10 películas clásicas que todos fingen amar, pero a nadie realmente le gusta

Si busca alguna lista de películas clásicas, habrá un puñado de películas que surgen cada vez. Puede haber un desacuerdo entre las listas sobre qué obra maestra cinematográfica merece el primer lugar, pero es probable que verá a Orson Welles Ciudadano Kane , Francis Ford Coppola's El padrino , Stanley Kubrick's 2001: una odisea espacial , y Akira Kurosawa Rashomon , por nombrar algunos.

Si bien todas estas películas merecen ser clasificadas como ejemplos máximos de la forma de arte, muchas de ellas también son, para decirlo amablemente, muy aburridos. Cuando un cineasta sale a la extremidad para mostrar nuevas alturas del medio, no siempre es que la multitud se ponga a la multitud. Piense en ello como la ropa que puede ver en un desfile de modas. Nadie va a salir al mundo con hombros de tres metros de ancho o un vestido de papel maché de papel al revés, pero le da a otros diseñadores licencia para probar cosas nuevas y reducir la idea original a algo más sabroso.

Cuando Kurosawa contó la misma historia desde múltiples perspectivas en Rashomon , Mostró a otros cineastas que podían decir narraciones no lineales de puntos de vista subjetivos sin alienar a una audiencia. Cuando Sergei Eisenstein empalmó diferentes disparos juntos desde varios ángulos y puntos de vista en Battleship Potemkin , creó la secuencia de acción moderna. Ambas películas pueden sentirse bastante esotéricas y anticuadas ahora que su concepto artístico central ha sido replicado y reducido a un conjunto de tropos familiares.

Desafortunadamente, el cine, como la música y la literatura, está llena de conocimientos de control de control de la que avergüenza a cualquiera que se atreva a cuestionar un clásico. Es hora de quitarse los guantes y ser brutalmente honesto porque, aunque probablemente disfrutarás Persona Si lo viste 20 veces y tenía un libro de texto correspondiente a mano, no todos quieren, y no hay absolutamente ninguna vergüenza en eso.

10 películas clásicas a la gente finge que le gusta:

2001: una odisea espacial (Stanley Kubrick, 1968)

Antes de que alguien sea arrestado por la policía del cine, vamos a tener una cosa clara: 2001: una odisea espacial es una de las películas más influyentes jamás hechas. Y le agradecemos por su servicio. Sin ella, probablemente no hubiéramos Star Wars , Blade corredor , o Barbie . Pero si alguna vez te has sentado a verlo, comienza a terminar, probablemente no fue una experiencia particularmente agradable.

Muchas personas señalan la primera secuencia de la película, que representa la evolución de la humanidad desde simios carnívoros hasta viajeros comerciales que vuelan de nave espacial. Es muy posible que la razón principal por la que esta sección de la película se centra tanto es que la mayoría de las personas en realidad no superan los primeros 10 minutos. Para hacerlo, debe ceder todas y cada una de las expectativas de que, en algún intervalo, pueda comprender lo que está sucediendo en el amplio mundo del espacio.

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Hay un enorme monolito negro que significa algo, sin duda. Hay un bebé gigante flotando en un orbe hacia la tierra. Está todo conectado, probablemente, pero a menos que tenga un historiador de cine o dos que estén dando vueltas, tendrá dificultades para desempacarlo todo con una sola visualización, y la vida es demasiado corta para pasar el tiempo libre viendo y reevaltado la obra maestra de Stanley Kubrick con la esperanza de que algo, cualquier cosa, pueda hacer clic.

8½ (Federico Fellini, 1963)

Los cineastas pueden hacer películas sobre cualquier cosa, especialmente cuando se han ganado su reputación como artistas preeminentes del medio. Federico Fellini tenía todo el derecho de ponerse extremadamente indulgente con 8½ , y está lleno de estilo artístico, existencialismo y recuerdos tiernos de una infancia que acosa a una mujer sin hogar en la playa. El director decidió adoptar un enfoque surrealista de la película semiautobiográfica, centrándose en un director ficticio que está pasando por una crisis existencial y profesional, y por eso, al menos, puede ser elogiado.

Sin embargo, todas esas divergencias en fantasía, sueño, memoria o lo que sean pueden ser confusos en la primera visualización, y el narcisismo del personaje central hace que sea difícil volver por una segunda ronda. Si eres una persona cuya vida es paralela a Fellini de alguna manera, ya sea cultural, social, religiosa o profesionalmente, puedes adorar esta película. Para otros, sin embargo, es bastante inaccesible en el primer reloj y no es particularmente atractivo para un segundo reloj.

Forrest Gump (Robert Zemeckis, 1994)

Si Tom Hanks no hubiera protagonizado como Forrest Gump, la película habría sido criticada. Basado en una novela que había vendido pocas copias y se centró en un personaje con un coeficiente intelectual bajo, esta película es la definición de huelga de Hollywood. Hanks hace su mejor nivel para convertir una película problemática en una adorable, pero a pesar de su actuación ganadora, su representación de un hombre con discapacidad de aprendizaje es simplista e incómoda de ver.

El personaje de Robin Wright sigue siendo el tizón principal de la película. Jenny es innecesariamente cruel, autodestructiva y castigada por vivir su vida de la manera que quería, haciendo que el continuo amor de Forrest por ella se sienta ofensivo y descabellado para ambos personajes. La película puede ser comida reconfortante cinematográfica para algunos espectadores, pero debemos dejar de lado las ilusiones que califica como un clásico. Esto no es Lista de Schindler o Fauces . Este es el sentimentalismo manipulador en su forma más desvergonzada.

Gone con el viento (Victor Fleming, George Cukor, Sam Wood, 1939)

A diferencia de muchas otras películas clásicas, Gone con el viento ya no merece ser categorizado como uno. Fue innovador cuando se lanzó, con una cinematografía técnica alucinada, una protagonista femenina compleja y una novela superventas en expansión como material fuente. Con Clark Gable, Vivien Leigh, Leslie Howard y Olivia de Havilland involucrados, también fue un importante vehículo estrella que atrajo al público al teatro en masa. Pero su racismo es irredimible, su heroína insufrible y su tiempo de ejecución castigador (¿cómo demonios alguien pensó que cuatro horas era una buena idea?).

Una de las principales razones por las cuales el público no debería sentirse mal por disgustar Gone con el viento Hoy en día es que se lanzó muchas otras películas que tenían toda la grandeza y el melodrama y significativamente menos racismo. Mira una película de Douglas Sirk si necesita un clásico Hollywood Tearjerker que no te haga querer ducharte después.

Jules y Jim (François Truffaut, 1962)

La nueva ola francesa electrificó la industria del cine y produjo muchas películas que continúan siendo ejemplos brillantes del medio. Pero también es increíblemente fácil de parodiar. Los personajes deambulan sin rumbo, fumando como si fuera una especie de rasgo de personaje revelador y filosofando sin cesar sobre nada en particular. Muchas personas que aman la nueva ola francesa lo descubrieron como adolescentes cuando las boinas y la monología pretenciosa trajeron un sentido naciente de importancia personal. Sin embargo, como adulto, puede ser difícil ver algunas de las películas sin reír.

Truffaut's Jules y Jim es uno de los más fáciles de sarkoon. Insufrible podría no ser una palabra lo suficientemente fuerte como para describir a los personajes centrales que galavantados a través de los campos en la iluminación seductora y explorar las profundidades del nihilismo y el poliamurio. No se puede negar que la película se ve encantadora y es infecciosamente juguetona, pero si repites alguna de sus líneas de nuevo, todo comienza a sentirse un poco menos alucinante y mucho más inductor de rollo de ojos.

Melancolía (Lars von Trier, 2011)

¿Sabes lo que no suena divertido? Una película que imita el sentimiento de depresión clínica. El arte de Lars von Trier es impresionante en Melancolía . No solo tiene éxito para inculcar una profunda sensación de temor y oscuridad existencial, sino también para crear un paisaje visual que sea abrumador y operístico. Protagonizada por Kirsten Dunst como una nueva novia que sabotea su boda de cuento de hadas y aliena a todos los que su alrededor a su alrededor como un cometa que destruye la tierra se precipita cada vez más; Es un reloj incómodo.

El director ha avivado más que su parte justa de controversia a lo largo de los años, pero hay poco por ser ofendido en esta película. Simplemente es muy sombrío, ocasionalmente hermoso y, a menudo, opacamente soñado. Muchos críticos lo aclamaron como uno de los mejores de Von Trier, pero si no quieres que te sumerjan en un espacio de cabeza oscuro de fatalidad, entumecimiento o pánico, no es la mejor opción de visualización. Probablemente no dejarás la película mejor sobre el mundo.

Mulholland Drive (David Lynch, 2001)

David Lynch es un maestro de la ofuscación, y para sus legiones de fanáticos, eso es exactamente como debería ser. Sin embargo, para cualquiera que espere una narración clara o incluso una narrativa clara, estará muy decepcionado. Compuesto por una serie de viñetas, Mulholland Drive Se centra en el personaje de Naomi Watts que intenta ayudar al personaje de Laura Harring a descubrir su identidad, solo para que la audiencia descubra que ambas mujeres son un producto de una de sus imaginaciones.

Todo eso es bastante sencillo, pero las cosas se vuelven más complicadas cuando se tiene en cuenta el club Silencio y todos los adornos enigmáticos, ilógicos y surrealistas que lo acompañan. Luego está el hecho de que, aunque la película no es necesariamente una película de terror, te mantiene alerta en cada paso del camino. Incluso contiene una de las escasez de salto más notorias de la historia reciente. Para cuando lleguen los créditos, te sentirás tan inquieto y embrujado que quizás quieras borrar la película de tu memoria por completo, y mucho menos verla nuevamente. Esto es lamentable, dado que probablemente necesitará verlo tres o cuatro veces antes de que las piezas del rompecabezas comiencen a hacer clic en su lugar.

Persona (Ingmar Bergman, 1966)

La exploración de la identidad y la sexualidad de Ingmar Bergman es un trabajo hipnótico y hermoso, pero probablemente no es la primera vez. Si alguna vez has leído una novela de James Joyce o incluso una sola oración de James Joyce, es posible que puedas imaginar el nivel de opacidad y el desafío que esta película está buscando. Ubicada en una cabaña remota junto al mar, está protagonizada por Bibi Andersson como un actor famoso que ha dejado de hablar y a Liv Ullman como una enfermera que se preocupa por ella. Con el tiempo, sus identidades comienzan a difuminar, y el cine se vuelve cada vez más vanguardista.

Si puede superar la secuencia de apertura de la película, que presenta una serie de imágenes parpadeantes: un cordero que se mata, las manos de un niño, una crucifixión y un pene erecto, probablemente encontrará todo bastante atractivo. Sin embargo, el estilo de Bergman es tan surrealista, y está tan desinteresado en guiar a su audiencia de la mano hacia cualquier tipo de resolución ordenada que muchos espectadores encontrarán todo el proceso desorientando, desinflando y tal vez incluso un poco inferior.

Rashomon (Akira Kurosawa, 1950)

Pocos cineastas están tan frecuentemente verificados por los directores eminentes como Akira Kurosawa. Fue, sin duda, uno de los cineastas más influyentes de todos los tiempos. Stanley Kubrick, George Lucas, Christopher Nolan y Werner Herzog son solo algunos de sus acólitos, y es seguro decir que sus huellas digitales están en los últimos lanzamientos de taquilla en cualquier momento. Una de sus obras más influyentes es también una de sus más difíciles de sentarse. Rashomon era una prueba de concepto, una aventura audaz en una narración poco confiable y múltiples puntos de vista. Son menos de 90 minutos, pero seguro que se siente más.

Una de las razones por las que la película puede ser un reloj difícil es por lo influyente que se volvió. Muchos cineastas han imitado el dispositivo de Kurosawa de contar la misma historia desde varias perspectivas, y hacerlo a lo largo que hace en esta película puede sentir ganas de vencer a un caballo muerto, a pesar de que fue uno de los primeros en hacerlo.

derek tisdelle

Asesinos de la luna de la flor (Martin Scorsese, 2023)

Martin Scorsese vertió su corazón y su alma en Asesinos de la luna de la flor , pero hubiera sido realmente agradable si no lo hubiera hecho. Si bien la película no se acerca ni se acerca al nivel de indulgencia que Francis Ford Coppola Megalópolis Lo hace, cuenta una historia de advertencia similar sobre lo que sucede cuando los autores experimentados obtienen un presupuesto ilimitado y un recorte final. Cuando salió la película, muchos críticos fueron entusiastas, lo llamaron un hito en la historia histórica del director y la acogieron como un clásico instantáneo, pero es fácil ver por qué nunca se dio cuenta del público como lo hicieron muchas de las películas anteriores de Scorsese.

Mientras que el arte y la pasión parpadean a la superficie a intervalos frecuentes, la película de alguna manera cae plana. Todo se siente más como un doctorado cuidadosamente elaborado. tesis que una historia épica para barrerte de tus pies. Con casi tres horas y media, se siente indisciplinado y exagerado. Cuando el propio Scorsese aparece en la pantalla en una extraña pantomima de un antiguo programa de radio, se siente como el director, a diferencia de todos los demás, simplemente no podía soportar que terminara.