El arte visual olvidado de Alan Vega

Es muy revelador sobre la forma en que Alan Vega vivió su vida hasta el lanzamiento de una reedición de lujo de 2008 de su trabajo musical, todos creían que era diez años más joven de lo que realmente era. Esto personifica cómo el Renegado de la Demimonde desafió la burocracia y permaneció por delante de los tiempos y, a menudo, antes de la detección. Era un hombre que no parecía nacido de todos modos, en tanto como parecía arrastrarse de una cuneta de Nueva York y crujir con el negocio de la vida, siguiendo siendo un reprobado Maverick para siempre.

Con la música, es más difícil de esconder, pero en el mundo de las artes visuales, es más fácil para el creador pasar por alto a medida que su trabajo se revuelve. Esta era la forma en que le gustaba operar. Después de todo, su primera introducción al mundo del arte fue a través del colectivo radical de Nueva York conocido como la Coalición de Trabajadores del Arte. El objetivo del grupo era presionar principalmente a los museos de la ciudad a reformarse. Esencialmente, querían hacer que el mundo del arte fuera más abierto e inclusivo, y para lograr esto, irónicamente, barricaban el Museo de Arte Moderno. A menos que todos puedan entrar, entonces nadie puede.

Fue durante este tiempo que conoció a su amigo, Martin ‘Rev’ Reverby, y la pareja continuaría en este vano iconoclasta creativo a partir de entonces. En agosto de 1969, fueron testigos de los títeres, y la vida nunca volvería a ser la misma para ellos. Como Vega dijo una vez, fue cuando vi a Iggy Pop, eso fue lo que me hizo. Eso cambió mi vida más o menos. El suicidio pronto se formaría, y Vega se convirtió, bueno, no era un nombre familiar, sino definitivamente uno del sótano.

Todo el tiempo, continuó practicando el arte visual. Originalmente, estudió en Brooklyn College bajo el artista Ad Reinhardt, conocido por predicar el concepto peculiar de negro sobre negro. Vega, sin embargo, estaba menos confinado en su exploración artística. Comenzó con dibujos surrealistas que invocaban las escenas de las batallas medievales. La idea era tal vez proyectar el desorden de hoy en el pasado o tal vez viceversa para mostrar las fichas de dominó del mundo. Junto a estos, también incursionó en pinturas abstractas, buscando claramente su nicho en el mundo.

Al igual que con el suicidio, esto llegaría con escombros escasos y en forma de descomposición y la metralla de la sociedad. En las esculturas de chatarra, los cables se golpearían alrededor de las pantallas de televisión, con trozos de 2 × 4, bombillas rotas, plataformas desconocidas y más adornando la masa de disposición urbana. Esto puede sonar sin sentido, pero reflejó la descomposición a su alrededor en Nueva York.

Como Richard Hell, el pionero punk y el ciudadano adoptivo de la Gran Manzana, una vez dijo: las cosas siempre cambian y Nueva York te enseña eso. Estaba cambiando más rápido que el conejo de carreras en la década de 1970 y no siempre para mejor. Entre 1969 y 1974, la ciudad perdió 500,000 empleos de fabricación. Posteriormente, un millón de hogares dependían del bienestar, las violaciones y los robos triplicados, las drogas corrían desenfrenadas y los asesinatos llegaron a un máximo de 1690 al año. Sin embargo, mucho arte proviene del caos y el desafío: Nueva York fue un cóctel creativo de ambos. Vega lo estaba tragando.

Como escribió Fran Lebowitz: Cuando sales de Nueva York, te sorprende lo limpio que está el resto del mundo. La limpieza no es suficiente. Una gran cantidad de artistas disfrutaron del exceso de mugre, y resultó en un extraño cenit cultural . El punk surgió y la cultura pop derribó el enfoque burgués del arte de una vez por todas, y los campos de siembra para el hip-hop pronto florecerían. En resumen, había una colmena de arte de Nueva York.

Como Edmund White escribió en Chico de la ciudad : Tuve la suerte de vivir en Nueva York cuando era peligroso, nervioso y lo suficientemente barato como para ser el anfitrión de jóvenes artistas sin dinero. Esa fue la era de las cafeterías, ya que se definieron en Nueva York: los restaurantes cheap abren todo el día donde se puede comer por menos de lo que costaría cocinar en casa. Esa fue la era de los jeans desgarrados y las camisetas sucias, cuando el tipo de personas que están impresionadas por los signos materiales de éxito no eran las personas que querías conocer.

Esa sensación de desafío y creación de algo de estos escombros también estaba presente en el arte de Vega. No todas las bombillas en sus estatuas de descomposición estaban rotas, algunas estaban iluminadas. Al igual que el resto de los restos, los había salvado desde las calles. Esto significa que de alguna manera, sus creaciones fueron mini Nueva York, literalmente hechas para representarlo de manera tangible. Para tejer los lazos de la ciudad con la cultura pop en su lugar, él también arrojaba algunas imágenes de celebridades, recortadas de revistas para mostrar la naturaleza desechable de la fama también.

Este elemento de colaño también aparecería en otros elementos de su trabajo, entre no menos que el uso prominente de suicidio de los sonidos y proto-muestreo de suicidio, en el que continuó profundizando en el costado. Sin embargo, sus exposiciones se detuvieron formalmente en 1983. Su fama había crecido, y las placas giratorias resultaron difíciles. Quizás por diseño, sus artes visuales cayeron en la oscuridad lejos del mundo subterráneo. Por desgracia, es una marca de búsqueda creativa incansable que continuó explorando en el fondo, trabajando para siempre, tratando de aprovechar para siempre aprovechando el fondo y cambiar mientras lo hacía.

Alan Vega, el arte del suicidio del Suicidio, apareció en Sotheby's en asociación con Celine y Hedi Slimane. https://t.co/0dxkjgi8e6 vault @Sothebys @celineofficial @Jaredartaud pic.twitter.com/xdq5jq1fuv

- Alan Vega Oficial (@Alanvegahq) 9 de mayo de 2023