Las cinco películas feministas más subestimadas pero esenciales
Nunca ha sido tan fácil para las mujeres hacer películas como lo ha sido para los hombres. Curiosamente, el primer cineasta en hacer una película narrativa fue una mujer, Alice Guy-Blaché, desde entonces, las mujeres se han desanimado ampliamente de convertirse en directores. Las contribuciones de Guy Blaché al cine fueron increíblemente pioneras, pero pronto fue eclipsada por personas como Georges Méliès y DW Griffith, que se desvanecieron en el fondo de la historia del cine durante muchos años.
A lo largo de las décadas que el cine ha prosperado como medio, las directores femeninas han sido pocas y distantes, con hombres aparentemente administrando un monopolio sobre la industria y desanimando a las mujeres se convierten en narradores visuales. Durante siglos, se ha desanimado a las mujeres de convertirse en artistas (la sociedad patriarcal exige el cumplimiento de los roles esperados como ser madre y ama de casa, por lo que, durante mucho tiempo, ha sido raro encontrar una directora, y mucho menos una escritora, productora o director de fotografía que trabaja en la industria.
Si bien esto lentamente ha comenzado a cambiar, la falta de cineastas ha llevado a una disparidad en los tipos de historias representadas en la pantalla. Los directores masculinos han categorizado durante mucho tiempo a las mujeres en tropos estereotípicos, personajes femeninos objetivados y han presentado exploraciones bastante unidimensionales de los problemas de las mujeres, ignorando las experiencias de primera mano de mujeres de todos los orígenes. Sin embargo, son estas historias, cuando el público consume por todos los ámbitos de la vida, las que nos educan e inspiran la empatía, creando un paisaje donde las personas marginadas pueden ser entendidas.
Además, el público femenino quiere poder identificarse con los personajes que ven en la pantalla. Por lo tanto, hemos elegido cinco películas subestimadas, todas dirigidas por mujeres, que cuentan historias distintivamente femeninas, desde la interseccional y ferozmente política nacida en llamas hasta el mundo de vanguardia surrealista de La concha de mar y el clérigo Dirigido por el queer cineasta experimental Germaine Dulac en la década de 1920.
Cinco películas feministas esenciales:
Madchen en uniforme (Leontine Sagan, 1931)
Basado en una obra de juegos de Christa Winsloe, quien también adaptó su historia para la pantalla grande, Chica en uniforme es una entrada seminal al canon queer, con la directora Leontine Sagan que nos lleva a un internado para niñas donde una joven estudiante se enamora de su maestra. La película alemana presenta un elenco femenino, con Sagan, una de las primeras directores femeninas del país, prestando un ojo tierno para crear una película enfática y hermosa sobre identidad, mayor de edad, antiautoritarismo y represión.
La película fue prohibida por los nazis después de llegar al poder dos años después, pero Chica en uniforme Desde entonces, se ha convertido en una película histórica, tanto en el mundo del cine feminista como en la visibilidad cinematográfica queer. Raramente es una historia de lesbianismo dado un espacio adecuado para ser contado, y rara vez son tan delicados y comprensivos de sus sujetos. La película comunica lo que significa crecer en un mundo donde se presenta un camino específico para las mujeres, a pesar de que muchos sienten que sus deseos se desvían de este destino predeterminado.
La concha de mar y el clérigo (Germaine Dulac, 1928)
A menudo hablamos de Man Ray o Salvador Dali cuando se trata de artistas surrealistas tempranos, pero ¿qué pasa con Germaine Dulac ? Nacido en 1882, el cineasta hizo muchas películas feministas tempranas, como La sonriente Madame Beudet y La concha de mar y el clérigo, Ambas son fantásticas piezas de cine experimental silencioso que comunican la insatisfacción de Dulac con el status quo, con estos últimos utilizando técnicas increíblemente únicas como edición rápida, sombras y el aislamiento de varias imágenes.
De hecho, La concha de mar y el clérigo es reconocido como la primera película surrealista, que viene antes Un perro andaluz. Dulac utiliza estas técnicas experimentales como una declaración feminista; Mientras el protagonista masculino desea después de una mujer, las imágenes surrealistas la salvan de su agarre lujurioso y patético. Inquietante y bella, la película es una obra maestra feminista temprana que ha logrado desconcertarse a los espectadores durante casi un siglo.
Uno canta, el otro no (Agnes Varda, 1977)
El aborto no se legalizó en Francia hasta 1975, con mujeres que luchan por su derecho a la atención médica accesible durante años antes. En 1971, Simone de Beauvoir escribió El manifiesto de los 343, destacando a las muchas mujeres que se habían sometido a abortos ilegales en Francia, que Agnes Varda firmó. El cineasta fue un gran defensor del aborto, y en 1977, su película Uno canta, el otro no Explore directamente el tema, siguiendo a dos mujeres jóvenes mientras intentan asegurar dinero para que una de ellas pueda abortar.
La película traza a la pareja de amigos a medida que envejecen, experimentando la maternidad, el dolor, las nuevas relaciones y la protesta por los derechos del aborto. El poder de la amistad y la comunidad femenina se destacan continuamente, con Varda usando su película para iluminar la necesidad de permitir a las mujeres el derecho a elegir.
Nacido en llamas (Lizzie Borden, 1983)
En solo 80 minutos, no hay excusa para no ver el llamativo y desafiante manifiesto de Lizzie Borden Nacido en llamas , que imagina un levantamiento feminista en Nueva York. Hecho con una descarada sensibilidad de bricolaje, Nacido en llamas Se siente real y crudo, comunicando el impulso desesperado por la liberación femenina en un mundo supuestamente operando pacíficamente. Diez años después de una revolución que ha dejado a Nueva York supuestamente igual, las mujeres en la película expresan sus preocupaciones a través de la radio pirata, destacando los problemas profundos que han impedido un verdadero sentido de armonía para todos.
Nacido en llamas tiene en cuenta una variedad de mujeres con el deseo de promulgar el cambio, explorando temas como el racismo y la homofobia junto con el sexismo. Combinando géneros como ciencia ficción, documental y crimen con un mensaje feminista feroz, Borden crea un mundo donde las mujeres se unen para ayudarse a luchar contra los prejuicios de los hombres, incluso si eso significa recurrir a la violencia. Es una película poderosa que aún permanece terriblemente subestimada, y con sus referencias a innumerables temas que todavía son relevantes hoy, como la brutalidad policial, todavía tiene un peso particularmente conmovedor.
Hijas del polvo (Julie Dash, 1991)
En 1991, Julie Dash hizo la historia cinematográfica al convertirse en la primera mujer afroamericana en lanzar un largometraje que recibiría una distribución generalizada de los Estados Unidos. Es impactante que haya tomado tanto tiempo, pero con Hijas del polvo , Dash pudo presentar el tipo de historia que había estado perdiendo en Hollywood. Llevando al público a principios de 1900, la película se centra en varias generaciones de mujeres de Gullah, celebrando sus vidas mientras algunas de la familia se preparan para migrar más al norte.
Utilizando una estructura no lineal, Dash crea un paisaje hermoso y poético, ya que los miembros de la familia ofrecen opiniones diferentes sobre la oportunidad de reubicarse de la isla que llaman hogar. El cineasta dijo una vez que siempre quise hacer películas sobre mujeres afroamericanas. Para contar historias que no se habían contado. Para mostrar imágenes de nuestras vidas que no se habían visto.
Hijas del polvo Representa las opiniones y experiencias de varias generaciones de mujeres negras, con Dash demostrando su brillantez como cineasta mediante el uso de técnicas experimentales para capturar la belleza de su historia.
