Violencia, ira y desesperación en la película de Gregg Araki The Living End
A principios de la década de 1990, surgió un nuevo modo de cine independiente estadounidense en respuesta a la crisis del SIDA y la creciente marginación de las personas queer. El nuevo movimiento de cine queer, que incluía directores como Todd Haynes, Cheryl Duyne y Gus Van Sant, representaba personajes no heteronormativos, típicamente butes de la sociedad. Además, estas películas generalmente exploran temas anticapitalistas y antipatriarcales, subvirtiendo las normas sociales a través de temas cinematográficos igualmente subversivos y técnicas formales.
Sin embargo, una de las voces más grandes y duraderas del movimiento fue Gregg Araki. Nadie parecía capturar voces jóvenes como él, destacando la desilusión y el nihilismo que muchos jóvenes homosexuales experimentaban durante la década de 1990. Araki le dio a sus personajes una total autonomía, mostrando sin vergüenza el amor y el sexo queer, en un momento en que había un estigma significativo en torno a la homosexualidad, ya que el SIDA siguió siendo un problema frecuente. Imbitando sus películas con una campanina distintiva, Araki combinó influencias de alta y baja ceja para crear su propio lenguaje cinematográfico que funcionó para desestabilizar las normas de la realización de películas convencionales.
Mientras que Araki se hizo mejor conocido por su Apocalipsis para adolescentes Trilogía, que apareció Totalmente jodido, en ninguna parte y La generación de la fatalidad , su tercera película, El final vivo , sigue siendo su meditación más poderosa sobre desilusión y ira. Lanzada en 1992, la película sigue a dos jóvenes hombres homosexuales, Jon y Luke (sin duda una obra de teatro sobre el nombre de Jean-Luc Godard), ambos VIH positivos. Mientras Jon es un crítico de cine tranquilo, Luke es un vagabundo que salta de cama y sin rumbo, pero los dos comienzan una relación poco probable. La pareja está harta de sus situaciones, inseguras de cuánto tiempo tienen que vivir y enojados por el desprecio gubernamental. Se embarcan en un viaje destructivo por carretera después de matar a un policía, y Araki alimenta la película con ira, hablando con una comunidad de personas que aún lo fueron, y aún lo son, decepcionados por los que están a cargo.
Araki interrumpe hábilmente la convención a través de su enfoque sin disculpas, filmando la película él mismo, a menudo disfrutando de primeros planos que no nos dan más remedio que sumergirnos en el espacio del personaje. A menudo nos encontramos muy cerca de los personajes mientras conducen, como si estuviéramos sentados justo al lado de ellos, uniéndose a ellos en su viaje hacia la destrucción.
El diálogo de la película ofrece una visión pertinente de las frustraciones que sienten los hombres homosexuales durante este tiempo, y debido a la naturaleza de bajo presupuesto de la película de Araki, las emociones del personaje se sienten aún más auténticas. En una secuencia, Luke ofrece un breve monólogo que encapsula perfectamente la ira sin complejos que sienten muchos: quiero decir, ambos vamos a morir, tal vez en diez años, tal vez la próxima semana. Pero no es como si quisiera vivir para siempre y enojarte y morir en este mundo feo y estúpido de todos modos. Quiero decir, somos víctimas de la revolución sexual. La generación ante nosotros se divirtió, y podemos recoger la jodida pestaña. Cualquiera que fuera follado antes de que el sexo seguro sea jodido. Creo que todo es parte de la solución final republicana neonazi.
actor coreano de rapido y furioso
Mientras que las películas de carretera clásicas generalmente presentan amigos masculinos o una pareja heterosexual, El final vivo verdaderamente encarna el significado del subgénero, que es, según David Laderman, autor de Visiones de conducción: explorando la película de carretera , Rebelión contra normas sociales conservadoras. Hay mucho sexo y violencia en la película de Araki, y los dos a menudo se fusionan en uno. Esto es más prominente al final de la película cuando Jon y Luke intentan matarse entre sí, con Luke casi suicidándose mientras tiene relaciones sexuales con Jon, solo para que el arma se atasque. Posteriormente se abrazan cuando la cámara los enmarca bajo una hermosa puesta de sol, dejando el final ambiguo.
Incluso se puede interpretar que Luke, lo contrario de Jon, es solo un producto de la imaginación de Jon, una respuesta a sus temores después de ser diagnosticado con el VIH. Si este es el caso no importa realmente. En su núcleo, El final vivo es una excelente entrada en el nuevo canon de cine queer boyado por una mezcla de nihilismo, ira y desesperación. Araki crea una película que habla de las comunidades marginadas, dando un gran dedo medio hacia la autoridad. La estética de bricolaje que define El final vivo Solo hace que sus temas sean más poderosos, y Araki se niega a permitir que las restricciones de costos se interpongan en su camino.
