Clasificación de las 10 mejores películas de Federico Fellini
Una fuente de inspiración para los grandes contemporáneos del cine, como Tim Burton y David Lynch, Federico Fellini es evidencia de la afirmación de que el cine puede ser y, lo que es más importante, es arte. Conocido por su estilo de fantasía distintivo y su color profundo, el cineasta es considerado uno de los mejores en su oficio.
Las películas de Fellini han aparecido en varias listas de las mejores películas de todos los tiempos. Su tema y valor estético generan experiencias emocionales para el público, trayendo sueños y surrealismo a la superficie.
Todos los ámbitos de la vida se exploran en el trabajo de Fellini. Los artistas luchan. Los hombres y las mujeres intentan entenderse. Se celebran puntos de referencia. Los sueños se buscan apasionadamente. El amor y la tragedia se unen en la unión.
Una vigilancia del trabajo del director italiano es una montaña rusa que honra el cine como el arte y la historia como perspicacia. Aquí están sus diez mejores películas para ganar esa misma experiencia.
Las 10 mejores películas de Federico Fellini:
10. Ciudad de las mujeres / La ciudad de las mujeres (1980)
La vigésima característica de Fellini sigue a un hombre de negocios que está atrapado en un hotel, donde un grupo de mujeres representa una amenaza. Explora espacios de género y actitudes sociales hacia las mujeres.
louise stratten django
Ciudad de las mujeres ejemplifica el gusto del director por imágenes de ensueño y estilística para crear cine artístico. Hay un marco psicoanalítico alrededor de la película, ya que Fellini presenta imágenes sexuales. Esto se puede encontrar en los objetos fálicos y la experimentación con el ego y la mirada masculina.
9. Casanova de Phellini / Casanova de Federico Fellini (1976)
Esta pieza histórica de los años 70 es una adaptación de la autobiografía de Giacomo Casanova. Donald Sutherland retrata al escritor mientras vive un estilo de vida libertad de travesuras eróticas. También intenta tener una relación con el amor de su vida, Henriette (Tina Aumont).
La puesta en escena se emplea para llevar la visión de la belleza de Fellini, con los disfraces y los entornos que representan la estética de la época. La visión de Fellini de la vida de Casanova es una crítica de la masculinidad del protagonista. Esto destaca la capacidad del director para gelificar el arte y el intelecto.
carla medrano edad
8 . Ginger y Fred / Ginger y Fred (1986)
Esta película hace referencia a la pareja de baile estadounidense Fred Astaire y Ginger Roberts, ya que dos imitadores se reúnen después de su jubilación. Su desempeño es bien recibido y extiende su fama para otra ronda de fuego corto.
Fellini canalizó sus creencias en su película estructurándola como una sátira en la televisión convencional. Esto lo convierte en una de las pocas veces que expresó cualquier agenda social-política durante su carrera. La historia de amor entre los dos protagonistas proporciona contraste y demuestra sentimiento.
7 . Roma (1972)
Fellini escribe una carta de amor a su ciudad natal a través de este retrato sin trama pero perspicaz de Roma. Peter Gonzales retrata a un joven Fellini mientras se involucra en dos viajes separados a la ciudad, uno por placer y el otro por su arte.
A pesar de ser clasificada inicialmente como una colección visual sin eventos sin causalidad, Fellini diseña conexiones temáticas usando imágenes. Contrasta la vida romana durante la era fascista con principios de la década de 1970. La película experimenta con el concepto innovador de tener una ubicación como enfoque en lugar de personas o eventos.
6 . Julieta de los espíritus/ Giulietta degli Spiriti (1965)
Una mujer llamada Giulietta (Giulietta Masina) sospecha de su esposo después de una serie de comportamientos cuestionables. Una sesión con sus amigos conecta a Giulietta con espíritus y su pasado problemático, ayudándola a encontrar algunas respuestas.
La primera función de color de Fellini utiliza recuerdos y visiones para contar su historia. Su trabajo de cámara penetra en los paisajes de los sueños y acentúa la expresión emocional. Un tono surrealista pinta las imágenes de Fellini y propone cuestiones de felicidad completa al romper el muro entre la realidad y la ilusión.
5. Los vitelones ( 1953)
Fellini presenta el viaje al éxito en este drama de comedia. Cinco jóvenes que viven en Italia intentan navegar sus vidas desde la deriva mundana hasta el éxito fascinante. Cada hombre tiene sus propias ambiciones individuales y experimenta momentos cruciales y fundamentales juntos.
El vitellon's Los tonos autográficos ayudaron a establecer la identidad artística de Fellini. Su habilidad para reflejar desarrollos sociales en la película estableció su visión y habilidades como creador. Sus personajes ejemplifican el descuido enmascarado como liberación, aún así poder atraer al público al usar encanto. La historia es un crisol sentimental de lazos familiares, ambición de alimentación por desesperación y presentaciones masculinas de emociones.
4. Amarcordio (1973)
Esta galardonada película cuenta una historia semiautobiográfica de la juventud en la Italia fascista. Un adolescente choca con figuras de autor, comparte con amigos y se involucra con varios personajes.
A pesar de ser una historia sobre la nostalgia infantil, la película de Fellini es brutalmente honesta sobre la situación en la Italia de los años cincuenta. Se las arregla para equilibrar la alegría con la tragedia en una presentación objetiva y auténtica. Los personajes se sienten humanos en lugar de ficticios, ya que sus luchas se exploran de manera cautivadora gracias a la cinematografía.
esposas de niki lauda
3. En la calle (1954)
Traducido al inglés como ‘ El camino ‘, Este drama comparte la experiencia de Gelsomina (Giuletta Masina). La comprada de su madre la es Zampano de Anthony Quinn para ser llevada a un viaje en carretera. La mentalidad fuerte de la niña choca con la feroz fuerza del hombre durante sus viajes.
Fellini maneja el tema incómodo delicadamente. Presenta el telón de fondo de la vida de posguerra utilizando fotografía estilizada en blanco y negro. Los dos personajes centrales demuestran terquedad, miedo y perspectiva. Una montaña rusa melodramática, En la calle es controversial by today’s standards. However, its creative power es undeniable.
2 . El dolce vita ( 1960)
La Dolce Vita ' La trama S está estructurada como un viaje episódico de un periodista (Marcello Mastroianni) en busca de amor en Roma. Esto se muestra a través de 12 partes distintas, con el viaje del periodista que tiene lugar más de siete días y siete noches.
Citada como una obra maestra, esta película es responsable de una progresión innovadora para el cine italiano. El crítico Robert Richardson sugiere que uno puede interpretar la película como una estética de la disparidad, lo que significa que la estructura de la trama convencional y el desarrollo del personaje se abandonan. Existe una clara presencia de la lucha de la protagonista entre la carrera de informar sobre la sociedad aristócrata autocontratada y escribir más prosa artística.
1. El octavo de Federico Fellini (1963)
El drama de comedia surrealista de Fellini es una exploración metaficcional de Creative Softle. Un director está luchando por hacer un drama épico. Los médicos negocian su búsqueda de la creación que le dicen que descanse para su propio bienestar. Bajo presión, vuelve a las fantasías de la infancia.
marina pearl leblanc
8½ es a cathartic representation for every artest who feels blocked from their creativity and potential. It’s bizarre in its subject matter about a film that the audience can watch. Thes compromeses reality and fiction as strict binaries, echoing the director’s struggle as he es forced to choose between the two. The symbolesm of mirrors shows reflections which embody the inner conflict, and dream sequences translate thematic values. Considered one of the greatest films given to the medium, 8½ es unmessable for film or art fans.
