¿Qué significaban las latas de sopa para Andy Warhol?

Hay una declaración que persigue el arte que empuja los límites como un eco en una capilla. Lo sabes, lo sé, y si eres como yo, oírlo afeitado unos años fuera de tu vida: ¡mi hijo podría hacer eso! Es tentador despedir a la persona que lo dice como un contrario ignorante, ansioso por aparecer por encima de lo que esté frente a ellos. Sin embargo, el fenómeno persiste. Ni siquiera es una queja moderna: uno de los objetivos más infames de esta burla no era otro que el propio Andy Warhol, cuyo trabajo con frecuencia enfrentaba acusaciones de no ser arte.

Sin embargo, con Warhol, el viejo y antiguo provocador que era, esa era una conversación que estaba tratando de provocar dentro de su audiencia y más allá. Para cuando era el artista estadounidense más famoso del mundo, estaba pidiendo a su audiencia que definiera por sí misma la diferencia entre el arte y el producto, si fue uno en absoluto.

Esta era una pregunta que no estaba solo al hacer. El movimiento del arte pop comenzó a principios de la década de 1950 con la formación del grupo independiente en Londres en 1952. Esta fue una coalición de artistas como Eduardo Paolozzi y William Turnbull, junto con escritores y críticos como Toni Di Renzio y Reyner Banham, todos dedicados a examinar el arte que podría encontrarse en los objetos desechados o encontrados. Cosas como publicidad, tiras cómicas y similares.

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Roy Lichtenstein ya había encontrado éxito con su panel de cómics inspiró obras de principios de los años 60, pero Warhol estaba particularmente ubicado para tener una relación más íntima con la idea del arte pop que nadie. Vea, la mayoría de las luces principales de la escena del arte pop eran altos artistas y académicos que habían explorado los ámbitos de la cultura pop en busca de inspiración.

Warhol, por otro lado, lo vivió. Se cortó los dientes como un ilustrador para todos de Revista glamor y Tiffanys a RCA Records y Simon y Schuster, creando anuncios y portadas para registros y libros. Esta práctica se mantuvo vivo hasta bien en su CAReer como artista, pero a diferencia de otros, que habría mantenido su trabajo comercial y artístico separado, Warhol no vio la necesidad de separarse.

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Después de todo, por su propia admisión, era un hombre de simples placeres. Cuando el propietario de la galería y amigo de Warhol Muriel Lalow le preguntó a Andy qué amaba más, respondió, dinero. Le encantaban las estrellas de cine y la Coca-Cola, y casi todos los días de su vida, tendría la sopa de Campbell para el almuerzo.

Si el arte es una expresión de lo que viene de adentro, ¿por qué no podrían esas comodidades cotidianas que a todos les encanta ser parte de eso? Después de todo, según Warhol, los productos fueron el gran ecualizador. En su libro La filosofía de Andy Warhol , escribió, Estados Unidos comenzó la tradición donde los consumidores más ricos compran esencialmente las mismas cosas que las más pobres ... todas las cocineras son las mismas y todas las cocineras son buenas.

Era esta actitud a la que estaba rindiendo homenaje cuando, en 1962, dio a conocer una de las piezas más famosas de arte americano de todos los tiempos. 32 lienzos, cada uno que representa una lata de la sopa de tomate de Campbell. Todos ellos igual. Todos ellos bien. Por supuesto, mucha gente estaba escandalizada, pero eso sucederá cada vez que se haga algo que se hace algo de los límites. Si esa creación es empuje de límites e intensamente técnica o algo así como todos los días como una lata de sopa. Todo tiene belleza, y depende de nosotros encontrarlo.