10 escritores que dieron forma a la industria de la música
El famoso escritor de Beat William S Burroughs dijo una vez que los artistas en mi opinión son los reales arquitectos del cambio, y no los legisladores políticos que implementan el cambio después del hecho. Es una declaración que posee más que un grano de verdad. Es literalmente imposible imaginar un mundo en el que artistas como los Beatles simplemente nunca surgieron. Si las cosas se sienten distópicas ahora, imagine cómo sería sin la agitación subversiva del arte.
El poder de la música para llegar desde las embragues secuestradas de la cultura, agarrar el mundo en general junto a las solapas y sacudirlo como una skoda que atraviesa una cuadrícula de ganado no solo es profunda sino esencial. Sin embargo, no es revelación que los músicos traten constantemente de destilar e impartir en cinco minutos de canción lo que el material fuente que los inspiró hizo en resmas de páginas. La prosa y la impresión nunca están lejos de las treks y las entrepiernas.
En sus memorias, Bob Dylan discute el gran impacto que autores como Fyodor Dostoevsky tuvieron sobre él cuando era joven y cómo, años después, convirtió a Anton Chekhov en las obras Sangre en las pistas . El mundo de la literatura permite que el arte se reúna con su lector uno a uno, y el golpe de esa inspiración introspectiva sigue siendo central para desovar música y la evolución de las artes.
Como Bob Dylan dijo una vez, el arte es el movimiento perpetuo de la ilusión. El mejor propósito del arte es inspirar. ¿Qué más puedes hacer? ¿Qué más puedes hacer por alguien más que inspirarlos? La naturaleza de la palabra impresa todavía hace que este sea el lugar principal al que se conecta para que su cerebro zumbe.
A continuación, estamos echando un vistazo a los escritores prominentes que cambiaron la cultura irrevocablemente y trajeron el mundo de la música, aferrándose a las matas del progreso a través de la prosa y la poesía en movimiento.
Los escritores que dieron forma a la música moderna:
Jack Kerouac
Jack Kerouac once commented, The only truth is música. It is a short epithet that illuminates his love for the art form and his zest for the soul made sonic or elucidated in print. On his piano-backed jazz album with Steve Allen, he eulogises the formative bebop músicaian Charlie ‘Bird’ Parker. He describes descending into a dark, dingy, dive bar and having it bloom into kaleidoscopic light like a flower beckoned from bud into blossom by the half-note-sun of Parker’s blistering playing.
Charlie Parker rompió sus pulmones para alcanzar la velocidad de lo que los velocistas querían, y lo que querían era su desaceleración eterna. Firmó con la alta afirmación de que era musicalmente tan importante como Beethoven, pero no considerado como tal en absoluto. La pasión de Kerouac por Parker , Jazz en general, y la lujuria por los ritmos de la vida se eterna en su novela sísmicamente seminal En la carretera , Donde en la manga interior hay una cita de Bob Dylan que dice, cambió mi vida como si cambiara la de todos los demás.
David Bowie también estaba tan agitado por las palabras vidas de Kerouac que empacó sus pertenencias de los somnolientos suburbios y se embarcó en la vida de Londres, luchando en el ritmo de otro mundo de Bond Street que dejó un tono indeleble en su trabajo para siempre. Kerouac puede no haber sido el primero en sumergir su pluma en tinta y pintar la poesía de la calle, pero la propagó con tanta profusión sin compromisos que el mundo de la cultura nunca volvería a ser el mismo.
El movimiento Beat que Kerouac sería coronado rey del mundo Bob Dylan, Odetta, Paul Simon y casi todos los músicos que siguieron en la década de 1960. Detrás del movimiento estaba la singularidad de Kerouac y la visión firme de ajustarse a una soberanía de uno. Las fallas y éxitos de Kerouac fueron personificados por una intención creativa intransigente y un deseo de ser un artista, a diferencia de los artistas de antaño, pero igual de entusiasta entre las personas. Tamboreando al borde de la indigencia, su perspectiva, como muchas de las personas que lo rodean, era que si iba a fallar, fallaría en sus propios términos, a diferencia de sus antepasados. En muchos sentidos, ese es el mantra que los músicos y artistas alternativos viven hasta el día de hoy.

(Créditos: lejano / Alamy)
William S Burroughs
El autor de Beat, William S Burroughs, era una figura central en la industria de la música. Su amistad con David Bowie, Lou Reed y otros músicos prominentes significaban que su impacto se sintió en un sentido casi directo. Estas personas podrían literalmente pedirle consejos, y él estaría llegando con él.
Bowie y una variedad de otros artistas no solo se inspiraron en la rareza inherente de su trabajo y su negativa a cumplir con las convenciones, sino también por su técnica de corte de palabras, que muchos artistas utilizarían para superar el bloqueo del escritor. Canalizado en los estribillos de la música Velvet Underground, dejó en claro que las cosas podrían dejarse nerviosos cómo dices cosas no solo lo que estabas diciendo.
Quizás la mejor destilación de estos asuntos que se unen en una canción tiene que ser el himno Ziggy Stardust de Bowie Moonage Daydream. Soy un cocodrilo / Soy una mamá-Papa que viene para ti, tiene que ser una de las líneas de apertura más originales y extasiadas de la música. Acompañado del sonido de la música, es realmente sorprendente. Pero en verdad, se podría tomar fácilmente de las páginas de Burroughs.
Sin embargo, su impacto más destacado en la música es simplemente el atrevido extremo de su prosa. Cuando Drogadicto fue lanzado en 1953, sirvió como un ataque incendiario contra la decencia y los ideales estadounidenses controvertidos de lo que se puede hablar en el arte, de la misma manera que los habitantes de Nueva York, el terciopelo underground haría más de una década más tarde.

(Créditos: lejano / Alamy)
James Baldwin
El punto en que la música se volvió política requiere una investigación ajustada, pero no hay duda de que en la década de 1960, la música ingresó firmemente al movimiento de derechos civiles, y las canciones de protesta cobraron vida propia. Quizás la figura artística más central dentro del movimiento fue James Baldwin.
Baldwin una vez escribió: Todo lo que sé sobre la música es que no muchas personas realmente lo escuchan. E incluso entonces, en las raras ocasiones en que algo se abre dentro, y la música entra, lo que escuchamos principalmente, o escuchamos corroborados, son evocaciones personales, privadas y desaparecidas. Pero el hombre que crea la música está escuchando algo más, está lidiando con el rugido que sale del vacío e imponente el orden cuando llega al aire. Lo que se evoca en él, entonces, es de otro orden, más terrible porque no tiene palabras, y también triunfante por esa misma razón. Y su triunfo, cuando triunfa, es nuestro.
Esta profundidad poética tipifica su asombrosa habilidad de poder diseccionar juiciosamente a lo turbio y levantar la niebla, haciendo que el complejo sea simple y políticamente nettlesa moralmente inequívoca. Los impactos de su trabajo en los derechos civiles y la política igualitaria significaban que, de la misma manera, que declaró a los músicos, su triunfo también era nuestro.
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Durante su carrera, Baldwin llevó valientemente las artes al frente. La noción del poeta masculino revestido de tweed con una pipa y una pinta de amargo calentador está muy lejos de la figura que Baldwin cortó de un pacífico revolucionario que desafía el fuego y las bastones en Birmingham. A su paso era un batallón de músicos inspirados en su afirmación de que la creatividad puede provocar el cambio. En este sentido, su trabajo no solo condujo a un aumento exponencial de la música de protesta directa, sino que también tiene lazos con el inicio del rap y otros géneros que le dijeron a la verdad no mitigada de las calles y aliviaron exultantemente al sufrimiento al hacerlo.
En general, Baldwin defendió una noción a través de su pasión por el poder de la expresión de que cuando los tiempos están inestables, la música deja el camino claro; Puede que no haga que el camino sea simple, pero ciertamente quita los detalles frívolos que enmascaran los baches y nos guía alrededor de coyunturas invisibles como los faros iluminadores. Lamentablemente, a diferencia de sus contemporáneos de Beatnik como Jack Kerouac o William S Burroughs, su relevancia no se limita a influir, sino más aún al hecho de que los mismos mensajes que estaba diseminando en tonos poéticos a mediados del siglo pasado todavía necesita reiterarse hoy.

(Créditos: lejano / Alamy)
Wisława Szymbroska
En Europa, el rock 'n ’roll llegó como un regalo benevolente de Estados Unidos después de los horrores de la guerra, pero en muchos sentidos, una revolución cultural ya estaba en marcha gracias a creativos audaces como Wisława Szymbroska, quien se aseguró de que los jóvenes tuvieran voz y las mujeres tenían un lugar en el arte y la política.
Su trabajo tenía una cualidad que todos los músicos parecen anhelar: se adelantó a su tiempo. La pura fuerza cáustica de sus palabras llama a la violencia viciosa de una guitarra abrasadora. La postura envalmenta de Szymbroska y la forma innovadora con las palabras fueron clave para los géneros europeos experimentales como Krautrock y la música electrónica.
Su poesía no eludió en torno a los problemas de la guerra y el terrorismo posterior en su Polonia natal; Ella destripó el sujeto con una fuerza bruta pura que los rockeros europeos que siguieron tendrían que intentar alcanzar. En cierto sentido, no solo fue pionera en algo parecido a la poesía punk, sino que también envió un mensaje que el arte podría tocar cualquier tema que deseas.
¿Cómo podría un aspirante a músico leer un versículo poético como, piensa siempre que sea necesario, y no un segundo más, ya que la duda se acuesta detrás de ese segundo ..., y no quieren ponerla en la música?

(Créditos: Fare / Wislawa Szymborska Foundation)
Sylvia Plath
En los últimos años, el legado de Sylvia Plath, desafortunadamente, se ha embalsamado en el melodrama de la morbilidad. Plath misma tuvo la mejor respuesta a esto cuando escribió, incluso en medio de llamas feroces / el loto de oro se puede plantar. Esta intromisión de la belleza y la oscuridad se puede ver continuamente a lo largo de la música. Plath está lejos de ser el primero en iluminar un canto con el mango de la esperanza y la belleza, pero su brutal forma de hacerlo y la noción misma de su audacia como artista femenina en tiempos opresivos tuvo un impacto reverberante en la cultura en general.
En el mismo sentido que Kerouac, escribió firmemente desde la perspectiva de la juventud, un rasgo sobre el que se apoderaría del rock 'n' roll. Plath claramente nunca escribió con una noción anhelante de aceptación o evaluación de su nobleza en mente. Ella escribió con la apasionada sinceridad que solo los jóvenes pueden aprovechar. Su trabajo era la cultura pop en cierto sentido, y demostró que podría ser de alta ceja.
Una gran cantidad de artistas la han elogiado como inspiración de Patti Smith a Nick Cave, muchos más la han mencionado directamente en una canción de Lana Del Rey a Lady Gaga e incluso los últimos Wordsmiths en la escena Fontaines DC han escrito líneas como ninguna puede soltar la pasión de las manos sin acristaladas de la juventud, que ella habría orgulladas en orgullo en una antología de su cuenta.
Plath llegó y se apoderó de las pasiones hirvientes de la juventud, prosperó en una ingenua imprudente e hizo el tipo de arte que usurca el status quo, y genera una nueva generación de su propia manera que era pronóstico del punk en su mejor momento. En el camino, ella también celebró música, escribiendo líneas maravillosas como, cerré los ojos y el música se rompió sobre mí como una tormenta.

(Créditos: Far Out / The Poetry Foundation)
Kurt Vonnegut
Kurt Vonnegut’s anti-war novels would become central texts within the counterculture movement. He looked at the world in the most colourful way possible without losing sight of what was black and white, and as such, he made it clear to contemporaries that political discourse did not simply belong to those in ties.
Esta visión paradójicamente clara pero caleidoscópica del mundo se propagó en prosa simple, y como lo dice el cineasta Bob Weide: ¡qué niño de la escuela secundaria no va a engullir [eso]! Muchos escolares musicales ciertamente lo hicieron, con Jerry García y muchos otros citándolo como una gran influencia en su trabajo.
Su impacto en la música podría no haber sido tan directo como algunos de los otros en esta lista, pero en términos de convertir a las personas en las artes y dilucidar las filosofías complejas de la manera más alegremente atractiva, inspiró a las legiones de fanáticos a participar en la práctica catártica de la creatividad. Y informó muchos más sobre la voz vital que tiene el arte cuando se trata de cambio político.
Como él él mismo, practicando un arte, sin importar cuán bien o mal, es una forma de hacer que tu alma crezca, por el bien del cielo. Canta en la ducha. Baila a la radio. Contar historias. Escribe un poema a un amigo, incluso un poema pésimo. Hazlo tan bien como puedas. Obtendrá una enorme recompensa. Habrás creado algo. Podríamos elogiar a nuestros héroes musicales hasta el punto de que se sientan en un pedestal como chamán, pero al final del día, eso es todo lo que también están haciendo.
Vonnegut hizo arte que inspiró un cambio con gran humor y un celo por la vida que alentó a los músicos a hacer lo mismo.

(Créditos: Far Out / Bernard Gotfryd)
John Cooper Clarke
En las palabras parafraseadas de Hunter S Thompson, Dr. John Cooper Clarke es uno de los propios prototipos de Dios, demasiado extraño para vivir y demasiado raro para morir. El poeta punk homónimo se inspiró en la poesía de la calle de Charles Baudelaire, pero en lugar de plantar flores en medio de los adoquines, Clarkey tomó nota de una noción de que el artista popular casi olvidado Rodríguez lo puso en forma lírica: porque ¿cuántas veces puede despertarse en este cómic y flores de plantas?
Clarke no le preocupa plantar flores; Simplemente quiere reírse del cómic. Su poesía consiste en un juego de palabras salvaje que logra un nivel de sátira que nadie con la esperanza de filosofar la vida callejera podría desear lograr. Deja en claro que la encapsulación viene por poder. Y con un ingenio lírico contundente, se burla de la poesía bromídica y banal pronunciada con falso poignización y un labio superior rígido.
No solo estuvo allí al nacimiento del punk británico, sino que su presencia fomentos dentro de él agregó un estilo muy necesario a la sustancia gruñona. Ha estado siempre presente en el mundo de la música desde entonces.
Alex Turner de los Monos Árticos ha sido un discípulo de Clarke a lo largo de una carrera que lo ha visto establecerse como uno de los compositores literarios más destacados de los últimos tiempos. Turner se llevó donde su héroe John Cooper Clarke Se había ido, quien a su vez se había inspirado en los sonetos cubiertos de hollín de Baudelaire, haciendo que Al y una gran cantidad de otros artistas lo último en una larga línea de adorables juerguistas reprobados de la demimonda para propagar la poesía de la calle, al igual que el abandono de Clarke, su palabra de palabras de la cultura juvenil de la cultura juvenil. Un idioma que Clarke ayudó a hacer gruñidos divertidos y escupir desde el lado de su boca que ha sido emulado desde entonces.

(Créditos: lejano / John Cooper Clarke)
Dr. Hunter S Thompson
Los escritos de Hunter S Thompson están profundamente arraigados con el mundo de la música y la cultura que rodea varias escenas musicales. Su puro atrevido y determinación de mantenerse dentro de la demimonda loca y móvil fue un espenjado espíritu que los músicos han tratado de seguir para siempre.
Como escritor, se absorbió en el mundo de la cultura pop en lugar de tratar de observarlo desde lejos, y eso se extiende mucho más allá de su estilo de periodismo Gonzo. Quería estar en y entre lo que estaba sucediendo no solo para colocarse en la historia o capturar un momento desde una perspectiva a nivel del suelo. Quería cambiar lo que necesitaba cambiar y celebrar lo que pensaba que era correcto. En resumen, esto se reflejó en el medio artístico colaborativo de los años sesenta y setenta.
Por supuesto, no hay forma de demostrar esto, pero me sorprendería encontrar la estantería de un músico que no incluya una copia de Miedo y odio en Las Vegas - Es puro queroseno para la música. Esta relación fluyó en ambos sentidos, como lo expresó Thompson él mismo: la música siempre ha sido una cuestión de energía para mí, una cuestión de combustible. Las personas sentimentales lo llaman inspiración, pero lo que realmente significan es combustible. Siempre he necesitado combustible. Soy un consumidor serio. En algunas noches todavía creo que un automóvil con la aguja de gas en vacío puede correr unas cincuenta millas más si tienes la música correcta muy fuerte en la radio.
Cuando agrega a esa proposición de que él también tenía un gusto impecable en la música, el clásico de Dylan Mr Tambourine Man como el himno nacional hippie, tiene una figura influyente en el campo de la literatura y la música cuya influencia aún se siente.

(Créditos: Fare Out / Magnolia)
JD Salinger
Tal vez sea dicha que la frase que JD Salinger El receptor en el centeno Ayudó a popularizar fue jodido. En estos días, ese término está incluso en el Diccionario de Inglés Oxford , y viene con la definición concisa: hacer que algo salga mal. Ahora, ciertamente sería la crítica más dura de todos decir que la novela de 1951 arruinó la cultura por completo, pero es una marca de la mística duradera del texto que hay un olor definitivo de esa persistente en la soldadura de su miasma social picante.
Parte de la tontería juvenil angustia, parte de la prosa de corte visceral, el libro sigue siendo tan confuso como siempre, pero no se puede alejar del hecho de que Salinger ciertamente golpeó algo dado que todavía se evalúa hoy. La sinopsis puede ser vaga, pero eso lo ha ayudado a permear. En resumen, se trata de un adolescente enojado que lucha contra las recompensas de la conformidad y de tratar de derivar a la sociedad adulta como una clavija cuadrada en un agujero que ni siquiera está allí. Si ese inquietud de un niño que realmente no sabe lo que es, pero está seguro de que no suena como la totalidad de MTV, Pop-Punk, Nirvana, etc., es porque es porque lo es.
El triunfo de la novela y la razón de su influyente longevidad existe en el simple hecho de que cambió la forma en que los jóvenes son retratados en la ficción. De repente, la noción de adolescencia estadounidense se tocó y se volvió tridimensional, aunque esa profundidad fue en gran medida un tono de gris de dote. Ni el héroe ni el antihéroe, solo un niño sin humor, la idea del adolescente como iconoclasto social fue llevado de estas páginas.
Por qué entonces, abrió este segmento con la noción de que El receptor en el centeno ¿Ajustaron las cosas si provocó un cambio liberador, amplificó la voz de los jóvenes y ayudó a impulsar la cultura pop? Bueno, dos razones, realmente; El primero es que simplemente no es tan bueno de un libro. No tiene la prosa brillante de los gustos de En la carretera que siguió o el color apasionante de algo como Chatarra o incluso laias de vivre del equivalente británico, La noche del domingo . De hecho, Catcher in the Rye Casi siempre ha luchado con una discernimiento crítico.
Pero eso apenas importa de muchas maneras, porque era punk.

(Créditos; lejos / presionar)
Maya Angelou
Maya Angelou once said, If only one could be sure that every 50 years a voice and a soul like Odetta’s would come along, the centuries would pass so quickly and painlessly we would hardly recognize time. But her praise for the folk star who inspired Bob Dylan to take up the acoustic was not one-sided, the música world recognised Angelou as a great creative force, too.
hermés gustaf daniel giersch
Antes de convertirse en un reconocido escritor, Angelou era cantante y bailarina. Ella incluso lanzó el álbum de estudio Miss Calypso En 1957. Incluso en esta oferta de kitsch, busca canalizar la experiencia de las mujeres y los afroamericanos a través de la cultura ondulante, el modo que se convertiría en el pilar de su escritura inspiradora. Líricamente, los temas que expuso extáticamente todavía se resonan de manera pertinente hoy.
Desde estrellas modernas de hip-hop como Kendrick Lamar hasta los incondicionales del alma como Nina Simone, una gran cantidad de artistas han citado su tono suave pero audaz e importante como pura inspiración. Incluso colaboró con personajes como Quincy Jones, préstamos a las piezas de palabras habladas a la película Flor de cactus . Como ella se dijo, la música era mi refugio. Podría arrastrarme al espacio entre las notas y rizar mi espalda a la soledad. Bueno, la suya es la parte posterior que ayudó a apuntalar innumerables movimientos musicales a su vez. Agregó el alma a la protesta y muchos otros siguieron su mensaje: he aprendido que la gente olvidará lo que dijiste, la gente olvidará lo que hiciste, pero la gente nunca olvidará cómo los hiciste sentir.

(Créditos: lejano / Brian Stansberry)