10 bandas que han plagiado sus propias canciones
Rock and Roll siempre ha sido un género conocido por un poco de robo. Por mucho que a las personas les gusta la idea de encontrar contenido original que nadie ha descubierto antes, no es lo peor del mundo mirar por encima del hombro de la persona a su lado y ver qué puede robarles alguien. Pero llega un punto en el que artistas como Metallica pueden volverse demasiado indulgentes cuando llega el momento de que comiencen a hacer cualquiera de su nuevo material.
Por otra parte, ¿alguien está pidiendo actos heredados para reinventar la rueda? Después de todo, la rueda fue construida por ellos en el pasado, y funciona completamente bien, por lo que no hay razón para jugar demasiado. Sin embargo, hay una diferencia entre tener un sonido exclusivo y tener algunos momentos en los que comienzan a plagarse a la carta, ya sea que eso significa hacer el mismo riff nuevamente o condensar todo sobre un lado de su sonido en un solo globo musical.
¿Es eso necesariamente algo malo? El público está invertido en sus bandas favoritas en primer lugar para escuchar las canciones que aman, por lo que no se puede decir que ninguno de ellos sabe a qué vienen. Sin embargo, si miras la forma en que ambos están construidos, puede parecer un poco flojo que estas personas tengan una idea inteligente para una canción y no encuentren necesidad de desviarse de la fórmula.
Hay personas que hacen esto muy bien, como AC/DC, pero en estos casos, se menciona una canción en particular o se usan algunas piezas con demasiada frecuencia para ser una coincidencia. Definitivamente es un cierto estilo de trabajo, pero se vuelve agotador si todo lo que saben es el único truco después de un tiempo.
10 bandas que se han plagiado
¿No es una pena - George Harrison
Para cualquiera que solo escuchara a los Beatles por sus éxitos, George Harrison convertirse en el ex miembro más exitoso no fue algo que alguien vio venir. Él era el tranquilo por una razón, pero para cuando Todas las cosas deben pasar Fue liberado, todos pudieron ver a la persona millas por delante de John Lennon y Paul McCartney en muchos aspectos. Eso no significaba que no podía robar algunos trucos de su antigua banda al crear algunos de sus éxitos iniciales.
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Si bien se ha hecho mucho de la demanda de Harrison para My Sweet Lord, ¿no es una pena? Dado que toda la canción captura el final de los últimos días de la banda de manera tan conmovedora, la sección final era la manera perfecta para que Harrison mostrara sus habilidades como guitarrista, todo mientras el coro canta Na-Na-Nas que suena más que un poco familiares en el fondo.
Dado que Macca ya había criticado a Harrison por querer poner las lamidas de guitarra en Hey Jude, esta es una forma sutil para que Harrison se venga de su antiguo compañero, especialmente hacia el final donde su voz y sus guitarras crean este estofado psicodélico para que todo termine. McCartney no necesitaba que su canción estuviera demasiado abarrotada de música de fondo, pero como Harrison ha demostrado claramente, ambos enfoques funcionan igualmente bien.
Oh Dios mío - la policía
Sting siempre sabía cómo aprovechar al máximo sus ganchos. Por mucho que Don't Stand Tan cerca de mí funcionó bien como una versión siniestra de una canción pop, ya que se convirtió en la canción principal virtual de MTV cuando apareció en Money for Nothing de Dire Straits fue casi un accidente feliz que funcionó demasiado bien. Pero Sting tomó muchas decisiones por instinto, y a veces eso significa volver demasiado al libro de la letra.
Cuanto Sincronicidad Marcado en el momento en que la banda comenzó a convertirse en estrellas del pop, no fue la falta de algunos momentos experimentales. De hecho, todo el primer lado del disco se sintió como un largo viaje antes de entrar en los éxitos en la otra cara, y O My Dios fue un giro hacia atrás de su lado rítmico, incluso lanzando unos momentos funky en buena medida antes de que el verso final arroje el mismo visión del segundo verso de Cada pequeña cosa que hace es magia '.
Puedes llamarlo perezoso si quieres, pero escuchando lo que Sting estaba haciendo en el original, está claro que todavía estaba encontrando formas de torcer una melodía en torno a esas palabras durante años. Por lo tanto, este podría no ser un caso de robo, sino una idea que nunca se terminó realmente. Y si la banda nunca se estableció dónde colocar la línea, ¿por qué no difundir el amor en tantas canciones diferentes como sea posible?
Verano en el paraíso - The Beach Boys
Cuando Brian Wilson dejó a los Beach Boys, Mike Love había comenzado a convertirlos en una Ley de Nostalgia. No había forma de que las canciones sobre la diversión en el sol encontraran tracción en las listas en medio del movimiento punk, por lo que la siguiente mejor opción era tocar a la multitud mayor que quería recordar toda la diversión que tenían cuando eran más jóvenes. Ser un acto de los viejos ciertamente tiene su lugar, pero llega un punto en el que alguien puede comenzar a acumular su sonido de la firma demasiado grueso.
walter mckenzie wilson
Aunque la mayoría de Verano en el paraíso Implica que el amor intente desesperadamente a Shohorn algunos sonidos nuevos en el libro de jugadas de la banda, esta canción tenía la intención de ser una canción destinada a mostrar sus preocupaciones por el ambientalismo. Una causa noble para estar segura, pero fuera de hablar sobre salvar los árboles y hacer un mundo mejor, la banda comienza a lanzar cada referencia a sus viejos éxitos como pueden, incluso con canciones como Fun Fun Fun Ann en el primer verso de la melodía.
Entonces, mientras esta canción es técnicamente Sobre el medio ambiente, su único propósito es ser un comercial gigante para la marca Beach Boys. Porque, por mucho que el amor parece tener afecto por el medio ambiente, nunca parecía importar más que los cheques de pago masivos de cobrar a esos fanáticos que desean escuchar buenas vibraciones durante su escapada a la isla.
Todo lo que necesitas es amor - The Beatles
Los Beatles siempre estaban preocupados por no tener que recurrir a sus viejos trucos. Por mucho que sus fanáticos puedan haber amado cada canción que publicaron, todo se hizo, por lo que no volverían a escribir accidentalmente una de sus canciones favoritas. Y aunque todo lo que necesitas es amor se mantiene solo como una de sus mejores obras de todos los tiempos, la forma en que se plagan a sí mismos es uno de los momentos más satisfactorios en la historia de los Beatles.
Dado que la grabación y el lanzamiento de la canción se hicieron increíblemente rápido para capitalizar el Nuestro mundo La transmisión que ocurre al mismo tiempo, se tomaron muchas decisiones sobre la marcha. Tanto como George Harrison Turnó su guitarra Momento y dejó todo a las cuerdas, The Outro es una extravagancia virtual de sonido, lanzando pedazos de In The Mood de Glenn Miller y Lennon lanzando la línea de apertura de Ayer.
Pero la verdadera euforia llega cuando Lennon y McCartney comienzan a cantar el coro para She Loves You hacia el final de la canción, porque todos sabemos cuán lejos han llegado en ese punto. Ella te ama está de vuelta en algún lugar de los escombros, y los tops de la trapeación habían pasado de los niños adorables a los profesionales experimentados en los que siempre estaban destinados a convertirse.
Jóvenes de azúcar - Día verde
Todo el arte del punk rock se trata de no tocar por las reglas. Por mucho que bandas como Sex Pistols estuvieran interesadas en ser la antítesis de la corriente principal, algunos de sus mejores momentos vinieron de tomar esos clichés de rock and roll y retorcerlos de manera tan ligera hasta que fueron algo que se parecía a una rebelión juvenil. Aunque Green Day se había alejado de sus típicas raíces punk en la década de 2000, parecía que estaban ligeramente nostálgicos en Padre de todos.
Si bien los singles de apertura estaban lejos de ser lo mejor que la banda haya hecho, Sugar Youth es el tipo de melodía punk directa que podrían haber escrito en su sueño durante el Dookie era. Si sacas muchas de las campanas y silbatos, el coro es una copia al carbón de lo que Billie Joe Armstrong cantó en Ella es una rebelde, hasta la línea y es peligroso tener la misma cadencia que y es peligrosa.
drake sandi
Desde el Idiota americano Hand Grenade está en el álbum Artwork, es fácil llamar a esto una devolución de llamada barata a su antiguo sonido. Sin embargo, dado que el récord es millas más corto que cualquiera de sus álbumes anteriores, es seguro decir que querían sacar esto para salir de un contrato discográfico. Estaban listos para pasar a cosas más grandes, pero esta fue la primera vez que volver a su antiguo sonido se sentía mal.
Luz - Metallica
Metallica nunca quiso darles a sus fanáticos menos del 100%. Desde los días de St ira, Sabían no perder el tiempo demasiado con lo que su base de fans quería, y aunque eso ha llevado a que algunos de sus discos suenan homogéneos, conocen sus fortalezas y pueden capitalizarlos cada vez que entran en el estudio. Sin embargo, cuando lanzaron su último disco, las piezas de sus raíces mostraban demasiado desde la primera canción que lanzaron.
Eso no quiere decir que Lux Aeterna sea algo malo de ninguna manera. Especialmente para un récord de Metallica de período tardío, esto logra obtener el leading mucho mejor en un paquete ajustado que la mayoría de sus otros registros, pero en el momento en que hacen ese riff de apertura, es simplemente un invertido de lo que habían hecho en ‘‘ Golpear las luces , Incluso logrando citar el mismo riff de desglose cuando sale del solo de Kirk Hammett.
Para ser justos, todo el álbum estaba destinado a ser una celebración de aquellos tiempos en que descubrían el metal por primera vez, por lo que es fácil darles el beneficio de la duda, pero lo único que la mayoría de la gente piensa es que suena como Metallica que es mucho más suelto que antes. Aún así, es mejor tener más riffs de Kickass en el mundo en lugar de que se abran paso a través de Enter Sandman.
Girls of Summer - Aerosmith
Todas las grandes canciones de Aerosmith se basan primero en el ritmo. La banda siempre funcionó mejor cuando eran un atuendo de blues, e incluso si las comparaciones de los Rolling Stones se les pegan por un tiempo, apenas importaba cuando estaban sacando el mejor rock and roll de su generación. Sin embargo, cuando los compositores externos comenzaron a ser traído, Steven Tyler pensó que estaba completamente bien seguir tirando la misma canción cansada para el circuito de conciertos de verano.
Mientras Solo empuja el juego Ocupa un espacio extraño en el catálogo de la banda, Haged fue al menos una prueba de que su turno al pop era rentable. La canción estaba lejos de la versión de Aerosmith que todos conocían, pero fue al menos un paso para ponerlos frente a la misma multitud reservada para Britney Spears y NSYNC. Entonces, si funcionó una vez, Girls of Summer era el plan de Tyler de volver a hacer todo, excepto esta vez con un coro la mitad de bien que el original.
Y no es como si la banda estuviera a bordo para esta versión por mucho tiempo, sin que ninguno de ellos se molestara en presentarse para el video y Joe Perry Decir que no tenía nada que ver con Aerosmith. Solo empuja el juego Puede haber sido un intento para Tyler para ver cómo habría sido la vida como estrella del pop, pero si él fuera tan entusiasmado por hacer que el rayo fuera dos veces, tal vez Solo empuja el juego Debería haber sido su primer álbum en solitario oficial.
Cuando vienen por mí - Linkin Park
A fines de la década de 2000, el paisaje nu-metal en el que creció Linkin Park estaba confirmablemente muerto. No es que todas las bandas se hayan extendido por cualquier tramo de la imaginación, pero actúa como Korn y Limp Bizkit se había movido o se había dado cuenta de que a nadie se preocupaba por que se quejaban de sus problemas internos durante una hora de un álbum. Entonces, si el estilo Rap-Rock no funcionaba, la única opción de la banda era ir en una dirección electrónica, pero eso no significaba que Mike Shinoda todavía no tenía amor por su viejo sonido.
Desde el majority of Mil soles Está buscando limpiar la pizarra para que pasen a algo diferente, escucharlo hablar sobre su aparición en esta canción se vuelve mucho más lindo cuando habla de ser quienes les dijo a todos que perdieran el juego. Parece una línea extraña al principio, pero para cualquier fanático de Linkin Park, esa línea fue chamuscada en su cerebro la primera vez que escucharon el verso de Shinoda en puntos de autoridad cuando habló sobre cómo el oyente no podía manejar el ritmo que iban.
Entonces, aunque la mayoría de los fanáticos vieron la nueva dirección de la banda como traición, este fue un recordatorio sutil de que eran la misma banda de antes con un poco más de profundidad. No habían renunciado a rock and roll por completo, pero sabían que tenían que hacer algunos cambios si querían mantenerse a flote.
Choque de los rayos - Oasis
Oasis nunca fueron los que hicieron muchas devoluciones de llamada para sí mismos. Eran hijos de sus influencias, y si iban a hacer una referencia en una de sus canciones, hay una buena posibilidad de que sea tomando el riff de una canción de T Rex o haciendo una versión de lo que los Beatles habían hecho años antes. Sin embargo, cuando la banda entró en el último capítulo de su carrera, Noel encontró una manera de calzar en algunos de sus coquetos con perfección en uno de sus singles finales.
Por otra parte, Shock of the Lightning está muy lejos de la brillantez de Britpop con la que había comenzado la banda. Habían comenzado a coquetear con muchos juguetes nuevos en este punto en el estudio, y aunque esta pista logra ponerse en marcha con guitarras rugientes y un solo de tambores monstruosos en el medio de la pista, uno de los sonidos finales en el fondo es una muestra hacia atrás del coro a ‘‘ Supernova de champán Ser jugado.
Noel siempre ha sido algo cauteloso sobre de qué se tratan todos sus mejores momentos, pero podría haber un subtexto oculto si supiera que una ruptura estaba en las cartas. Habían llegado al final de la línea con Oasis como marca, pero a juzgar por esta melodía, el guitarrista aún podría ser más que un poco nostálgico para esos días en que realmente habían conquistado el mundo.
sara calaway
Shine On You Crazy Diamond - Pink Floyd
Rock and Roll nunca se ha quedado corto en grandes canciones tributo. Ninguna banda puede permanecer activa para siempre, e incluso si algunos artistas tienen que cruzar al otro lado, es importante que elogien a los gigantes que les presentaban. Mientras que cada miembro de Pink Floyd estaba entre los vivos cuando estaban haciendo Shine On You Crazy Diamond, el trabajo final de Richard Wright en la canción era un trabajo de genio, sabiendo de quién era la canción.
Una vez que la banda se hizo famosa, siempre hubo una pizca de culpa sabiendo que Syd Barrett no pudo celebrar con el resto de ellos. Nunca podría haber hecho discos como Lado oscuro de la luna Incluso si quisiera, pero si no pudiera estar en la banda, Roger Waters escribió esta melodía como una forma de rendir homenaje a su impacto en el grupo, encapsulando cada sentimiento que alguien tiene al recordar a sus amigos.
Justo cuando la canción llega a su sección final, la sutil línea de teclado de Wright es una cita directa de See Emily Play, el primer gran éxito de Barrett con la banda. No había forma de que Barrett continuara por su cuenta, haciendo música, pero en comparación con todo el dolor que viene con la pérdida de un amigo, esta sección te saluda como un cálido abrazo al final de ese largo viaje.
