Cómo las salpicaduras en un muro convirtieron a Jackson Pollock en el dibujante más hábil
La pintura de lienzo después de que Jackson Pollock ingresó a la escena artística nunca fue la misma. Así de poderoso era el trabajo de Pollock, transformando solo la trayectoria de la pintura. Si pensabas que las pinturas de Pollock eran simplemente salpicaduras sin sentido de pintura en una pared, más cerca del dibujo de un niño de 5 años en un refrigerador de cocina que de la capilla Sixtina de Michelangelo, entonces tal vez pueda convencerte de lo contrario.
Pollock saltó a la fama en las décadas de 1940 y 1950 mientras trabajaba en Nueva York junto con otros expresionistas abstractos, todos muy diferentes entre sí. Willem de Kooning era diferente de Mark Rothko, quien era aún más diferente de Clyfford todavía. Sin embargo, un hilo suelto conectó al grupo: en la América de la posguerra, el expresionismo abstracto marcó un momento decisivo, una ruptura distinta del pasado que fragmentó el canon artístico occidental durante el siglo XX.
Pintar bien y verdaderamente ya no se trataba de lo que viste en el lienzo, sino lo que sintió cuando lo viste. Se trataba de experimentar lo que experimentó el artista mientras haciendo el lienzo, No es el producto final.
Se podría argumentar que esta técnica no hizo a los expresionistas abstractos draftsmen si lo que está viendo es una mezcla de colores de aspecto vómito. Pero la naturaleza misma de la forma en que nosotros, como espectador, nos conectamos tanto con el artista a través de su acto de pintura es profundo y genio. En ese momento, el arte ya no se trataba de belleza estética, líneas rectas y piel de porcelana, sino de emoción pura, cruda y salvaje.
Cada artista trabajaba de manera diferente, pero Pollock colocó sus lienzos en el piso y trabajó sobre ellos, tomando el control total del espacio. Utilizó pintura de aceite y esmalte, que proporcionó dos efectos diferentes, uno más similar a la mancha y el otro más rico y más opaco. Puede observar esto en la forma en que su técnica de goteo tiene un efecto de acuarela, mientras que otras áreas son más vibrantes en la parte superior, agregando multidimensionalidad al lienzo plano.
Lo que muchos no saben es que Pollock nos dejó las migas de pan para encontrar dentro de sus lienzos. Así es, no solo usó pintura. Claro, era el punto principal y focal principal, pero si observa de cerca, muchas de sus obras incluyen moscas aplastadas, colillas y huellas de cigarrillos, lo que indica que caminó sobre el lienzo.
De esta manera, no solo estamos viendo pintura en una pared, sino el propio Pollock y su proceso de fabricación de arte. No hubo bocetos preliminares involucrados; Solo el movimiento y los sentimientos directos se vertieron literalmente en el piso.
La pintura tiene vida propia. Intento dejar que pase.
Jackson Pollock
La fotógrafa Martha Holmes creó una serie excepcional de fotografías en 1949 para Tiempo , documentando el proceso de pintura de Pollock. La serie ilustra perfectamente mi punto, ya que Pollock es el tema de las fotografías, atrapada en el proceso de fabricación, en lugar del lienzo. Estas fotos son una representación del artista, no de la obra de arte, y eso es lo que sus pinturas tienen como objetivo hacer también.
Uno: Número 31 , de 1950, es uno de los lienzos más importantes de Pollock, que abarca cinco por dos metros y medio. El lienzo se había envuelto alrededor de su camilla, lo que significa que no tenía bordes. Por lo tanto, el tema no se limitaba a ningún espacio, sino que podría sangrar en su entorno libremente. Sentimos una sensación de inestabilidad cuando estamos envueltos en un lienzo que excede los límites de los límites y se convierte en parte del muro y nuestro espacio.
Además, no hay ritmos formales o repeticiones en la superficie. Las manchas, las salpicaduras y las manchas son aleatorias y no tienen relación con sus marcas vecinas, destacando la singularidad de las pinturas de Pollock que no se pueden replicar ni el movimiento y el dinamismo involucrados en la ejecución. Se establece una oposición sorprendente entre el objeto de arte, un producto estático de pintura solidificada y el proceso de hacerlo.
La técnica de Pollock llegó a ejemplificar la pintura de acción, un término acuñado por el filósofo y crítico estadounidense Harold Rosenberg. Esta idea eliminó cualquier preocupación estética de la obra de arte, lo que resultó en un lienzo que muestra simplemente el residuo del proceso de fabricación. En pocas palabras, el valor de Action Painting está claramente aparentemente del arte en sí.
Este principio se construyó sobre lo que Pollock definió su arte, es decir, centrado en la primacía del acto en sí. En una declaración publicada en la edición de invierno de 1947-48 de The Avant-Garde Journal, Posibilidad , Pollock dijo: Mi pintura no proviene del caballete. Casi nunca estiro mi lienzo antes de pintar ... En el piso estoy más a gusto. Me siento más cerca, más parte de la pintura ... y literalmente estar en la pintura ... La pintura tiene una vida propia. Intento dejar que pase. Por lo tanto, Pollock se consideró a sí mismo como un mediador o mensajero entre el arte y el espectador.
Te invito a mirar más allá de lo inmediato y abrir tus mentes para explorar e imaginar cómo era el proceso de pintura, no solo ver el lienzo como el punto final. Como Rosenberg explica perfectamente en su artículo The American Action Painters, publicado en diciembre de 1952, lo que iba al lienzo, no fue la imagen sino un evento.
