Las 10 mejores películas de 2024 que se pusieron bajo el radar
Con una transmisión constante de películas que se lanzan, saber por dónde empezar a veces puede ser difícil. Te sientes culpable cuando te pierdes la muy esperada querida indie o decepcionada cuando finalmente te sientas a ver la película de la que todos han estado entusiasmados, sintiéndose un poco decepcionados y vacíos. Debido a esto, es natural que algunos títulos se deslicen debajo del radar, que se agregan a su lista de vigilancia infinita y nunca encuentren el tiempo para marcarlos.
En el transcurso del año, ha habido innumerables gemas ocultas para escapar de la conciencia cultural y encontrar su camino hacia el fondo de la pila, independientemente de su innovación e impacto. Gracias a la era actual de la transmisión y los períodos de lanzamiento teatral abismalmente cortos, es más complicado que nunca que las películas más pequeñas hagan un chapoteo y se escuchen su voz, con una nube de ruido y distracción que empañan al público convencional que prioriza a los cineastas y empresas comerciales establecidas.
A pesar de esto, las mejores historias siempre encontrarán un camino en el mundo, incluso con los desafíos que dificultan que para los cineastas emergentes se den cuenta de su visión: la autenticidad y la vulnerabilidad siempre brillan a través de las grietas y encuentran una manera de llegar a las personas adecuadas.
Entonces, sin más preámbulos, aquí están las películas de 2024 que han pasado por debajo del radar y merecen la atención completa e indivisa que no recibieron la primera vez.
Las mejores películas debajo del radar de 2024:
Viet y Nam (Truong Minh Quy)
Viet y Nam is Truong Menh Quy’s sophomore feature film y one of the most entranceng vieweng experiences of the year. Set en modern Vietnam, the story follows two coal meners who attempt to make the most of their little time together before one of them is shipped overseas, reconcileng with the impact of their country’s turbulent past on their ability to forge a new future.
Con influencias claras de la ajetreada de apichatpong, Minh Quy usa el lenguaje del cine lento para crear un hechizo hipnótico que sumerge a la audiencia en la esperanza de anhelo y disminución de un romance condenado y el efecto del dolor generacional. Los personajes están atrapados entre su dolor hacia el pasado y las grietas de luz lejanas en su futuro, el pasado y el presente bordeado como uno, incapaz de distinguir entre los efectos de ambos.
El director adopta un lenguaje visual poético como cualquier otro, creando algo que se sienta delicado y duro, creando un telón de fondo irregular para una relación central tan tierna. Cada persona es un corazón de un futuro que está empapado en la incertidumbre, atrapada por dolores no resueltos y la oscuridad de su historia, contrastada por la marcada esperanza del romance central mientras se aferran desesperadamente por cualquier sentido de estabilidad y comodidad.
Planeta Janet (Annie Baker)
Planeta Janet es una película para cualquiera que creciera que se les dijo que eran un alma vieja. La historia sigue a una joven llamada Lacey durante el verano de 1991, creciendo en la zona rural de Massachusetts con su madre, Janet.
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Annie Baker crea una película refinada y profundamente empática que es fácil en su calidez, capturando la comodidad que Lacey encuentra en su madre como una niña profundamente tímida que no encaja con otras personas de su edad, eligiendo pasar tiempo solo o simplemente observar las acciones de otros adultos. Las personas que se dirigen dentro y fuera de la vida de Janet conforman el mundo de Lacey, orbitan en silencio alrededor de cada espacio que toca, encontrando consuelo en ser una observadora y vivir en el fondo.
Captura la sensación única de tener la melancolía de una persona mayor como una persona joven, creando un peso que cualquiera que haya sentido cargado por algo que aún no puede articular o entender lo reconocerá de inmediato. Pocos cineastas se preocupan por comprender o detenerse en la perspectiva de los niños, pero Planeta Janet es capaz de capturar la posibilidad infinita, la nostalgia y el encarcelamiento de la adolescencia.
Voluntad (Josh Greenbaum)
Voluntad Es uno de los documentales más conmovedores de los últimos años, siguiendo a Harper Steele mientras se embarca en un viaje por carretera con la amiga desde hace mucho tiempo Will Ferrell para reintroducirlo en su verdadero yo después de salir como una mujer trans.
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Está marcado por medidas iguales de luz y oscura, capturando la alegría de vivir auténticamente y el poder de la amistad, así como la amenaza de personas de mente pequeña que buscan despojar a las personas trans de su dignidad y derechos. En un mundo plagado de este tipo de personas, la película logra lograr un equilibrio entre el optimismo y confrontarnos con la peligrosa realidad de esta experiencia para muchas, dejándolo preguntándose cuán diferente sería el viaje por carretera sin la presencia de la fama de Ferrell y la meta-narrativa en torno a cómo esto afecta nuestra capacidad de ser visto.
Voluntad es una historia necesaria y conmovedora sobre la vulnerabilidad ciega y el amor inquebrantable, que muestra la belleza de la amistad, la importancia del aliado genuino y cómo forjar un futuro más brillante y abogar por las personas que más lo necesitan.
Lengua universal (Matthew Rankin)
Lengua universal es una oda a Abbas Kiarostami, el mundo interior de los niños y el realismo mágico del crecimiento.
Ambientada en medio de un invierno nevado de Winnipeg, la película sigue una colección de historias de entradas en este pequeño pueblo, de las aventuras de un niño que intenta extraer dinero de un bloque de hielo, un guía turístico a pie y un hombre llamado Matthew que se reúne con su madre separada. Es una carta de amor bellamente extraña al poder de la comunidad y a las personas que viven a nuestro alrededor, con Matthew Rankin agregando detalles extraños e hilarantes que se suman al sentimiento surrealista de un mundo de la historia que es sombrío y colorido, creando brutalismo soñador que nos recuerda a nuestro lugar en el mundo y los vecinos que nos ayudan.
Completamente encantador y entrañable, con un estilo visual creativo y un sentido del humor caprichoso que encapsula perfectamente la descripción de Rankin de la película como una alucinación autobiográfica.
Himno nacional (Luke Gilford)
Luke Gilford redefine los binarios del género en el salvaje oeste a través de su tierna y etérea película Himno nacional , siguiendo a un trabajador de la construcción que se topa con un rancho de rodeo queer, uniéndose a su comunidad y buscando consuelo de su turbulenta vida en el hogar.
Es una historia suave sobre el poder transformador de encontrar a su gente y ser realmente visto. El amor y el cuidado se filtran a través de cada cuadro, creando una abrumadora sensación de reverencia para esta comunidad. A través de visuales exuberantes y nebulosos, la película nos invita a un espacio único, con Gilford creando una utopía queer dentro de un entorno tradicionalmente conservador e hiper-masculino. Esta reinvención da nueva vida al espacio, reemplazando la rigidez con imágenes soñadoras y sinceras exhibiciones de ternura.
Una experiencia de visualización celestial que persiste en la alegría de ver a la gente florecer cuando se muestra una verdadera amabilidad por primera vez, lo que nos permite imaginar un futuro radical en el que es posible este tipo de vida.
Entre los templos (Nathan Silver)
La comedia de bajo presupuesto de Nathan Silver se estrenó en el Festival de Cine de Sundance a principios de este año y llegó al Reino Unido en agosto, pero parece haber sido eclipsado por lanzamientos más llamativos.
Está protagonizada por Jason Schwartzman como Ben, un cantor en una sinagoga cuya vida ha ido cuesta abajo desde la muerte de su esposa. Cuando conoce a su ex maestra de música de la escuela primaria, Carla (interpretada por la gran Carol Kane), acepta ayudar a cumplir su sueño de toda la vida de tener un murciélago. Sus lecciones conducen a una amistad poco probable y posiblemente más. En cada paso, sin embargo, se encuentran con la presión y la incomodidad de quienes los rodean.
Ambos personajes son almas perdidas que encuentran un espíritu afín improbable en el otro, pero esta no es una comedia romántica típica. Ben sufre de dolor y una crisis de fe. Sus intentos de fechar a las mujeres apropiadas para la edad son dolorosamente incómodos, y el diseño de sonido, el diálogo superpuesto y el uso de primeros planos extremos aseguran que haya una sensación de tensión e incomodidad en todo momento. Que culminó en una cena familiar digna de El oso y Shiva baby , esta es una comedia perfectamente conmovedora y furtiva.
La tierra prometida (Nikolai Arcel)
La épica histórica danesa de Nikolaj Arcel puede haber volado bajo el radar porque llegó muy tarde. Se estrenó en el Festival de Cine de Venecia en agosto de 2023, no fue hasta febrero del año siguiente que finalmente debutó internacionalmente.
Ambientada en 1755, está protagonizada por el incomparable Mads Mikkelsen como Ludvig Kahlen, un veterano indigente que recibe permiso real para cultivar el brezal de Jutlandia, una gran y prohibida península donde la ilegalidad reina y los cultivos se encuentran en barbecho. Hay un toque de El revenante en La tierra prometida , con su adoración cinematográfica por la luz natural y los paisajes y su disgusto por los hombres que intentan domesticarlo.
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Pero Arcel está buscando una escala aún más grandiosa, y la película se siente tan vasta e inmersiva como Jutlandia. Las características grizzuladas de Mikkelsen y la mirada penetrante son la Personificación perfecta de la robustez de su entorno , pero incluso el mejor actor de Dinamarca no puede eclipsar el escenario. Es una pena que no estuviera más ampliamente disponible durante su lanzamiento teatral porque merece ser visto en la pantalla más grande posible.
Delincuentes (Rodrigo Moreno)
La comedia lánguida de Rodrigo Moreno se sentirá como un cebo y cambio para algunos espectadores. Está protagonizada por Daniel Elías como Morán, un imbécil anónimo en un banco de Buenos Aires que roba casualmente cientos de miles de dólares en pequeños incrementos de sus empleadores. Su plan es convertirse en la policía y esconder el dinero con su amigo, Román (Esteban Bigliardi), mientras cumple su sentencia de prisión, dividiendo el efectivo en su liberación.
Con más de tres horas, este no es un thriller tenso. De hecho, no es realmente un thriller en absoluto. Justo cuando pensabas que la configuración era perfecta para una capacidad criminal tranquila, Morán le dice a Román que ha ocultado más dinero en las colinas de Córdoba que debe recuperar. Esto envía a su amigo en un viaje pastoral serpenteante en el que se enamora de un espíritu libre local en el momento equivocado y experimenta un despertar existencial.
Esta película es un viaje surrealista y sin ataduras al que debes renunciar a ti mismo para caer bajo su hechizo. Sin embargo, una vez que te hayas rendido, te arrastrará en sus encantos e impartirá algunas revelaciones propias. Poético, tonto y desafiante, es una experiencia totalmente inusual y una que merece un público mucho más amplio.
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Timestalker (Alice Lowe)
En algún momento, dejaré de golpear sobre el anti-romance trascendible de Alice Lowe Timestalker , pero no hasta que haya llegado a la audiencia que merece. Se estrenó en South by Southwest en marzo, de alguna manera se ha deslizado de alguna manera a través de las grietas, ya sea a través del marketing fallido o simplemente porque su premisa de una mujer absorbida por sí misma que persigue a un hombre aún más absorto en varios miles de años de reencarnación es demasiado original para su propio bien.
Los chistes aquí son abundante y multifacético . Están las frases, los consoladores del siglo XVIII, el gato persa rosa desaliñado y las bromas de la vista en abundancia. Hay una sátira de todo, desde dramas del período británico hasta David Bowie. Y en su centro hay una actuación inexpresiva de Lowe como Agnes, cuya inmadurez y obsesión no correspondida con un abiertamente dickish prima Donna es la actuación más divertida del año.
Este es un clásico de culto en proceso, y también puede entrar en el nivel del suelo para que pueda ser uno de esos nerds de películas presumidas que se dan, lo dije que sí 15 años después.
Las chicas serán chicas (Shuchi Talati)
Quizás la película más ignorada del año es el drama de la mayoría de edad de Shuchi Talati sobre un adolescente en un internado en el Himalaya que experimenta su primer romance.
Preeti Panigranhi is Mira, a straight-A student whose hard-earned position at the head of her class falls by the wayside when she meets Sri (Kesav Binoy Kiron), a new student who’s spent time at various schools around the world and already knows his way around sexual intimacy. Complicating Mira’s new romance is her protective mother, Anila (Kani Kusruti, who also stars in Todo lo que imaginamos como luz ), quien desarrolla una relación incómodamente cercana con SRI.
A pesar de desplegarse con una sutileza magistral, Las chicas serán chicas Cuenta con algunos de los momentos más memorables del año, incluida una escena en la que Mira, Sri y Anila bailan en la sala de estar, sus interacciones sin palabras que marcan un cambio de mar en su dinámica. La escena final, que revela que ha sido una historia de madre/hija todo el tiempo en lugar de un romance, también es silencioso y el final más impresionante y tierno del año.
