Es un estado de ser: la canción que definió las cabezas parlantes
Con las cabezas parlantes emergiendo en la escena rota de Nueva York de finales de la década de 1970, se escribió un nuevo capítulo de la historia musical. En la última parte de la década, las calles de la ciudad favorita del mundo estaban positivamente en ruinas. La economía había paralizado la vida cotidiana y un peligro siempre en las calles planteaba preguntas de declive irreversible. Como era de esperar, el haz de luz de la desolación fue la floreciente escena punk que prosperó.
Los Ramones tipificaron el movimiento punk y la banda sonora una subcultura oscura del centro de Manhattan. Era una era en la que la innovación estaba enraizada en el remulto de los sonidos tradicionales y la forma de la entrega lírica, en lugar de trabajar minuciosamente en la experimentación textural en el estudio.
Pero como todos los capítulos de la historia musical, el horizonte de ese movimiento se acercó cada vez más a finales de los años 70, y un vacío estaba listo para ser lleno por el artista adecuado. Entra, cabezas parlantes. Acuñando los bordes irregulares de Art-Rock de Lou Reed Movimiento y solucionándolos en un paisaje sonoro textural inspirado en las prósperas escenas de discoteca de las coloridas subculturas de la ciudad oscura, intervinieron en una nueva era de música alternativa experimental.
Su álbum debut Cabezas parlantes: 77 Dio paso a un golpe de firma de una carrera con Psycho Killer, a pesar de su evidente desviación de las tendencias modernas en ese momento. Pero cuando la década dio paso a los años 80 y esperaba una era que definiría el gran lujo de la vida metropolitana y una América a la sombra del capitalismo salvaje de libre mercado, las cabezas parlantes entraron en la conversación.
David Byrne transmitió su comentario social sobre una composición optimista adecuada para el arco de redención de un héroe de Hollywood. Es esta paradoja la que convirtió a la banda en uno de los artistas más fascinantes de finales del siglo XX, ya que entendieron agudamente la experiencia genuina de la vida moderna que se sentó en algún lugar de la zona gris de desesperanza y desesperación.
A medida que la historia ha llegado, un álbum ha seguido siendo un clásico atemporal para la banda, no tanto por sus comentarios, sino por su logro textural y representación de la experimentación sónica en la que estaban tan interesados. Cuando se le preguntó sobre su canción favorita de las cabezas parlantes de Permanecer en la luz , dijo el tecladista Jerry Harrison, es difícil alejarse de una vez en la vida, en parte porque ha aparecido en todas estas películas a través de los años. Pero en un nivel más profundo, realmente captura la ambigüedad del proceso de grabación.
Añadió: hay una inusualidad en el ritmo. Habíamos establecido todas estas partes individualmente. Parece que puede ser un millón de cosas diferentes antes de darte cuenta de lo que está haciendo la mezcla. Y las letras, por supuesto, tienen el mismo sentido de asombro y aleatoriedad de la vida todos estos años después. El bajo de Tina, la batería de Chris y el lavado de mi teclado se suman. La canción es algo así. Es un estado de ser en lugar de una marcha a través de la vida.
Es una canción que Harrison comparte con los fanáticos como una favorita de la banda. Tipificó su enfoque único de múltiples capas con un sentimiento lírico paradójico que los convirtió en una banda esotérica pero socialmente relevante. A medida que los Estados Unidos se precipitaban en el hipercapitalismo, fue la banda sonora perfecta para la maravillosa esperanza de una generación desilusionada.
