Cómo Sofía Coppola redefinió el drama independiente

En el verano de 2003, solo 13 años después de que el director Francis Ford Coppola concluyó su aria de sufrimiento humano con El Padrino Parte III , Su hija Sofía volvió a marcar la opulencia y la ópera para crear una forma más de experiencia cinematográfica. Sofía Coppola trajo una perspectiva más discreta y equilibrada a la arena dominada por los hombres, creando un trabajo más suave y elegíaco en el que los espectadores podrían ser seducidos.

Su justificación era simple: quería tratar a las espectadoras con el mismo tacto y respeto a los directores masculinos que ofrecían su público. Siento que tengo un punto de vista femenino y estoy feliz de publicar eso. Ciertamente tenemos suficientes masculinos, dijo. Nunca sentí que tuviera que encajar en la vista mayoritaria. Tal vez crecer con tantos hombres fuertes a mi alrededor significaba que sentí, no lo sé, estrechamente relacionado con ser femenino. Quiero decir, en mi primera película, tenía ganas de hacer algo para las adolescentes. Miré las películas que hicieron para las adolescentes y pensé: ¿Por qué no pueden tener una fotografía hermosa? ¿Por qué no deberíamos tratar a esa audiencia con respeto? Eso fue algo que me perdí cuando tenía esa edad: deseé que las películas no fueran tan condescendientes. Así que supongo que siempre he hecho las películas que hubiera querido ver.

Perdido en la traducción fue la primera vez que Sofía apuntó su oficio a los hombres, así como a las mujeres, pero la película no atiende a un género a expensas del otro. En cambio, es una película sobre profunda soledad: una película que fue más densa para los fanáticos de Bill Murray, es decir, y más triste que el público de los principales dramas que se usaron a principios del milenio.

Explorando el lugar de Sofía Coppola en el legado del cine

Veniendo después de las películas turboalimentadas de la década de 1990, Perdido en la traducción Fue tanto un shock para el público como para los personajes centrales que no pudieron comunicar sus deseos y pensamientos más internos al público en general. Con el peso de una interpretación vulnerable de Murray, sin olvidar a Scarlett Johannson en su fama anterior a la marca, la industria cambió invariablemente para encajar en su voz: una mirada más sombría y seria a las relaciones con la portentosa de la serie Godfather.

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En efecto, Perdido en la traducción Personifica la ansiedad que siente la mayoría de los ex pares en otro continente, particularmente en uno que no habla su idioma. Murray encarna al viajero humilde y solitario en medio de la angustia personal, buscando un país o una persona para ofrecerle perdón.

Incluso 19 años después, la actuación tiene un tremendo pathos, especialmente después de una pandemia de dos años que encerró a los ciudadanos en sus hogares, lejos de las comodidades de sus amigos y sus colegas. La soledad durante la pandemia llevó a muchos a dudar de su salvación en los países que se suponía que los serviría y protegería. Perdido en la traducción Demuestra la persistente sensación de fragilidad en el mundo, encarnando un cierto fatalismo que se adhiere a la audiencia, mucho después de que los créditos hayan rodado.

Pero a pesar de toda su oscuridad y sensibilidades de largo alcance, Perdido en la traducción no está del todo libre de las trampas de la grandeza. La película está llena de exuberante textura, curando una vista de Tokio que demuestra el romance, el rigor y las regulaciones que funnels la ciudad en el día a día.

Sofía Coppola no puede evitar dejar que la cámara corriera junto con los vehículos, invocando la urgencia del área, y algunos de los disparos capturan el esplendor que su padre reservó para la Italia que temía que la sociedad estaba rechazando rápidamente.

Pero la película se centra principalmente en la sensación interminable de la soledad, ya que los turistas se dan cuenta de que tienen que dejar a un lado sus diferencias, con la esperanza de obtener algún tipo de conexión. Y a diferencia de las películas que su padre encabezó, Sofia Coppola decide mantener la película con una longitud más observable, ya que la película se cierra después de 102 minutos de longitud.

No hay una boda exuberante de la que hablar, ni hay un montaje dinámico que selle su personaje principal en la dirección en la que había pasado toda una vida luchando. En cambio, lo que obtenemos es una poesía de un tipo más contemporáneo. Es menos las gloriosas capacidades del cine, pero muestra lo que los directores independientes pueden lograr, siempre que el artista y el guión estén en perfecto tiempo.

Los ritmos narrativos tienen propiedades emocionales, en oposición a estilísticas,, ya que las líneas tienen un resplandor, en lugar de relleno. Y a su manera, la película es tan consciente del viaje del personaje como su padre fue para Michael Corleone en El Padrino Parte II . Lo que demostró era que había dos directores brillantes en el clan Coppola: uno podría crear una épica que pudiera resistir el cambio de tono y textura, y el otro podría demostrar que había poder en el proceso de retiro y cansancio.