Escúchame: Ningún país para viejos es una obra de arte subestimada

La versión de 2007 de Joel y Ethan Coen sobre la novela de Cormac McCarthy No hay país para los viejos , es quizás su obra maestra. Mientras estaba calificado en ese momento, y el destinatario de decenas de premios, catorce años después, la película se pasa por alto dentro de su cine de filmografía y moderno. Tomó los temas del destino, la conciencia y las circunstancias que los hermanos habían explorado en sus películas anteriores Sangre simple , Criando Arizona y Fargo y perfected them.

Quizás hasta una historia que fue escrita por uno de los mejores maestros literarios, McCarthy, el rey de la versión nihilista de la condición humana moderna, tanto la novela como la adaptación cinematográfica de No Country for Old Men, ofrece. Una visión crítica sobre la existencia humana y el mundo moderno en general.

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Aparentemente etiquetada como una versión bastante pesimista del mundo moderno, también se puede tomar como una discusión gnóstica que pone en duda el cristianismo ortodoxo profundamente organizado que es tan generalizado en la sociedad estadounidense. No se debe olvidar que ningún país para los viejos es una pieza de época dentro de sí misma, escrita en el Weary Post 9/11 World of 2005. Establecido en los años 80, este es un dispositivo efectivo para llevar a los usuarios de regreso cuando el neoliberalismo y la tecnología estaban comenzando a tomar un pie.

En 2009, McCarthy resumió la violencia en su trabajo, posicionándose como un equivalente moderno a Thomas Hobbes. Él dijo: no existe la vida sin derramamiento de sangre. La noción de que la especie se puede mejorar de alguna manera, que todos podrían vivir en armonía, es una idea realmente peligrosa. Aquellos que están afectados por esta noción son los primeros en renunciar a sus almas, su libertad. Tu deseo de que sea así te esclavizará y hará que tu vida vacía.

Sin embargo, la película toma el nihilismo bañado por la sangre del libro y lo convierte en una obra maestra serena, una nueva construcción de los westerns revisionistas de Anthony Mann y Sam Peckinpah, llenos de yuxtaposiciones. La representación de Tommy Lee Jones del sheriff Ed Tom Bell, perfectamente da vida al personaje de McCarthy.

Posicionado como un remanente de una era pasada, encarna el tema filosófico central de la novela y la película, que el mundo está cambiando y está trayendo consigo una nueva forma de maldad. En este sentido, es la modernidad y la guerra contra las drogas. Sin embargo, Ellis, el primo de Ed Tom, proporciona un lámina a esto, diciéndole a Ed Tom y la audiencia que el mal siempre ha estado allí, simplemente viene en diferentes formas. Él dice: Lo que tienes no es nada nuevo. Este país es duro para las personas. No puedes detener lo que viene, no todo te espera. Eso es vanidad.

Minimalista como Sangre simple y Fargo, No hay país para los viejos se destaca por su falta de música. La única partitura real que tiene es el viento, dándole un ambiente natural y solitario, y cuando se toma en conjunto con la inauguración del desierto de la película, posiciona la versión ficticia del oeste de Texas como representante del Edén estadounidense, intacta por la modernidad, pero con esta abrumadora sensación de la calma antes de la tormenta. De hecho, el busto de drogas donde nuestro protagonista, Llewelyn Moss de Josh Brolin, decide cortar con los $ 2 millones del cartel es significativo. No todo está bien en Eden.

En un sentido, representa cómo una decisión puede desencadenar una cadena de eventos que uno no tiene capacidad para cambiar, similar al efecto de mariposa. Por otro lado, en relación con este entorno pacífico y celestial, hay un elemento de Eva que le da un mordisco de la manzana y todos los males que conlleva. La densidad tampoco se detiene allí. El intercambio de drogas que salió mortalmente mal está tan claro de un ejemplo de que el mundo moderno de los años 80 estaba invadiendo el mundo del Ed Tom Bell, los últimos restos verdaderos del Viejo Occidente del muy romántico y cristiano.

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Ed Tom Bell es un personaje maravilloso, y la actuación de Tommy Lee Jones es una de esas pantallas raras donde, después de mirar, siempre asocias al personaje con la actuación. Él pone a enfoque el mundo mundial de un hombre de la edad de jubilación, y se enfoca brillantemente en cómo casi naturalmente, a medida que envejecemos, parece que nos oponemos cada vez más a la forma en que va el mundo. La esencia de esto se resume críticamente por los comentarios de Ellis.

¿Qué también es icónico? Hermanos Coen ‘La adaptación es la forma en que se empaqueta como un neo-occidental, pero de hecho, rompe muchos de los estereotipos del género. En lugar de posicionarse como un cuento de moralidad donde el sheriff heroico y de sombrero blanco simplemente está en desacuerdo con los criminales de sombrero negro, en el centro de la película, es la idea de que la moralidad en realidad no juega parte palpable en la vida, ya que todos nos encontramos con el mismo fin.

Solo depende del espectador si quieren vivir su vida de acuerdo con las reglas, morales o religiosas, con la ligera esperanza de alguna recompensa en la vida futura. Pero al igual que McCarthy, el Coen muestra expertamente que esta es quizás una forma inútil de abordar la vida, ya que ninguno de nosotros puede detener lo que viene.

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Todos moriremos, no hay escape. El conducto para este tema es el antagonista de Javier Bardem, Anton Chigurh. Aquí es donde se encuentra la verdadera brillantez de la película. En las páginas de la novela, Chigurh es un personaje aterrador y opaco de orígenes desconocidos. Evidentemente, se pretende ser una apropiación moderna del ángel de la muerte, y su representación en la película aumenta esto.

No es estéticamente malvado como Lord Voldemort o Darth Sidious y es esta naturaleza simple del carácter de Chigurh lo que lo hace tan aterrador. Se han dibujado muchos paralelos entre su representación y la personificación de la muerte de Bengt Ekerot en 1957 El séptimo sello . Con un tazón de corte que actúa como su capucha, vestido de negro y usando la pistola de ganado en lugar de la guadaña, el destino de Chigurh incorpora el destino.

La única oportunidad que le da a sus víctimas por aplazamiento es un lanzamiento de monedas. ¿Quién puede olvidar la escena en la que visita a la esposa de Llewelyn, Carla Jean de Kelly MacDonald, diciéndole desde las sombras, esto es lo mejor que puedo hacer? Esto instantáneamente enfoca las similitudes entre elegir creer en o en contra de Dios y apostar su vida en el lanzamiento de una moneda. La línea más pertinente en quizás toda la película es Chigurh diciendo: Si la regla que siguiste te trajo a esto, ¿de qué sirve la regla?

El final ambiguo de la película captura la naturaleza cíclica de la vida y el hecho de que los humanos son tan desesperados como el resto de los habitantes del planeta a pesar de su conciencia. Un sentimiento frío pero verdadero, la cinematografía de Roger Deakins acentúa perfectamente los temas. Hermoso pero horrible, esto habla de la dualidad innata de la vida, y el Coen muestra magníficamente el hecho de que desde el momento en que naces, estás en un boleto de ida a otro lugar.