10 películas esenciales de la nueva ola australiana

Si no puedo hacer el tipo de película que quiero hacer, entonces demonios. - Peter Weir

A menudo llamado Renaissance de la película australiana, este movimiento se acredita en gran medida como la fuerza artística que revivió la originalidad de las películas australianas. Comenzando a principios de la década de 1970, la nueva ola australiana produció obras ferozmente honestas y deliciosamente imaginativas durante las próximas dos décadas que introdujeron el cine australiano a una audiencia mundial.

Después de la Segunda Guerra Mundial, la industria cinematográfica australiana había disminuido severamente, pero una nueva generación de cineastas se centró en manifestar sus sueños en la pantalla grande. Las películas de este período estuvieron marcadas por su visión y franqueza intransigentes para abordar representaciones cinematográficas de violencia, sexualidad y los problemas universales de la condición humana.

Una de las principales figuras de la nueva ola australiana, Peter Weir, recordó en un entrevista : Realmente no había cultura aquí cuando era creciendo. No hay grandes colecciones de pinturas, y muy poco en el camino de los filántropos, como en su país, que tomarían sus ganancias mal obtenidas y lo gastarían en el arte como su forma de expiación.

Agregó, parece curioso decir, pero el paisaje, la naturaleza misma, fue probablemente la mayor influencia para mí, particularmente estar aquí en este gran país vacío y vivir junto al mar como yo. Creo que esa fue mi galería de arte. Era una era en la que los niños siempre se ordenaba afuera, y se podía desviar, ir a la bahía. El aburrimiento puede ser una gran ventaja para cualquiera con imaginación.

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Como parte de nuestra atención semanal en el cine mundial, revisamos 10 películas esenciales de la nueva ola australiana para comprender cómo las nuevas fuerzas creativas facilitaron el resurgimiento del cine australiano.

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Las 10 mejores películas de la nueva ola australiana:

Despertarse (Ted Kotcheff - 1971)

Uno de los primeros y mejores ejemplos de la nueva ola australiana, el thriller psicológico seminal de Ted Kotcheff se basa en la novela homónima de 1961 de Kenneth Cook. Establecido en Outback Australia, Despertarse presenta el caso de un joven maestro de escuela que lidia con los conceptos de moralidad y significado. Se pensó que el maestro negativo de la película se había perdido, pero este clásico de culto fue restaurado con éxito en 2004.

Quería recrear lo que sentí y vi: el calor, el sudor, el polvo, las moscas, dijo Kotcheff. Le dije al diseñador de sets y al diseñador de disfraces: No quiero ver ningún color genial. No quiero ver azul o verde. Alguna vez. En cualquier cosa. Todo lo que quiero es rojo, amarillo, naranja, burdeos y marrón. Todos los colores calientes. En disfraces, sets, todo . Quería que la gente viera la película y sudar inconscientemente.

Picnic en Hanging Rock (Peter Weir - 1975)

Probablemente el trabajo más emblemático y famoso del movimiento del cine, la brillante adaptación de Peter Weir de la novela de Cliff Green en 1967 cuenta la historia de un grupo de colegialas que desaparecen misteriosamente mientras están en un picnic en el Día de San Valentín. Es una película que logra perjudicar al espectador sin recurrir a los tropos en exceso del género de terror.

Weir reveló que mi única preocupación era si una audiencia aceptaría una idea tan escandalosa. Personalmente, siempre me pareció el aspecto más satisfactorio y fascinante de la película. Por lo general, encuentro finales decepcionantes: son totalmente antinaturales. Tú son Crear vida en la pantalla, y la vida no tiene finales. Siempre está pasando a otra cosa y siempre hay elementos inexplicables.

Domingo demasiado lejos (Ken Hannam - 1975)

Esta película de 1975 contiene la mayoría de los elementos importantes de la nueva ola australiana, presentando un aislamiento fundamental que abruma a la audiencia cuando se contextualiza en el marco del paisaje implacable. Está protagonizada por Jack Thompson como un esquelador de armas que tipifica la cultura masculina australiana.

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La película fue un éxito crítico y comercial, ganando $ 1,356,000 en la taquilla de Australia. También ganó tres premios de 1975 del Australian Film Institute, incluida la codiciada mejor película, el mejor actor y las categorías de Mejor actor de apoyo.

El patio de recreo del diablo (Fred Schepisi - 1976)

Un trabajo semiautobiográfico que es profundamente personal y conmovedor, El patio de recreo del diablo Sigue la historia de la mayoría de edad de un niño en un seminario católico conservador. Hace cuestiones relevantes de fe y sexualidad, cuestionando la agencia de un individuo sobre su propio cuerpo cuando se somete a restricciones religiosas y codificaciones morales.

Schepisi comentó, no tengo precedentes de cine, simplemente no. No soy lo suficientemente estúpido como para creer que no están absorbidos, pero no sigo un estilo de cineasta. El material dicta sus necesidades. Lo que diría sobre El patio de recreo del diablo ¿Lo he diluido porque, de hecho, me llevó cinco años reunir el dinero y más de la mitad del dinero era mía, y tuve que volver a poner tanto dinero para sacarlo? Tuve que contratar el cine. A nadie le gustó la película hasta que la saqué, lo que me parece bastante notable.

Mi brillante carrera (Gillian Armstrong - 1979)

Ambientada en la Australia rural a fines del siglo XIX, el impresionante drama del período de Gillian Armstrong se basa en la novela de Miles Franklin y cuenta la historia de una mujer talentosa que quiere ser escritora pero que se ve sofocada por los prejuicios normativos de la sociedad y el romance. Mi brillante carrera recibió varios premios y nominaciones, incluidas Oscar y Bolas del Globo de Oro.

Armstrong dijo que lo que siempre odié, desde muy temprano en mi carrera, fue cómo siempre fui etiquetado como una mujer cineasta. No solo fui etiquetado como Gillian Armstrong, director. Sentí que era algo sexista y condescendiente que no se dice antes de que Phillip Noyce director masculino y las preguntas que me hicieron siempre fueron sobre mujeres en mis películas, como si en realidad no fuera un artista tridimensional, en su lugar, solo soy una persona a la que se le puso en la Tierra para hacer promoses enfermo sobre mujeres.

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Mad Max (George Miller - 1979)

La influencia de la película de ciencia ficción original de 1979 de George Miller sobre el género difícilmente puede ser exagerada. Mad Max Pinta una imagen fascinante de un futuro distópico donde la violencia y el colapso social se han vuelto integrales para el paisaje. Mel Gibson interpreta a Mad Max, el único enlace restante a los sistemas de valores con los que estamos familiarizados y el vacío nihilístico de esta nueva tierra.

Miller explicó que estaba muy interesado en el personaje y en la forma en que se cuentan las historias máximas, básicamente son historias alegóricas de la misma manera que el clásico occidental fue eso. Max es un personaje que es arrastrado a esta historia que es ese tipo de vagabundo en el páramo, buscando algún sentido de significado en un mundo muy marcado.

Rompedor morant (Bruce Beresford - 1980)

El drama histórico de 1980 de Beresford cuestiona las infinitas hipocresías de la guerra a través de la historia de tres oficiales militares que eran marciales de la corte por sus crímenes de guerra. La película fue un éxito en la taquilla y ganó 10 premios del Australian Film Institute, obteniendo una nominación al Oscar al Mejor guión adaptado también.

Beresford aclaró, no estaba interesado en hacer que estos hombres fueran héroes. No estaba tratando de blanquear la situación. Lo que me interesaba era la responsabilidad moral en tiempos de guerra ... la película nunca fingió por un momento que no fueron culpables. Dijo que eran culpables. Pero lo interesante de esto era que analizaba por qué los hombres en esta situación se comportarían ya que nunca antes se habían comportado en sus vidas.

Son las presiones que se ponen para las personas en el tiempo de guerra ... mira todas las cosas que suceden en estos países cometidos por personas que parecen ser bastante normales. Eso era lo que me interesaba examinar. Siempre me sorprende cuando la gente me dice que esta es una película sobre australianos pobres que fueron enmarcados por los británicos.

Dicha (Ray Lawrence - 1985)

El brillante drama de comedia de 1985 de Ray Lawrence lanza una poderosa investigación filosófica de la dicotomía de la vida y la muerte. Sigue la experiencia cercana a una muerte de un hombre que está convencido de que está en el infierno después de sobrevivir a un ataque cardíaco. Dicha Tiene un lugar único en la nueva ola australiana porque se desvió del realismo de sus predecesores y anticipó los experimentos modernistas de los años 90.

Lawrence no hizo otra película durante 16 años después Dicha salió. Explicó que estaba trabajando en muchos otros proyectos, pero desafortunadamente ninguno de ellos logró ser financiado. Hubo un número bastante a lo largo de los años: Pistas , que fue basado en el libro de Robyn Davison; Dulce , que se estableció en el norte tropical de Australia, un misterio de asesinato; y Machete , ubicado en la costa oeste en una ciudad desértica. Esta historia fue el comienzo de mi interés en las diferencias masculinas y femeninas. Todos llegaron al draft final.

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El año en que se rompió mi voz (John Duigan - 1987)

Una de las mejores películas australianas de la mayoría de edad de todos los tiempos, El año en que se rompió mi voz Explora los desafíos de la adolescencia a través del relato de Danny, un adolescente incómodo que vive en la Rural Australia que se enamora. Basado en las propias experiencias de Duigan, esta obra maestra de 1987 ganó el premio al mejor cine del Australian Film Institute.

En un entrevista , Dijo Duigan, mi área principal de estudio en la universidad era la filosofía y contemplé la idea de ir a Cambridge y hacer un doctorado allí, pero terminé eligiendo trabajar en la industria del cine. Creo que el interés en la ética siempre ha sido permanente para mí y, hasta cierto punto, tiene algún tipo de resonancia en muchas de las películas que hago, aunque no todas.

Celia (Ann Turner - 1989)

Una historia oscura y cuasi-gráfica de la pérdida de la inocencia infantil, esta película de terror australiana de 1989 se centra en el curioso caso de una niña que se enfrenta a los terrores del mundo real al formar su propia cuenta. La película también se entrega a comentarios políticos relevantes, examinando las cajas de brujas comunistas y el susto rojo de la década de 1950.

Turner reflexionó, lo que más se destaca para mí es la representación de la infancia, en toda su felicidad y horror, se desarrolló a través de actividades suburbanas y cotidianas, en un contexto político. Me gusta la mezcla de lo personal y político. La principal interpretación que tuve en el lanzamiento de la película, y viajar internacionalmente a los festivales de cine, fue cuán universal es la experiencia de la infancia: cruzar las fronteras y las generaciones. En ese momento, eso me tomó un poco por sorpresa, como había escrito tan específicamente sobre una infancia australiana.