10 películas esenciales de la nueva ola francesa
Con el final de la Segunda Guerra Mundial y la relajación de las leyes de censura, Francia vio el resurgimiento de un cine más experimental e iconoclástico. Influenciado por autores como Orson Welles y Alfred Hitchcock, críticos franceses como Jean-Luc Godard y André Bazin formularon nuevas teorías sobre el medio cinematográfico que revolucionarían la forma de arte para siempre.
nicky marmet
Originado a fines de la década de 1950, la nueva ola francesa abrió los ojos del mundo a las películas que eran audaces y diferentes. Las obras maestras como la gramática cinematográfica innovadora de Godard usaron innovadores que subvirtieron las expectativas de la audiencia, desafiándolos a aceptar la ausencia de continuidad tradicional. El movimiento influiría en nuevas olas de cine en todo el mundo, instando a los jóvenes cineastas a liberarse de cualquier escuelas de pensamiento normativas.
En una entrevista, Jean-Luc Godard dijo: Preferimos a Samuel Fuller o Budd Boetcher a William Wyler o George Stevens. Nuestro deseo, al menos Rivette y yo, era poder hacer un musical en un gran set. ¡Sigue siendo una esperanza! Dijimos que Hitchcock era un gran pintor, un gran novelista, no solo un director de historias de asesinatos, por lo que era más democrático. Pero fue utópico porque éramos demasiado jóvenes para ver lo que realmente estaba sucediendo. Lo digo hoy solo porque probablemente soy el único en verse así. Estoy usando mis ojos y oídos para estudiar la historia. Otras personas usan sus ojos para leer palabras.
Agregó que no hago una distinción entre dirección y crítica. Cuando comencé a mirar fotos, eso ya era parte de la realización de movimientos. Si voy a ver la última imagen de Hal Hartley, eso también es parte de hacer una película. No hay diferencia. Soy parte del cine, y debo seguir mirando lo que está sucediendo. [Con] imagen estadounidense [s], más o menos uno cada año es suficiente: son más o menos iguales. Pero es parte de ver que este es el mundo en el que estamos viviendo.
Como parte de nuestra atención semanal en cine mundial , miramos diez películas esenciales de la nueva ola francesa para examinar las sensibilidades artísticas detrás de uno de los movimientos más influyentes en la historia del cine.
10 películas esenciales de la nueva ola francesa:
Los 400 golpes (François Truffaut - 1959)
El debut como director de Truffaut podría ser una de las mejores películas de la mayoría de edad de todos los tiempos. Marcó la creación del personaje inmortal de Antoine Doinel (interpretado por Jean-Pierre Léaud), un niño no deseado que se encuentra deslizándose a través de las grietas en el sistema. Los 400 golpes es una hermosa exploración de una infancia problemática que representa los conflictos internos de un niño perdido.
Truffaut dijo que la ventaja del cine sobre las novelas, por ejemplo, es que no puedes soltarlo. La máquina está en marcha, los contratos están firmados. Me gustan mucho los actores, al menos algunos, o los que elijo. Hay promesas a mantenerse. Es una motivación para cumplir tu palabra.
Pero una vez que estás en él, una vez que comienzas a disparar, este tipo de problemas se caen, esas dudas de naturaleza general. Luego hay problemas diarios, estrictamente técnicos, que puedes resolver en medio del ruido y la risa, y es bastante estimulante. Luego, cuando termina la filmación, las dudas vuelven.
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Jadeante (Jean-Luc Godard-1960)
Jadeante Puede que ni siquiera sea la obra maestra de Godard (que podría ir a su película de 1967 Fin de semana ), pero sin duda es una de las obras significativas de la nueva ola francesa. La influencia de su característica debut es demasiado enorme para ser ignorada. Jadeante Mostró al mundo cómo un cineasta con desprecio y desprecio por las tradiciones cinematográficas podría conformar sus propias reglas.
A menos que seas muy bueno, la mayoría de las primeras películas son demasiado largas y pierdes tu ritmo y tu audiencia durante dos o tres horas, admitió Godard. De hecho, el primer corte de Jadeante Tenía dos horas y media y el productor dijo: Tienes que cortar una hora. Decidimos hacerlo matemáticamente. Cortamos tres segundos aquí, tres aquí, tres aquí, tres aquí, y luego descubrí que no fui el primer director en hacerlo.
El año pasado en Marienbad (Alain Resnais - 1961)
La obra maestra de ensueño de Alain Resnais resiste las interpretaciones tradicionales y polarizó a los críticos en el momento de su lanzamiento. Bellamente surrealista y ubicado en un hotel barroco adornado, la enigmática película explora temas de existencialismo y destino.
No puedo ver ninguna razón por la cual una película no debe ser estilizada y visualmente hermosa. No creo que un conjunto hermoso sea pretencioso. Si uno creara una escultura, querría hacer que la forma de la escultura sea lo más hermosa posible, y no veo cómo podría considerarse incorrecto tener el mismo enfoque en la creación de una película, Resnais declaró una vez.
Cléo de 5 a 7 (Agnès Varda - 1962)
La obra maestra de 1962 de Agnès Varda es una película infinitamente encantadora sobre un joven cantante que experimenta ansiedad extrema debido a cuestiones de mortalidad y existencia. Defender los valores del feminismo francés y cuestionar la percepción de las mujeres en la sociedad, Cléo de 5 a 7 Definitivamente es una de las obras más importantes producidas por la nueva ola en Francia.
Reaccionando al título de La abuela de la nueva ola, Varda dijo: ¡Lo encontré divertido, porque tenía 30 años! Truffaut hizo los 400 golpes y Godard dejó sin aliento, pero lo había hecho cinco años antes con La Pointe Courte de [1955], mi primera película. Cuando era más joven, la gente inventaba una nueva forma de escribir: James Joyce, Hemingway, Faulkner. Y pensé que teníamos que encontrar una estructura para el cine. Luché por un cine radical, y continué toda mi vida.
El muelle (Chris Marker - 1962)
Una brillante ciencia cigüeña que imagina un experimento de guerra posnuclear en los viajes en el tiempo, El muelle es uno de los mejores cortometrajes jamás hecho. Hecho casi por completo en fotos fijas, desafió la definición de cine. La película también es una inspiración directa para Terry Gilliam 12 monos .
En un 2003 entrevista , Marker comentó: Bajo las órdenes de Jean-Luc, he dicho durante mucho tiempo que las películas deben verse primero en los cines, y que la televisión y el video solo están allí para refrescar su memoria. Ahora que ya no tengo tiempo para ir al cine, he comenzado a ver películas bajando mis ojos, con una sensación cada vez mayor de pecaminosidad.
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Los paraguas de Cherbourg (Jacques Demy - 1964)
Un hermoso drama musical que se convirtió en una adición seminal al género, la película de Demy de 1964 logra transformar el drama monótono de la vida regular en algo mágico.
Los paraguas de Cherbourg won the Palme d’Or at Cannes and influenced generations of filmmakers, including Damien Chazelle, who cited it as a source of inspiration for his 2016 musical La La Land .
Durante una entrevista sobre la película, se le preguntó a Demy por qué tendría gente cantando sin ninguna razón. ¿Imaginó a la gente cantando Me gustaría el pastel de manzana en el restaurante? El director respondió, ¿por qué no? Haría la vida más agradable.
El samurai (Jean-Pierre Melville-1967)
Jean-Pierre Melville construye uno de los mejores neo-noirs, Jean-Pierre Melville construye un examen memorable de una vida de crimen que está llena de subtexto filosófico. Alain Delon interpreta a un asesino que es perseguido por la policía, así como la organización que lo contrató.
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Melville se quejó: me han ordenado de una vez por todas en un cajón en una especie de archivador bajo la etiqueta American. Esto está bastante mal. Lo he soportado durante cinco años, pero ahora he tenido suficiente: no soy absolutamente un director estadounidense. Si por esta gente significa que hago mis películas con enorme cuidado sin dejar nada al azar, mi respuesta es que los grandes directores japoneses funcionan de la misma manera. De todos modos, me siento mucho más japonés que estadounidense. El samurai es una película japonesa, como sugiere el título.
Mi noche en Maud's (Éric Rohmer - 1969)
La tercera adición a la de Rohmer Seis cuentos morales , Mi noche en Maud's es una obra maestra intelectual que plantea cuestiones relevantes de fe, ética, lógica y la condición humana. La película obtuvo nominaciones a los premios de la Academia a la Mejor Película Extranjera y al Mejor Guión Original.
El director explicó: Cada texto, me parece, permite dos lecturas: una lectura inmediata y una lectura entre líneas, como resultado de una reflexión profundamente, con referencia a las teorías estéticas. Pero no creo que esta interpretación simplista valga menos que la segunda. Siempre pensé, incluso cuando era crítico, que la reacción brutal y simplista del espectador es algo bueno.
El carnicero (Claude Chabrol - 1970)
Un brillante thriller psicológico combina el romance con el desorden mental, la película cuenta la historia de un carnicero perturbado que se enamora del maestro principal de una escuela. La violencia es casi psicológica de naturaleza, invoca una profunda sensación de angustia dentro de los personajes.
En una entrevista de 2009, Chabrol dijo: Afortunadamente el cine del cine no se detuvo con La nueva ola . Por supuesto, hay muchos directores jóvenes que son vanguardistas hoy en día. Creo que en todo el mundo hay dos tipos de cineastas: aquellos que tienen la necesidad interna de hacer películas y aquellos que solo quieren estar en la industria del cine. La segunda categoría no me interesa en absoluto, mientras que la primera siempre es muy interesante.
Céline y Julie Go Boating (Jacques Rivette - 1974)
Rivette traduce el misticismo de la magia al medio cinematográfico en esta encantadora película, presentando la historia de Céline y Julie, que se embarcan en un viaje espiritual. Es una obra maestra juguetona que atrae a los espectadores al mundo caprichoso de Céline y Julie, lo que los hace experimentar el verdadero poder del cine.
Al contrario de lo que pensaban algunos críticos en Cannes, nuestras ambiciones no estaban en la parodia, sino más bien un pastiche de un cine anticuado, explicó Rivette. Así que decidimos que el final estaría completamente abierto; Podría ser muy dramático o lo que quisiéramos. Quería tener un final de Slapstick porque parecía más divertido.
