Los 10 mejores momentos de películas de 2024
2024 estaba lleno de sorpresas cinematográficas. Desde el horror corporal que se enciende hasta el Vaticano, convirtiéndose en la zona cero para el thriller más suspenso del año, había mucho por qué deleitarse, sin importar el género de la película que elegiera ver. Kapadia de Payal Todo lo que imaginamos como luz y el de Sean Baker Aor Robó los corazones del público, mientras que Luca Guadagnino nos adornó con dos dramas con carga eróticamente muy diferente.
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Entre todas las listas de las mejores películas y actuaciones, no queremos dejar que algunos de los momentos más asombrosos del año sean sin secelamiento. Para todas las escenas constantemente impactantes en La sustancia o momentos dolorosos en Queer , hay ciertas escenas que se destacan como encapsulaciones perfectas de sus respectivas narraciones y las deslumbrantes hazañas del cine por derecho propio.
Hacer la lista también son secuencias de algunas películas que han volado bajo el radar. Hay momentos desgarradores, momentos reveladores, momentos surrealistas y momentos francamente desagradables, pero lo que todos tienen en común es que nos sumergen en el mundo de cada película de la manera que todos esperamos estar inmersos cuando entramos en una teatro o una obra de teatro.
Desde un homenaje romántico hasta una película de ciencia ficción de la década de 1950 hasta un viaje de ayahuasca sorprendentemente conmovedor, estos fueron los momentos que nos barrieron de nuestros pies en 2024.
Los mejores momentos de películas de 2024:
10. La escena de la cena ( Un verdadero dolor , Jesse Eisenberg)
Kieran Culkin es el regalo que sigue dando, y después de su representación de un alma perdida carismática pero problemática en Jesse Eisenberg's Un verdadero dolor , un momento eliminatario de la película tuvo que hacer la lista. La historia sigue a dos primos que visitan la ciudad natal de su abuela muerta en Polonia, calculando con la idea de lo que constituye un verdadero dolor mientras exploran la historia traumática de su familia durante el Holocausto. Mientras ambos hombres están lidiando con sus propios fallas y problemas personales, lidian con su derecho a luchar y las tensiones tácitas entre ellos, llegando a una cabeza en una escena mientras visitan la antigua casa de su abuela.
Si bien Benji parece ser una de esas almas brillantes con un sentido ilimitado de optimismo, aprendemos que tiene una historia personal complicada. Después de que ambos hombres se enfrentan a la naturaleza fluctuante de su relación, intentan reconciliarse en la puerta del apartamento de su abuela. Es un momento perfecto que se ve equilibrado por el poder nostálgico y la comedia perfectamente cronometrada, con la pareja intentando volver a conectarse con sus raíces pero ser frustrada por los vecinos cercanos.
Termina con un tono conmovedor y conmovedor que refleja el núcleo del tema, observando nuestra incapacidad para enfrentar ciertos dolores y la culpa que sentimos sobre abordar a los demás, especialmente al compararlos con el gran esquema de sufrimiento. Las actuaciones de Culkin y Eisenberg están tocando y afectando, creando una historia en capas y maravillosamente divertida sobre lo que constituye un dolor real.
9. Conocer a tu yo mayor ( Mi viejo culo , Megan Park)
Cuando ves por primera vez la premisa de Megan Park Mi viejo culo , inevitablemente, se preguntará (y se preocupe) cómo el director puede lograrlo. Protagonizada por Maisy Stella como Elliott, un adolescente que conoce a su yo más antiguo (Aubrey Plaza) mientras tropieza con hongos, tiene una premisa de ciencia ficción que a menudo no se encuentra en una comedia independiente en la mayoría de edad, pero se siente tan natural que todas las trepidaciones se refieren instantáneamente cuando los personajes se encuentran por primera vez.
Elliott es suficientemente asustado y escéptico cuando Plaza le dice quién es. Esos no son mis dientes, dice ella. No tengo una maldita brecha en los dientes, sí, jódete, usa tu retenedor, Plaza responde. Sus bromas recuerdan instantáneamente a los hermanos disputados, lo que parece mucho más plausible que asombro o respeto.
Parte del encanto es el guión de Park, pero también es la química magnética entre Stella y Plaza. Tonto, irreverente y la cantidad justa de extrañamente erótico, su primer encuentro golpea el tono perfecto y le permite al espectador saber que está en manos seguras. Esta es una película especial, y es esta reunión inicial, manejada con tanto humor y restricción, que muestra su mano.
8. El final ( De la quimera , Alice Rohrwacher)
De la quimera es una película bellamente misteriosa y desgarradora sobre alguien que siempre está atrapado entre la vida y la muerte, incapaz de encontrar alegría en su vida de vigilia y cargada eterna por el peso del dolor.
Josh O'Connor es completamente magnético, se queda con la vida con un hilo y busca desesperadamente algo para conectarlo con un viejo amor y eliminarlo de la realidad. Hay un sentimiento de magia restringida que explota durante la escena final, lo que nos permite sentir el poder completo del innumerable anhelo de Arthur mientras se encuentra atrapado bajo tierra, sacrificando su vida para volver a conectarse con los muertos.
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Es encantador y devastadoramente humano, con Rohrwacher capturando un alma perdida incapaz de encontrar un propósito a raíz de una tragedia y en su lugar tratar de destruirse a sí mismo.
7. Ataque de la mujer de 50 pies ( El amor yace sangrando , Vidrio de rosa)
Protagonizada por Kristen Stewart como una mujer en la década de 1980, Nuevo México, que se enamora de un culturista interpretado por Katy O’Brian, la película de Rose Glass se convierte en un thriller criminal de pulso en la mitad. Intercalado con el tono surrealista y cósmico de un cielo nocturno centelleante y alucinaciones alimentadas con esteroides, la película está intercalada con elementos surrealistas y cósmicos. En un momento, sin embargo, el vidrio no solo insinúa el surrealismo; Ella dedica una secuencia completa a él.
Hacia el final de la película, Lou (Stewart) y Jackie (O’Brian) están tratando de escapar del padre asesino (Ed Harris) del ex. Mientras se encuentra sobre Lou, a punto de matarla, Jackie comienza a expandirse, sus músculos atravesaron su ropa. Implente sobre los demás, ella agarra a Lou Sr justo cuando él presiona un arma en el templo de su hija. Dejándolo roto en el suelo, las dos mujeres huyen de la escena. Al avanzar sobre el mundo del tamaño de una muñeca, atraviesan las nubes contra un cielo púrpura, libre y juntos por primera vez.
La escena es un homenaje directo al horror de ciencia ficción de 1958 Ataque de la mujer de 50 pies , en el que una ama de casa se convierte en un gigante imponente que es objetivado y temido. En esa película, el tamaño es una monstruosa amenaza para las costumbres patriarcales de los años 50. En el amor se encuentra sangrando, es una forma de liberación y una expresión de cómo Jackie y Lou han encontrado una manera de escapar del tormento de sus vidas.
6. El viaje ( Queer , Luca Guadagnino)
Como adaptación de la novela de William Burroughs, el público esperaba ansiosamente el lanzamiento de Luca Guadagnino Queer , Una historia sobre un expatriado solitario que vive en Nuevo México cuya vida está perturbada por la presencia de un hombre mucho más joven. Daniel Craig es una revelación como William, que encarna la calidad embrujada de un hombre que anhela una intimidad que no puede realizarse plenamente. Guagdanino ha descrito la película no como una historia sobre el amor no correspondido sino como una historia de amor no sincronizado, con una sola escena en la que su conexión se alinea brevemente.
Durante el tercer acto, los personajes se embarcan en un viaje para encontrar la esquiva droga de la ayahuasca, finalmente descubriéndolo en las profundidades de la jungla y la unir. Lo que sigue es una secuencia discombobulante y surrealista a medida que los personajes se fusionan juntos y se convierten en uno, derretiéndose entre sí y finalmente alcanzando el nivel de intimidad que William desea tan profundamente.
No es suficiente estar cerca de Eugene; Quiere absorber y estar completamente envuelto por él, tratando desesperadamente de comunicar un sentimiento que siempre se ha limitado a espacios oscuros y ocultos y convertirse en uno a través de una conexión con otra persona. Es una escena febril e inquietante que captura el poder crudo de Queer y el devastador deseo de William de ser visto como humano, perdiéndose con una esperanza que lo envuelva por completo.
5. Monster Elisasue ( La sustancia , Caroline Fargeat)
El éxito de terror del cuerpo de Coralie Fargeat está lleno de momentos electrizantes. Protagonizada por Demi Moore como Elisabeth, una actriz que toma una misteriosa sustancia para crear una versión más joven de sí misma, no tira sus golpes con imágenes horribles y piezas deslumbrantes.
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Existe la escena de activación en la que Sue de Margaret Qualley explota de la espalda de Elisabeth, y está la escena de la cocina, donde el personaje cada vez más decépito de Moore hace una de las comidas más repugnantes del año, pero es la escena en la que Sue intenta reactivar La sustancia Ese es lo más sorprendente.
Hasta ese momento, el descenso de los personajes en la descomposición física ha sido una evolución constante. Es fácil para la audiencia sospechar (y temer) hacia dónde se dirigen. Pero cuando Sue se inyecta la inyección de un solo uso por segunda vez, absolutamente podría suceder. ¿Otra versión más joven saldrá de su espalda como la primera vez? ¿Ella caerá muerta? ¿Elisabeth volverá a la vida? Es uno de los momentos más suspensivos de la película, y Fargeat de alguna manera logra exceder las expectativas.
Subiendo del piso donde acaba de salir de la espalda de Sue está Monstro Elisasue, una criatura pesada y deformada con tres fosas nasales, un solo ojo, una cara adicional en la espalda y varios juegos de dientes. Es el punto de inflexión en la película y el momento en que queda claro que todas las apuestas están apagadas, sin importar a dónde pensaste que se dirigía.
4. Mr Melancholy Attacks ( Vi el brillo de la televisión , Jane Schoenbrun)
El viaje de Lynchian de Jane Shoenbrun hacia la disociación adolescente es alucinante desde el principio. Protagonizada por el juez Smith como Owen, un adolescente solitario que encuentra espíritus afines en los personajes de un programa de televisión sobrenatural llamado El opaco rosa , explora cuestiones de soledad, disforia y la falta de fiabilidad de la memoria. Pero una escena lleva el tono constantemente inquietante en territorio aterrador.
Como adulto, el compañero de Owen Opaco rosa El entusiasta reaparece después de haber desaparecido durante varios años y le dice que ha estado viviendo dentro de la serie. A su impulso, vuelve a ver el final del programa, en el que el villano, el Sr. Melancholy, entierra vivos a los protagonistas. El personaje tiene el cuerpo de un humano pero la cara de un bebé atrapado dentro de la luna, una clara referencia a la histórica película de 1902 de Georges Méliès Un viaje a la luna . Pero no hay nada cómico en la escena.
Bañado en azules oscuros y verduras enfermas, se vuelve cada vez más pesadilla a medida que la voz distorsionada del Sr. Melancholy y las fronteras fluctuantes de su cara llenan la pantalla. Es el momento más horrible en una película que no es de antaño este año, ejemplificando los terrores de una vida atrapada en algún lugar entre la realidad y la ficción.
3. Punto de partido ( Retador , Luca Guadagnino)
Luca Guadagnino Retador Fue un éxito sorpresa cuando aterrizó en los cines este verano. Protagonizada por Zendaya, Josh O'Connor y Mike Faist, es un triángulo amoroso sexy centrado en el tenis y unidos por una puntuación propulsora de Trent Reznor y Atticus Ross. La película comienza y termina con el mismo partido de tenis entre Patrick (O’Connor) y Art (FAIST), intercalado con flashbacks que revelan su historia juntos, su relación con la ex estrella de tenis Tashi (Zendaya), y por qué este partido es un punto de inflexión para todos ellos.
La escena final Reúne todos los hilos. Sudoroso y exhausto, los hombres loban la pelota de un lado a otro sobre la red mientras Tashi observa desde la audiencia, sus ojos siguiendo la pelota de un lado de la cancha al otro. La tensión sexual entre los personajes ha estado trabajando hasta un punto álgido a lo largo de la película. Fuera de la cancha, son discordantes y no cumplidos. En la cancha, están en perfecta sincronización electrificada.
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Harkening a un momento anterior en que Tashi compara el tenis con una relación, esta escena demuestra que los personajes nunca se han amado o deseado más que cuando están jugando el juego. Cuando ocurre el enfrentamiento final, Guadagnino encuentra una manera de hacer que ambos hombres ganen, colapsando en los brazos del otro en un éxtasis agotado y sudoroso.
2. Monólogo de Ralph Fiennes ( Cónclave , Edward Berger)
Cónclave es uno de los thrillers políticos más apasionantes y relevantes del año, explorando la búsqueda egoísta del poder a raíz de la democracia desmoronada y aquellos que explotan la tragedia para su propio beneficio personal.
El director Edward Berger hace la pregunta de si alguien puede considerarse realmente bueno explorando las motivaciones de aquellos que normalmente consideramos que son más morales, exponiendo el funcionamiento interno del proceso de selección como un grupo de cardenales elige al próximo Papa. Hay muchos momentos asombrosos en la película , pero hay un monólogo de Ralph Fiennes que quita el aliento, con su personaje planteando preguntas sobre el significado de la fe y en los tiempos de incertidumbre, algo que se presta bien a los problemas que enfrentamos en el mundo real.
A pesar de estar absorto en su propia crisis de fe, su personaje se dedica a lo correcto, nunca vacilando de sus deberes y permanece ferozmente comprometido con un futuro que mejor sirve a las personas más vulnerables, creando un mensaje poderoso sobre la importancia de la esperanza y la compasión en un mundo moderno.
1. La escena del auto ( Aor , Sean Baker)
Aor fue una de las películas más esperadas del año, con Sean Baker siendo elogiado por su historia moderna de trapos a riqueza. Si bien las películas anteriores de Baker han optado por un final recubierto de azúcar que se burla de la preferencia de Hollywood por finales sabrosos y seguros, la querida independiente eligió hacer algo diferente, con una escena final que es asombrosa en su honestidad y confrontación de los problemas que se refiere a la película.
Después de embarcarse en una persecución de ganso de pesadilla para localizar a su esposo, Anora finalmente se enfrenta a la aleccionadora realidad de que el matrimonio nunca fue genuino y que la relación fue completamente transaccional, y su valía la pena reducir a la intimidad física que ofrece Ivan, lo que significa nada más que un objeto.
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Mientras lamenta la vida que casi tenía, intenta pagar a la única persona que mostró amabilidad hacia ella de una forma en que sabe cómo antes de llorar antes de llorar y permitiéndose sentirse herido por su propia impotencia. Es un Odyssey destrozante del amor moderno y las ideas misóginas que han corrompido la verdadera intimidad, destrozando nuestras expectativas de la historia de amor del cuento de hadas con una amarga realidad.
