, sino que aparentemente es el pegamento salvaje pero sin embargo de buen corazón de los grupos que guían a Daddy, Mick Fleetwood. Es, por lo tanto, tal vez apropiado que el reverso del álbum presente una serie de fotos en las que la banda se abraza en un raro momento de alegría alegre cuando Mick se detiene a un lado sonriendo. Quizás sea aún más apropiado del álbum que la única canción que acredita a los cinco como compositores es el acertadamente llamado The Chain, un punto destacado particular en un álbum de aspectos más destacados.
Rumores es la cacofonía destilada de cinco personas que se desmoronan y, sin embargo, en la cima de su juego. A pesar de todo el caos y la desesperación, es el sonido de un espacio enrarecido entre el amor loco y debate y su contrapunto sombrado, personas en su mejor momento y peor. Sin embargo, lo más importante es que nada de esto está imbuido retrospectivamente a través de la lente de la historia que ahora sabemos, todo está tan perfectamente capturado y presente en el sonido.
El disco encapsula todo lo que estaba sucediendo: toda la angustia del retroceso, el cómic de tragedia de la tragedia, la musicalidad compatible, los excesos opulentos y todo el júbilo inherente que fueron, a su manera más burlona, lo superan juntos. En resumen, el registro es de alguna manera una expresión loca total de amor: todo se fusiona para hacer no solo uno de los mejores registros de rock and roll jamás sino uno de los mejores registros de la historia.
(Crédito: Alamy)
Igualmente tan vital para el rico tapiz de la carrera de uno como Rumores es a Fleetwood Mac, la película de guerra épica de Francis Ford Coppola Apocalipsis ahora estaba destinado a fallar sin hacerlo. El aclamado director empujó a todos al límite con su visión y casi le costó, y varios miembros del elenco y la tripulación, sus vidas. Es una historia de construcción creativa que libra la guerra contra los elementos.
A veces miras un carrete de comedia y piensas No puedo creer que estos afortunados bastardos reciban pagos por esto, otras veces escuchas de una película tan pesadilla al hacer que parecería si Dante fuera a reelaborar su Infierno Para los tiempos modernos, el cine seguramente se reservaría como un círculo de infierno.
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Apocalipsis ahora Transpone la novela de Joseph Conrad The Heart of Darkness en la Guerra de Vietnam. Los eventos del conflicto en sí siendo reemplazados por el subtexto cultural que existía dentro de él. Del mismo modo, el guión de John Milius tomó un segundo plano a favor del deseo del director Francis Ford Coppola de atraer más a la novela, un trabajo seminal sobre depravación psicológica a medida que atraviesa un viaje hacia el infierno figurativo y la locura casi literal.
El viaje de Apocalipsis ahora Desde el inicio hasta la pantalla no era muy diferente. En muchos sentidos, este rebelde es una encapsulación más adecuada del conflicto en sí, por lo que el objetivo final era en gran medida intangible, en una guerra que se había convertido, como se indicó en un expediente filtrado por el entonces Presidente Lydon B. Johnson, el 80 % sobre la cara salvada. Este fin indeterminado y la suspensión del progreso solo se sumaron al desgarrador sin sentido de aquellos soldados que sirvieron. Apocalipsis ahora refleja esto como una alegoría, pero inadvertidamente también lo hizo su producción.
Puede haber habido un momento en que Coppola se puso de pie, agarrando su copia de bolsillo en la jungla filipina, sudoración, sin camisa y estresada a los globos oculares y vio en la línea que estaba escrita, debería ser leal a la pesadilla de mi elección el presentación de su propia situación. El horror! El horror!.
Podría haber hecho una comedia alegre en un buen estudio de Hollywood con aire acondicionado, o simplemente podría haber tomado su lujosa Padrino Echeflets, retirado a su rancho de vinos de Napa Valley y nunca volvió a tocar una cámara. En cambio, apostó esa misma propiedad para recaudar fondos para lo que sería una de las producciones de películas más horribles imaginables, ofreciendo $ 30 millones de su propia riqueza como garantía para reforzar el presupuesto de la película, arriesgando la ruina financiera si la película se derrumbó. Sin embargo, como él mismo lo dice, si no te arriesgas, ¿cómo vas a hacer algo realmente hermoso, que no se ha visto antes?
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Aunque hermoso probablemente no sea el primer superlativo que se le traiga a la mente, Apocalipsis ahora es ciertamente una obra maestra de sui generis que nunca se había visto antes, o desde entonces para el caso. No obstante, claramente debe haber momentos durante el caótico disparo de 238 días, cuando todo parecía un riesgo demasiado (sin mencionar los dos años de postproducción).
Dennis Hopper y Martin Sheen en Apocalypse Now 1979. (Crédito: Alamy)
La hoja de desastres de ejecución es la siguiente: Coppola había querido a Steve McQueen para el papel principal de Willard, pero después de meses de expresar interés, McQueen retiró las preocupaciones sobre el rodaje (inicialmente programado) de 14 semanas en la jungla. Harvey Keitel fue elegido, pero no duró más de diez días de disparos después de que se tomó la decisión de que no era correcto para el papel. Martin Sheen entró y luego salió temporalmente debido a un ataque cardíaco casi fatal, y el ataque cardíaco no fue la única emergencia médica que sucedió al líder. También se lesionó pararse demasiado cerca de una explosión, y el corte sostenido en su pulgar en la secuencia de apertura era muy real.
Era su cumpleaños número 36, Sheen en ese momento era alcohólico, se le permitía beber todo el día, así que cuando llegaba a la noche y la escena de la habitación de hotel con TEPT completamente improvisada, estaba tan renovado que apenas podía pararse. Bajo la dirección de Coppola, ahora asustado, Martin, golpeó el espejo, lo que resultó en una herida masiva a lo largo de su pulgar. Coppola quería dejar de filmar para permitir que una enfermera lo viera, pero Sheen declaró que las cámaras debían seguir rodando mientras quería exorcizar algunos de sus propios demonios alcohólicos a través del conducto de su personaje. Suficiente de la sed artística de Coppola presidió su mejor juicio, y la secuencia inquietante y sangrienta permaneció sin cortar.
Después del Sheen de la escena, ahora vendado y desnudo, pero aún bañado en su propia sangre, se tumbó en la cama del hotel en un estado de intoxicación y felicidad posterior a la autodir Gracia asombrosa . Sheen estaba lejos de ser el único que participó en excesos. El uso de drogas prodigiosas fue tan abundante entre la tripulación de filmación como entre los soldados de Estados Unidos que sirvieron en el Mar del Sur de China. Dennis Hopper exigió una onza de Coca -Cola antes de registrarse en la película. Cuando llegó, se lo consideró inadecuado para el papel inicialmente previsto e inmediatamente se refundió como un personaje inventado en el momento. El hipppy que vemos en la pantalla que vemos en la pantalla se improvisó casi por completo.
Del mismo modo, cuando Marlon Brando finalmente acordó firmar por sus $ 3 millones en un día de pago mes, llegó para desempeñar el papel de una boina verde ultra ajustada que pesaba más de 300 libras. Pasó sus primeros cuatro días en el set sin tener absolutamente ninguna filmación, y cada vez que Coppola entraba en su trailer para tratar de abordar el tema de la actuación de Brando lo engancharía para hablar sobre algo completamente no relacionado como el béisbol.
Su falta de preparación tampoco se limitaba únicamente a su peso. A pesar de exigir que su personaje se llamara coronel Leighley en lugar de Kurtz, porque sonaba más como el viento a través del maíz, pronto se reveló que no había leído el guión o el material de origen. En su cuarta noche de trailer lujosamente bien pagado Gorging, finalmente leyó el libro y salió a la mañana siguiente energizó y acordó que su personaje ahora debería llamarse Kurtz, lo que significa que en todas las escenas filmadas anteriormente el nombre tuvo que ser ensuciado en la postproducción. Al final, sus escenas, que presentan algunas de la iluminación más espectacular en la historia del cine, solo fueron filmadas de esa manera para ocultar su físico hinchado. Y lo que es más, gran parte de su famoso monólogo fue improvisado en el acto.
Francis Ford Coppola y Marlon Brandoon el conjunto de Apocalypse Now 1979. (Crédito: Alamy)
Incluso los elementos parecían estar ocurriendo contra la película. Después del hipo con Keitel, el horario volvió a la pista, y las cosas iban bien cuando el tifón Olga golpeó, destruyó el set y resultó en un despido de 8 semanas.
Puede que no haya sido Vietnam, pero Filipinas también tuvo sus propios problemas. El presidente Fernando Marcos había prometido todos los helicópteros y buques de guerra necesarios para la película, pero no había contado con una escalada en el conflicto de los países con los rebeldes de la milicia; Por lo tanto, gran parte del botín militar de Coppola tuvo que ser retirado para servir en batallas reales. Al igual que los pilotos los volaron, tan a menudo el piloto que filmaba la escena no era el presente en los ensayos.
Todo esto tuvo un alto rendimiento en Coppola. Perdió tanto peso que pudo volver a escabullirse en los estados no reconocidos para lanzar Sheen. Sufrió una convulsión epiléptica, donde le dijo a su esposa que estaba a la deriva en la oscuridad. Amenazó con suicidarse tres veces. Y, como era de esperar, en un momento, tuvo que registrarse en el hospital.
Al igual que el esfuerzo de guerra en sí, tampoco había fin a la vista. Durante la producción, dijo Coppola, llamo a esta película completa la Idiodyssey. Ninguna de mis formas de hacer las cosas funciona para este final. He intentado tantas veces que sé que no puedo hacerlo. Puede ser una gran victoria solo saber que no puedo hacerlo. No puedo escribir el final de esta película. No es sin ironía que la película realmente se abra y cierra con The End junto a las puertas.
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Este caos constante sin sentido y la naturaleza de inicio de la producción paralela perfectamente el mensaje central de la novela y la película, la muerte, la vida y el renacimiento, en un grado casi místico. Lo que estaba sucediendo en el set en Filipinas reflejó la guerra real, como lo expresa Coppola: la forma en que lo hicimos era muy parecido a la forma en que los estadounidenses estaban en Vietnam. Estábamos en la jungla. Hubo muchos de nosotros. Teníamos acceso a demasiado dinero, demasiado equipo y poco a poco, nos volvimos locos. En muchos sentidos, el libro reflejó la película, la película reflejó la guerra y la guerra reflejó la producción.
Como Werner Herzog dijo una vez, viajaría hacia el infierno y lucharía una película lejos del diablo si fuera necesario, y una vez casi tomó un extra con su oferta para matar a su líder súper difícil Klaus Kinski, por lo que sabe algo o dos sobre producciones difíciles. Parece que Coppola se acercó tanto a profundizar en el infierno para hacer una película como sea posible y al hacerlo, Vietnam perfectamente encapsulado. El epitafio de la Guerra de Vietnam fue La guerra es el infierno, y el apocalipsis ahora no se trata de Vietnam. ¡Es Vietnam!.
Estos dos ejemplos son reliquias de una época pasada. Producciones donde los artistas tenían control sobre los Bigwigs como opuestos al revés. Nos imaginamos que rara vez en el mundo de la música y el cine de hoy en día se permitiría continuar, que los organizadores y los proveedores de dinero no intervendrían para garantizar que su inversión permaneciera intacta. Pero vale la pena señalar que en el año de nuestro Señor 2020, un año que puede resumirse en gran medida como un fuego de basureros de la cabaña, que incluso en el lodo de tiempos desastrosos, una obra maestra puede surgir.
