Cinco obras maestras de películas con un elemento imperdonable

De vez en cuando, salimos del cine sintiéndonos simultáneamente inspirados y decepcionados por lo que hemos visto. Podría ser una película espectacular, pero de alguna manera, te deja obsesionado con un pequeño detalle que arruina ligeramente su efecto general.

Podría ser una elección de edición extraña, el grado de color o la elección de canciones en un momento crucial que permanece en su mente y te persigue un poco mientras te preguntas por qué el director fue golpeado por esa elección. ¿Por qué el color azul? ¿O la decisión de terminar con esa escena? ¿O la elección del actor en el papel principal?

Esto no siempre evita que la película sea una obra maestra, pero es una pequeña pepita de información que persiste, sin embargo, contaminando el impacto de algo que de otro modo sería perfecto. Hay algunas opciones ampliamente acordadas que están fuertemente debatidas entre los amantes del cine y los críticos, pero hay algunas otras que a menudo se pasan por alto.

Entonces, sin más preámbulos, aquí hay cinco películas que han cometido crímenes creativos que nos hacen ver a través de una lente menos perfecta.

Cinco grandes películas con un elemento imperdonable:

5. Retador (Luca Guadagnino, 2024)

Retador fue una de las películas más queridas Lanzado este año. Con un emocionante triángulo amoroso y una química eléctrica entre los miembros principales del elenco, la puntuación implacablemente enérgica se convirtió en la banda sonora del verano después de que irrumpió en la escena y se discutió sin cesar y se separó en línea. Sin embargo, hubo un elemento crucial en la película que me molestó más allá de la creencia y aún me irritó cuando lo revisé hace unas semanas.

Durante la escena fundamental en la habitación del hotel, Tashi le dice a Art que lo dejará si él pierde el partido, y se la ve hidratando sus piernas al comienzo de la conversación. Ella levanta una bañera de loción y comienza a frotarla en su piel, con la audiencia viendo una foto de la loción de primer plano mientras la recoge y luego otro primer plano de la loción mientras la pone en la mesa. Después de ver esto, me preguntaba si esto se volvería relevante más adelante y que tal vez uno de ellos arrojaría la loción a la otra persona. ¿Por qué más no veríamos uno sino dos primeros planos de una tina de loción sin sentido?

Pero no, no había razón para que esto fuera incluido. La loción permaneció firmemente sobre la mesa, y no se lanzó una bañera a cualquiera de los personajes involucrados. Estaba estupefacto y flumado; ¿Por qué se incluyó un tiro de corte tan inútil en un momento tan alto? Por desgracia, no había motivación detrás de este doble disparo, y para mí, eso es absolutamente imperdonable.

4. El diablo se lleva prada (David Frankel, 2006)

El diablo se lleva prada es una de esas películas perfectas que puedes volver a ver un millón de veces y nunca te cansas de ellas. Desde los atuendos impecables, deliciosos guiones y actuaciones estelares de Meryl Streep y Anne Hathaway, es un clásico innegable que nunca se siente viejo. Pero, hay un aspecto de la película con el que lucho, y esa es la representación del novio de Andy, Nate, como una víctima cuando es, de hecho, el antagonista de la película.

Nate siempre está pintada como el compañero perfecto que siempre apoya a Andy y sus ambiciones. Sin embargo, una vez que comienza su nuevo trabajo y tiene una carrera exigente en la que no puede darle todo su tiempo, él se vuelve gruñón y despectivo. Se burla de su trabajo cuando ella habla sobre lo estresada que está, y cuando Miranda la llama por teléfono, él levanta el teléfono y lo tira, a pesar de saber que ella no respondía a él, poner en peligro su carrera.

Nate es claramente la fuerza antagónica de la película, y la idea de Andy de que es una mala compañera porque llegó tarde a su fiesta de cumpleaños, mientras que él constantemente menosprecia su carrera y hace que los comentarios misóginos sobre las otras mujeres en su oficina son una broma enferma.

3. La La Land (Damien Chazelle, 2016)

Amo La La Land; demandame. Me encanta la era dorada de Hollywood, musicales originales y una paleta de colores coordinada, y todo esto elementos trabajaron juntos maravillosamente en Damien Chazelles ‘Historia de dos artistas con dificultades en Los Ángeles modernos. Ryan Gosling interpreta a un pianista de jazz con sueños de abrir su propio club, que está pintado como el que levanta el género de las trincheras y populariza una forma de arte moribundo.

Este es un elemento cuestionable en el mejor de los casos, con muchas personas criticando esta narrativa y la idea de que un hombre blanco será el que salvará el jazz, un estilo de música creado por músicos negros. Sebastien habla sobre el jazz como si resucitará todo el género, algo que aparece en el complejo de salvador blanco que ha afectado a las narrativas de Hollywood durante muchos años, con personas como El libro verde siendo un excelente ejemplo de esto.

2. ¡Madre! (Darren Aronofsky, 2017)

¡Madre! es controvertido por muchas razones, con algunos audiencias disfrutando de la alegoría de ansiedad y algunos que encuentran las capas temáticas muy en la nariz y explícitas. Después de un tiempo, entiendes exactamente a dónde va, y se vuelve un poco tedioso en la forma en que sigue aumentando un mensaje que entiendes después de 30 minutos.

Después del lanzamiento de la película, Jennifer Lawrence habló sobre el impacto psicológico de protagonizar la película después de una escena particularmente perjudicial hacia el final, con el bebé de su personaje me arrebató de brazos por un grupo de extraños que han invadido su casa y viendo cómo está destrozado. Es un momento horrible que es grotesco y extremadamente inquietante, y Lawrence describe cómo la filmación de esta escena fue muy traumática, con el actor que necesitaba un largo período de recuperación después de que la producción había envuelto.

El mensaje de la película fue claro en este punto, y aumentar este momento de una manera tan extrema es imperdonable, sin una necesidad real de ver algo así representado en la pantalla.

1. Bebé de Rosemary (Roman Polanski, 1968)

Muchas vistas Bebé de Rosemary Como una de las películas de terror más aterradoras de todos los Timmi. Sigue a una mujer joven que se muda a un nuevo edificio de apartamentos con su pareja para comenzar una familia y queda atormentada por una misteriosa presencia. Es un retrato escalofriante que articula el horror de los roles de género a través de elementos sobrenaturales, con Rosemary iluminado por gas y abusado por su esposo y descubre lentamente esto después de una serie de ocurrencias inquietantes.

Sin embargo, el hecho de que Roman Polanski dirigió esta película es lo que lo hace imperdonable, ya que es extremadamente irónico que, una vez más, una película sobre violencia sexual y fuerzas demoníacas fue hecha por el propio Diablo, que es un autor de estos mismos crímenes.

Solo es aceptable disfrutar de esta película si imagina que fue dirigida por completo por otra persona, pero desafortunadamente, mi imaginación solo se extiende hasta ahora, y me siento rechazado cada vez que pienso en el hombre detrás de él.