¿Por qué Kraftwerk todavía suena más como el futuro que la música moderna?
Al considerar los sonidos futuristas, mis pensamientos flitan involuntariamente al pasado. De hecho, todas nuestras experiencias están en el pasado, y el presente es solo una ilusión que lleva sin cesar el pasado, para tomar prestada una línea de nuestro amigo literario F. Scott Fitzgerald. Sin embargo, parece extraño que, para mí, los sonidos futuristas sean aquellos que escuché en videos de física educativa de la década de 1980 o los transmitidos por Kraftwerk dos décadas antes de que yo naciera.
Los alemanes son conocidos por los elegantes diseños industriales de Bauhaus y la ingeniería de primer nivel. En cuanto al consejo de Basil Fawlty, no mencionaré la guerra, pero parece importante tener en cuenta que la propaganda y las películas hechas en cierto punto de la historia retrataron al alemán estereotípico como un robot frío y sin emociones en una máquina bien engrasada. Cuando Kraftwerk de Düsseldorf se estableció en 1970, parecían abrazar estos estereotipos.
En aprecio por la rica historia de Alemania en el diseño progresivo, Kraftwerk presentó una imagen de uniformidad estéril: peinados cuidadosamente recortados y trajes a juego detrás de un escritorio lineal de equipo. Esta estética complementó un sonido progresivo creado utilizando síntesis de última generación, vocoders y secuenciadores, documentando un capítulo en la evolución tecnológica.
tharita cesaroni
Desde su oda seminal hasta las carreteras alemanas hasta el synth-pop brillo de La máquina de hombres , Kraftwerk parecía eternamente consciente del futuro. De hecho, cuando proclamaron que somos los robots en 1978, incorporaron efectivamente el futuro, iluminando un camino para personas como David Bowie, Gary Numan y OMD. Pero colocar la estética y los temas artísticos a un lado, el catálogo de Kraftwerk suena igual de futurista hoy en día, mucho más que cualquier estilo musical contemporáneo.
Este fenómeno tiene varias causas probables. En primer lugar, la década de 1970 fue una década de propagación maníaca en música y tecnología, los dos valsing inseparablemente. Los aterrizajes lunares de 1969 habían despertado la intriga generalizada en el espacio exterior, con las bengalas llenas de estrellas de David Bowie y George Lucas Star Wars capitalizando en el espíritu de los zeitgeist. Después de las tragedias de principios del siglo XX, la humanidad parecía lista para abrazar el futuro, abordando cada avance tecnológico con el entusiasmo competitivo de una máquina capitalista sintonizada.
En comparación, la flota musical de hoy tiene una galaxia de programas de producción de sonido electrónico a su disposición, pero la carrera armamentista ha terminado. Los síntesis, secuenciadores y máquinas de ritmo se han utilizado durante la mejor parte del medio siglo, y durante ese tiempo, las modas se han desplazado a un enfoque minimalista: donde Kraftwerk usó vocoders para emular robots en 1978, los artistas pop modernos usan tecnologías similares para voces en autotonidad.
Esta tendencia se ve reforzada por las tendencias relativamente nostálgicas de la actualidad. Ya sea alentado por la paranoia apocalíptica o no, parecemos contentarnos de vivir en el siglo XX, volviendo a nuestros polvorientos Beatles LPS mientras elogió el original. Star Wars La trilogía como un éxito histórico y los interminables spin-offs del siglo XXI como un hedor mortificante en el mapa cinematográfico. En consecuencia, los artistas musicales modernos a menudo canalizarán ídolos históricos al crear nuevos materiales.
Si hay algo que el pasado nos ha enseñado, sospechar saturación tecnológica es una locura complaciente. Aún así, me resulta muy difícil imaginar la música futurista como cualquier cosa más allá de las capacidades cósmicas del Minimoog de 1970.
Me complace revelar que no soy el primero en cuestionar a este fenómeno. Los teóricos culturales Simon Reynolds y Mark Fisher exploraron el llamado concepto de embrollo bajo la luz deslumbrante de la evolución musical a principios de la década de 2000, en el punto en que nuestra sesión de regresión en curso se agotó en la quinta marcha.
Fundamentalmente, la vestimenta es la idea de que ciertas características del pasado cultural siguen siendo indeleblemente relevantes, inquietando el futuro y guiando las tendencias regresivas. El término fue acuñado por el filósofo francés Jacques Derrida en su libro de 1993 Espectros de Marx , y desde entonces, ha crecido en relevancia.
En su libro de 2014 Fantasmas de mi vida , Fisher examinó la vestidez en el campo musical demostrando cómo, como los espectros de un mundo extranjero, Elvis Presley, los Beatles y Kraftwerk cierran sus garras en el presente para frenar el flujo de la evolución creativa. La misma distinción entre el pasado y el presente se está rompiendo, opinó. En 1981, la década de 1960 parecía mucho más lejos que hoy. Desde entonces, el tiempo cultural se ha doblado sobre sí mismo, y la impresión del desarrollo lineal ha dado paso a una simultaneidad extraña.
Ciertamente parece que los íconos culturales de Presley y Bowie Ilk nunca serán replicados, ni nos permitiremos olvidar a estos héroes del siglo XX. Los espectros de cabañas podrían haber descarrilado la máquina musical en una ranura bloqueada; Giramos en algún lugar entre el pasado y el futuro en una revolución incesante de la sentina sin características en las listas de pop y el matiz derivado en otros lugares. Por lo menos, podemos estar seguros de que los Kim Kardashians del mundo llevarán el bastón cultural a un futuro incierto.
