Hablando líricamente: Cómo el suicidio creó la canción más aterradora de Frankie Teardrop
Oh, escuchemos por Frankie. - Suicidio, Frankie Teardrop, (1977).
Es a mediados de la década de 1970, y las calles rebeldes de Nueva York han descendido al pronóstico de pesadilla distópica en mil viajes de ácidos malos desde la década anterior. La solución tecnológica para una sociedad que prometió la progresión de la posguerra se ha tragado en nada más que la expansión del concreto y el surgimiento de la arquitectura brutalista. Sin un anillo de vida emitido por los que están en el poder o prominencia, que estaban más preocupados por las amenazas desde lejos que el inicio de la descomposición interna, los habitantes de la ciudad se hunden en el fastidio poslasario de crimen y castigo.
Al verlo, todo se desarrolla desde la vista peligrosa de un volante de la taxi de la ciudad, como una encarnación gonzo del documentalista Adam Curtis, que ha perdido toda la subjetividad y se ha roto en un ataque de ira desesperada, es Travis Bickle. El taxista de Martin Scorsese tipificó la podredumbre creciente de la Gran Manzana. Entre 1969 y 1974, la ciudad perdió 500,000 empleos de fabricación. Posteriormente, un millón de hogares dependían del bienestar, las drogas corrían desenfrenadas, las violaciones y los robos se triplicaron, y los asesinatos llegaron a un máximo de 1690 anual. Sin embargo, gran parte del arte proviene del caos y el desafío: Nueva York fue un cóctel creativo de ambos.
Entonces, el suicidio decidió retomar donde Scorsese lo dejó y mostrar el verdadero potencial de la música para perturbar la imaginación. Su historia era similar. La canción cuenta la historia de una fábrica trabajadora que está atrapada en la rutina mecánica de la vida diaria, y sus luchas para llegar a fin de mes a pesar de la sangre, el sudor y las lágrimas lo llevan lentamente hacia la locura. Y eso es solo la mitad.
En un estado de desesperación, un día, Frankie, nuestro protagonista caído, regresa a casa y mata a su esposa antes de quitarse la vida. El destino de su hijo de seis meses se queda ambiguo entre los desgarradores chillidos de Alan Vega. Luego, la canción sigue su decrépito descenso al infierno, terminando con la línea: todos somos Frankies / Todos estamos mintiendo en el infierno.
Líricamente, la canción es audazmente simplista. La diegesis de la historia es correcta hasta el punto, y ninguna línea excede más de cinco palabras. Esta franqueza, irónicamente, hace que la canción sea más puntiaguda. La canción es tan angustiante que nunca quiere dejarte de ser el anzuelo con poesía. Por lo tanto, hace sus puntos inequívocamente, permitiendo que la música traiga textura de terror a los procedimientos. Los sonidos no solo son sinónimos de un espeluznante espeluznante, sino que también imitan la naturaleza industrial del desmoronamiento de Nueva York. Además, simplemente crea un ritmo rápido para igualar el latido del miedo, lo que naturalmente induce una sensación de ansiedad.
Sin embargo, la canción puede ser desgarradora, pero es una marca de desafío artístico. Cuando la podredumbre se colocó, Vega era parte del colectivo radical de Nueva York conocido como el Coalición de trabajadores de arte . El objetivo del grupo era presionar principalmente a los museos de la ciudad a reformarse. Esencialmente, querían hacer que el mundo del arte fuera más abierto e inclusivo y para lograr esto, se encerraron el Museo de Arte Moderno. Si la cultura ofreció una salida y una comunidad, entonces debería dar la bienvenida a todos y encapsular la vida.
Es simbólico del estado de Nueva York a mediados de la década de 1970 que Frankie Teardrop encapsuló la vida allí. Sin embargo, es igualmente simbólico de sus ciudadanos artísticos desafiantes que el suicidio pudiera convertir la verdad de la situación grave en una obra que es horrible de las mejores maneras.
