¿Cuál es el único sencillo instrumental en ser platino?
Uno de los atributos perdidos de la música es su capacidad para ser transformador. Sí, como es con la mayoría de las formas de arte, sus rasgos más importantes de fomentar la comprensión, dar sentido a las emociones más crudas de la vida y plantear importantes preguntas políticas y sociales se valoran más, por una buena razón. Pero a veces, solo quieres sentarte en una habitación oscura, ponerte auriculares con cancelación de ruido y escapar de la realidad con una melodía.
Si bien soy un tipo de oyente de sí mismo, mis gustos, mis gustos se han desarrollado a lo largo de los años. Fue la letra que me metió en la música, pero la música me metió en algo más amplio. Dentro de la exploración de mundos más texturales y experimentales, la música instrumental ha demostrado ser la más reveladora.
Ya sean artistas contemporáneos como el chef sorpresa y Kokoroko o tal vez sus predecesores clásicos como Herbie Hancock o Miles Davis , sumergirse en capas de texturas sónicas, incita una respuesta emocional mucho más allá de la expresión de las palabras. En el peor de los casos, intrigante y en su mejor momento, completamente transportador, un buen álbum instrumental puede ser similar a la meditación profunda.
Pero a pesar de mi intento de una versión de alta ceja sobre música instrumental, voy a cambiar a una marcha diferente. Mientras Herbie Hancock está en mi rotación regular, y puedo pensar que eso me hace mejor que todos los demás, los nombres Hans Zimmer y John Williams No están muy lejos en mi lista de reproducción de cocina instrumental. Sí, puedo actuar como si me encantara el jazz, pero también me encanta fingir que mi cuchillo de cocina Santoku es el Halcón Millennium y mi cebolla cuidadosamente cortada es el espacio intergaláctico.
Cheesy o no, algunos de los mejores momentos de la música instrumental han llegado a manos de los compositores de cine. No solo son los proveedores de sentimientos de transformación, que claramente tengo tan querido, sino que exprimen la emoción subyacente de cualquier escena dada, formando una impresión duradera que te deja, en mi caso de todos modos, llorando en el mostrador de la cocina y culpando a las malditas cebollas.
Muchos discutirían más icónico de todas las bandas sonoras es el de Star Wars , escrito por John Williams. Encapsulando la edad de oro de las narraciones de Hollywood impulsadas por héroes, despertó al público mientras se sentaban listos para embarcarse en un viaje a una tierra muy, muy lejos. Si bien los discos de taquilla se aplicaron al lanzarse las películas, su banda sonora que lo acompaña no dejó una marca en las listas. Y comprensiblemente, fue diseñado para el único propósito de elevar la película, lo que hizo valientemente.
Fue una banda sonora más apropiada para las cruzadas de Han Solo que para los movimientos de baile de un jabba agregado por el alcohol el Hutt y el bar ahumado que ocupa. No había ritmo para que Jabba sacudiera sus caderas tambaleantes y, en última instancia, esa es una de las principales tragedias de la película. Y fue un error que Domenico Monardo, también conocido como, Meco, estuviera dispuesto a lo correcto.
En 1977, lanzó su disco Música inspirada en Star Wars and Other Intergalactic Funk. Lanzado adecuadamente a través de Millennium Records, su canción de apertura fue una repetición de la canción clásica de Williams de Star Wars: Episode IV—A New Hope Pero con una línea de bajo rodante y una sección brillante de latón que trajo una pista de baile de iluminación para que Jabba rompiera sus movimientos. Continuó a otras pistas como Otro Funk Galáctico, que era una espiral de ritmo de 12 minutos que tenía muy poco espacio al respecto además del espacio de cabeza en sus instrumentos.
Pero fue la tercera canción, Star Wars Theme/Cantina Band, la que vio a Meco mezclar las sensibilidades de los dos números iniciales para entregar Star Wars True Funky Lovechild. Pidgy respaldo sobre la popularidad de la serie de películas y el apetito insaciable del mundo por la diversión con infusión de discoteca, la canción se convirtió en el primer y único sencillo instrumental en GO Platinum.
Como fue Star Wars: Episode IV—A New Hope actuar en la taquilla?
En el mundo moderno, nos desanimamos los efectos digitales sobresaturados y las secuencias de acción poco realistas que anhelamos algo auténtico. Christopher Nolan descubrió cómo obtener permiso para enviar un avión comercial a un ardiente incendio en un hangar del aeropuerto antes de conceder el uso de efectos especiales. Pero cuando Star Wars: Episode IV—A New Hope fue lanzado, cambió positivamente el juego y estableció el listón para la narración distópica escapista y cómo se podrían usar efectos especiales para transportar a los espectadores a un mundo completamente nuevo.
En consecuencia, los fanáticos acudieron en masa a los cines tras su debut, lo que llevó a su destrozar discos de taquilla con facilidad. Lanzado por primera vez en los cines en los Estados Unidos el 25 de mayo de 1977, sus ganancias fueron enormes en $ 461 millones en los EE. UU. Y $ 314 millones en el extranjero. La película de Lucas superó Fauces para convertirse en la película más taquillera de todos los tiempos en aquel entonces.
Poco después, la película recibió diez nominaciones a los Premios de la Academia y ganó enfáticamente siete de ellas. Se convirtió en una de las primeras películas en ser seleccionada como parte del Registro de Cine Nacional de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos por ser cultural, histórica o estéticamente significativo. Hasta el día de hoy, se anuncia como una de las mejores películas de todos los tiempos que abrió un sendero tan ancho que un álbum instrumental de funk esotérico hecho en homenaje se volvió platino.
