10 películas esenciales del movimiento del neorrealismo italiano

El surgimiento del neorrealismo italiano es considerado por muchos como la edad de oro del cine en el país. Un cambio seminal en la sensibilidad artística, la principal preocupación del movimiento fue documentar la difícil situación de los marginados y los oprimidos en un mundo que quedó fracturado por la Segunda Guerra Mundial. El neorrealismo italiano demostró ser una parte indispensable de la evolución del cine y terminó influyendo en generaciones de cineastas, que van desde el Nueva ola francesa al cine paralelo indio.

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Uno de los pioneros del movimiento, Roberto Rossellini dijo una vez: el neorealismo nació, inconscientemente, como cine vernácula; Más tarde se volvió completamente consciente de los problemas humanos y sociales en la guerra y los períodos de posguerra ... Siempre me he esforzado por decir que, para mí, el neorrealismo era solo una posición moral. La posición moral consistía en mirar las cosas objetivamente y armar sus elementos compuestos, sin ningún juicio.

Agregó que el tema vivo de una película realista es el mundo, no la historia o su crónica. No hay tesis preexistentes porque salen espontáneamente. El cine realista no ama lo superfluo y lo espectacular, pero, por el contrario, los rechaza, va directamente al grano. No se detiene a la superficie, pero busca el alma. Rechaza los señuelos y los formatos de fórmula, y busca las razones por las que cada uno de nosotros tiene. En resumen, es un tipo de película que plantea problemas y medita sobre ellos.

Como parte de nuestra característica semanal en el cine mundial, echamos un vistazo a 10 películas esenciales del movimiento del neorrealismo italiano para examinar las sensibilidades artísticas detrás de uno de los movimientos más influyentes en la historia del cine.

10 películas esenciales del movimiento del neorrealismo italiano:

Ladrones de bicicletas (Vittorio de Sica - 1948)

Probablemente la entrada más famosa en esta lista, la poderosa obra maestra de Vittorio de Sica captura perfectamente el sufrimiento de muchos en Italia posterior a la Segunda Guerra Mundial. Lo hace contando la historia simple de un hombre pobre que busca su bicicleta robada para mantener su trabajo seguro.

Ladrones de bicicletas se considera una de las películas más influyentes en la historia del cine y con razón. Inspiró a personas como Satyajit Ray y Ken Loach quien incorporó elementos de la película en sus propias investigaciones cinematográficas.

La tierra tiembla (Luchino Visconti - 1948)

Una adaptación suelta de la novela de Giovanni Verga, La tierra tiembla es una documentación memorable que narra la tragedia de la condición humana. Usando actores no profesionales, sigue a una familia que vive en un pequeño pueblo pesquero mientras intentan escapar de su pobreza.

Recibió una nominación para el prestigioso Golden Lion en el Festival de Cine de Venecia por sus logros artísticos y ganó el Premio Internacional. Aunque Visconti se liberó de los confines estilísticos del neorrealismo, La tierra tiembla sigue siendo una de las mejores obras jamás producidas por el movimiento.

Alemania, año cero (Roberto Rossellini - 1948)

La última incorporación a la trilogía de guerra de Rossellini, Alemania, año cero es el intento del cineasta de traducir los horrores de Alemania devastada por la guerra al medio cinematográfico. La película sirve como un recordatorio de la capacidad humana de destrucción y sus consecuencias en la vida de la gente común.

Rossellini explicó que el realismo es una mayor curiosidad sobre los individuos, una necesidad, típica del hombre contemporáneo, para retratar hechos como realmente son, para tomar conciencia de la realidad incansable y concretamente, de acuerdo con los intereses peculiares de hoy en los resultados científicos y estadísticos.

También es una necesidad sincera de describir a los hombres de una manera humilde, sin tener que inventar lo extraordinario. Es la conciencia de obtener la investigación extraordinaria de uso. Finalmente, es un deseo de dejarnos claro, y no ignorar la realidad, lo que sea.

Arroz amargo (Giuseppe de Santis - 1949)

Arroz amargo Cuenta con una pareja criminal en la carrera de las autoridades que se separan entre sí. Francesca (interpretada por Doris Dowling) se refugia de la ley con un grupo de campesinos donde aprende los méritos de una vida simple impulsada por el trabajo duro y la camaradería.

El Festival de Cine de Venecia eligió Arroz amargo Como una de las obras maestras que cambió la memoria colectiva del país entre 1942 y 1978. Incluso recibió una nominación al Premio de la Academia en la categoría de la mejor historia.

Camino de esperanza (Pietro Germi - 1950)

Coescrito por Federico Fellini , Camino de esperanza es una adaptación de una novela de Nino di Maria. La película muestra la condición de un grupo de mineros pobres de Sicilia que esperan poner fin a todas sus dificultades y sufrimiento viajando a Francia.

Camino de esperanza fue nominado para la prestigiosa Palma de Oro en Cannes y terminó ganando el Silver Bear en el Festival Internacional de Cine de Berlín. Germi finalmente recurrió a la comedia pero Camino de esperanza es ciertamente una de las películas definitorias del período del neorrealismo italiano.

En la calle (Federico Fellini - 1954)

A lo largo de su carrera, Fellini hizo todo lo posible para alejarse de las tradiciones del neorrealismo italiano y construir su propia marca de cine individual. Sin embargo, En la calle es una película importante para la historia del movimiento porque es uno de los primeros ejemplos de la capacidad de Fellini para crear un nuevo tipo de realismo fuera del marco ortodoxo.

Fellini recordó, al principio solo tenía una sensación confundida, una especie de tono que acechaba, lo que me hizo melancolía y me dio una sensación de culpa difusa, como una sombra que me cuelaba. Este sentimiento sugirió a dos personas que permanecen juntas, aunque será fatal, y no saben por qué. Pero una vez que esta sensación cristalizada, la historia llegó fácilmente, como si hubiera estado allí esperando ser encontrada.

Llorar (Michelangelo Antonioni - 1957)

Llorar Es la exploración cinematográfica de Antonioni de la alienación, contada a través de la historia de un hombre que busca desesperadamente la subjetividad después de dejar su hogar y la mujer que ama. Muchos estudiosos lo consideran como el vínculo faltante entre las tradiciones del neorrealismo y su propia visión en sus proyectos posteriores.

El cineasta dijo: Cuando estoy filmando una película, nunca pienso en cómo quiero filmar algo; Simplemente lo disparo. Mi técnica, que difiere de una película a otra, es totalmente instintiva y nunca se basa en consideraciones a priori. Pero supongo que tienes razón al decir que La dama parece más ortodoxo que el anterior Noticias Porque cuando estaba filmando la primera película, hice tomas muy largas, siguiendo a los actores con mi cámara incluso después de que terminó su escena. Pero, ya sabes Noticias No es más innovador que lo que viene después. Más tarde rompo las reglas con mucha más frecuencia.

El Lugar (Ermanno Olmi - 1961)

Uno de los mejores trabajos de Olmi, El Lugar es un drama de la mayoría de edad sobre un joven que tiene que suspender su educación porque su familia no tiene el dinero. En cambio, entra en el vertiginoso mundo corporativo donde los sueños mueren y los individuos son deshumanizados.

El Lugar fue bien recibido y recogió varios premios codiciados, incluido el Premio David Di Donatello al Mejor Director y Sutherland Trophy en los British Film Institute Awards. La obra maestra de Olmi todavía resuena con los jóvenes de hoy que no pueden escapar de las garras de la modernidad.

Mendigo (Pier Paul's Paolo - 1961)

La mayor parte del trabajo de Piero Paolo Pasolini es demasiado transgresor y diferente de las películas neorrealistas. Sin embargo, Mendigo es probablemente el más cercano a los ideales neorrealistas y es parte de la segunda generación del movimiento. Sigue a un proxeneta que cae en tiempos difíciles después de que su compañera sea enviada a la cárcel, dejándolo valerse por sí mismo por sí mismo.

Pasolini comentó, siempre tengo una idea bastante clara de la toma que quiero, una especie de toma que es casi natural para mí. Pero con El evangelio Quería separarme de esta técnica debido a un problema muy complicado. En dos palabras es esto: tenía un estilo o técnica muy precisa con la que había experimentado Mendigo , en Mamá Roma y en las películas anteriores, un estilo que es, como dije antes, fundamentalmente religioso y épico por su propia naturaleza.

La batalla de Argel (Gillo Pontecorvo - 1966)

Una coproducción entre Italia y Argelia, el clásico de Pontecorvo describe eventos de la guerra argelina y presenta la valentía de los rebeldes que lucharon por la descolonización. La película fue prohibida en Francia durante varios años, pero afortunadamente, ha sufrido la prueba del tiempo como uno de los mejores documentos de la lucha colonial en Argelia.

El productor italiano a quien traje este tema me dijo que haría cualquier película que quería, pero que este proyecto era imposible. Significaba hacer una película sin ningún significado, en blanco y negro, sin actores y sin una historia. Dijo que al pueblo italiano no les importan los negros, recordó Pontecorvo.