10 películas esenciales del género no narrativo

Cuando se discuten las narrativas de películas convencionales, la palabra trama se arroja mucho y a menudo es considerada por muchos como parte integral de la experiencia cinematográfica. Otros insisten en que el cine, ya que es un medio visual, puede eliminar tales banalidades literarias reinventando la definición misma de lo que puede ser una narración. Al presentar imágenes únicas en lugar de discursos verbales, las películas no narrativas trascienden las limitaciones de las convenciones cinematográficas y resaltan el verdadero potencial del medio.

Uno de los pioneros del género, James Benning dijo: mis películas son un antídoto para el consumismo. Se hacen lo más barato posible, la mayor parte del tiempo por menos de veinte mil dólares, y no se trata de consumir más; Se trata de ver y escuchar más de lo que ya está a tu alrededor. No trabajo para transformar mis películas en productos de consumo. No puedes comprar DVD de mis películas, y aunque las películas tienden a pagar por sí mismas, ciertamente no me hacen rico.

Agregando, en cuanto a la audiencia, esta nueva estrategia les pide que trabajen más duro; No puedes experimentar algo sutil si no miras más de cerca de lo que estamos acostumbrados a mirar, y mirar más de cerca no es fácil. Al principio me preocupaba que el público se aburriera, pero lo contrario parece ser cierto. Estas películas han tenido éxito con muchas audiencias diferentes.

En esta edición de nuestra atención semanal en el cine mundial, echamos un vistazo a 10 ejemplos de arte cinematográfico del género no narrativo para comprender mejor sus sensibilidades únicas.

10 películas no narrativas esenciales:

Hombre con una cámara de cine (Dziga VERTOV - 1929)

Uno de los documentales más influyentes jamás realizados, el seminal de Dziga Vertov Hombre con una cámara de cine es una brillante crónica de la vida durante el régimen soviético. La película presenta una gama de técnicas narrativas visuales utilizadas hasta el día de hoy, incluidos los marcos de congelación y la cámara lenta.

La idea para El hombre con una cámara de cine Ya había surgido en 1924, reveló el director de fotografía Mikhail Kaufman. ¿Cómo tomó esta idea? Estrictamente hablando, necesitábamos una teoría de Kino y un programa kino en forma cinematográfica. Sugerí tal idea a Vertov, pero no se podía realizar en ese momento.

Hombre de estrella (Stan Brakhage - 1964)

La aclamada serie de cortos experimentales de Brakhage es un ejercicio en el cine de vanguardia, que consiste en imágenes místicas y la interrupción de las normas estéticas. Hombre de estrella Construye una experiencia surrealista con la ayuda de una premisa bastante simple: un hombre que trepa una montaña con su perro.

miller mccormick

En un entrevista , Brakhage reflejó que no estaba intentando para inventar nuevas formas de ser cineasta; Ese fue solo un subproducto de mi lucha para llegar a un sentido de vista. Y me pareció razonable que la película debería basarse en la visión humana, y no solo en los ojos físicos sino también en el ojo de la mente: es decir, lo que sucede cuando el ojo recibe imágenes desde el exterior y cómo se interrelacionan con las imágenes recordadas en el interior de la mente. ¿Cómo llegamos a nuestra vista y luego imaginamos con nuestra vista?

Las caídas (Peter Greenaway - 1980)

Presentado como un simulacro, el primer largometraje de Greenaway registra las cuentas de varias personas que han sido afectadas por algo conocido como el evento violento desconocido. Las extrañas consecuencias de este evento sin precedentes prestan un tono deliciosamente absurdo a Las caídas .

Creo que siempre ha sido una limitación del cine, esta idea de que solo te muestra una imagen a la vez. Cuando miras el mundo, no ves una imagen a la vez, y ciertamente no a través de un marco, dijo una vez Greenaway. Entonces, creo que el cine debería encontrar un equivalente para esa multvariabilidad de las actitudes hacia la vista y el aspecto.

koyaanisqanchik (Godfrey Reggio - 1982)

La primera incorporación a la trilogía de Reggio, koyaanisqanchik es poesía visual en su máxima expresión. Es una reflexión sorprendente que se contextualiza dentro de las construcciones de la modernidad, examinando cómo el avance de nuestros desarrollos tecnológicos ha cambiado el mundo para siempre.

Reggio reveló: Me explicó que el término Qatsi significa vida. En su forma compuesta, Qatsi significa forma de vida. De hecho, el lenguaje Hopi es tan rico que realmente puede hacer que nuestro lenguaje se ajuste cuando se trata de explicaciones de las cosas. Este término significaba la vida loca, la vida fuera del equilibrio, la vida en la agitación, una forma de vida que requiere otra forma de vida. Estoy seguro de que hay muchos otros significados, pero dado que estaba presentando esto a los blancos, no Hopis, usé una forma de diccionario.

Azul (Derek Jarman - 1993)

La Opus Magnum de Derek Jarman en 1993 fue la característica final de su carrera antes de su muerte debido a las complicaciones causadas por su batalla contra el SIDA. A través de esta película experimental, Jarman logra traducir su experiencia al medio cinematográfico enmarcando cómo vio el mundo cuando estaba muriendo: en Shades of Blue.

Jarman explicó que quería transmitir algo de lo que había visto, y cuyo desastre he estado viviendo de los últimos años. Quiero decir, por ejemplo, el jueves pasado, estaba en el hospital, y había una madre con un niño de dos años que tiene la misma infección en los ojos que yo, no pude ...

Me senté y observé mientras esperaba, era bastante terrible, sinceramente, ya sabes, estaba pensando en este niño, ya sabes, todo eso está sucediendo y la gente no lo ve, y no piensan en eso muy a menudo, y espero que la película haga que la gente piense en eso solo por un momento.

Decasia (Bill Morrison - 2002)

La película Montage 2002 de Bill Morrison es una impresionante exploración cinematográfica de los conceptos de entropía y mortalidad. Con segmentos de imágenes de archivo de películas antiguas, Morrison nos presenta imágenes en descomposición en un intento de perforar y deconstruir la grandeza del espectáculo del cine.

Morrison elaboró ​​en una entrevista: a lo largo de mi carrera, he realizado películas que han contado historias tejidas de los bits y piezas de muchas películas tomadas de muchos archivos diferentes ... ya sea que clasifiques estas películas como documental, narrativa u otros, para estos títulos particulares, estaba en el archivo de que ciertas imágenes para llegar del punto A al punto B, para contar una historia.

Agregando, siento que he evolucionado en el sentido de que tengo más confianza en que puedo contar más y más historias complejas y en capas utilizando fuentes de archivo, que las imágenes están ahí afuera esperándome, y si las escucho, me guiarán, si la historia se presta a ser contada de esa manera.

Bodysong (Simon Pummell - 2003)

Bodysong es un proyecto ambicioso que rastrea la trayectoria de la vida humana desde el principio hasta el final, capturando las verdades fundamentales sobre la existencia de nuestra especie. Con imágenes inquietantes de violencia y muerte, el examen de Pummell de la condición humana es una experiencia inolvidable.

Un punto de partida de un sueño era que quería hacer una película que pudiera mostrarle a cualquiera, y reconocerían algo de sí mismos, comentó el cineasta. El otro punto de partida del sueño era componer una nueva perspectiva para la audiencia. Lo que ha llegado a ser acerca de hacer una imagen bonita fue originalmente sobre mover las cosas hacia adelante y hacia atrás en la narrativa, y yuxtaponer elementos de manera que aumentó su relevancia narrativa, y eso es qué Bodysong hace.

13 lagos (James Benning - 2004)

Una de las obras más simples pero desafiantes de Benning, el concepto de 13 lagos es evidente. En él, invita a la audiencia a rendirse a las imágenes de los lagos, ya que elimina las tendencias habituales del proceso voyeurista al lograr la sublimidad minimalista.

Mientras hablaba de la película, Benning dijo: Quería que el marco incluyera la misma información básica para cada una de las trece tomas, es decir, medio cielo y media agua. Pero el verdadero problema era encontrar un marco que revelara la singularidad de cada lago.

Añadió, encuentro cada cuadro de una manera puramente visual: considerar simetría, espacio negativo, significado, color, textura, equilibrio ... por no Usando el lenguaje, puedo comunicarme conmigo mismo de manera mucho más eficiente. No es intuitivo, sino un tipo de pensamiento rápido basado en años de experiencia.

Samsara (Ron Fricke - 2011)

Filmado en 25 países en el transcurso de cinco años, el trabajo monumental de Fricke trata de recrear todo el espectro de la existencia humana en el marco de la película. Samsara Es la meditación cinematográfica de Fricke sobre la espiritualidad que está incrustada en las capas del mundo, oscilando entre lo antiguo y lo moderno.

Estamos orientados espiritualmente, por lo que quiere expresar la conexión interna de las cosas. Todos hemos sido invitados a este planeta, y la vida es el anfitrión y no le pidió a nadie que aprobara la lista de invitados. Mostrando eso. De eso se trata Samsara: mostrar el flujo, declaró Fricke.

Homo sapiens (Nikolaus Geyrhalter - 2016)

Una obra maestra moderna, Homo sapiens es una mirada reveladora a un mundo poshumano que está marcado por la desmoronada decadencia de una civilización muerta. Con el uso de imágenes distópicas, Geyrhalter imagina cómo se vería nuestro planeta después de que desapareciéramos junto con nuestras ambiciones incumplidas y dejamos solo la evidencia de nuestra arrogancia.

El cineasta dijo: Realmente no describiría a Homo Sapiens como una película documental. Es una película. La industria del cine y los festivales de cine necesitan categorización. En este caso, solo se aplica parcialmente, en mi opinión. La película quizás sea bastante más cercana a una película documental que a un largometraje. Pero una razón por la que considero Sapie gay Una producción muy ficticia es que intervimos mucho y cambiamos mucho.

Los árboles, los edificios e incluso el viento eran casi como actores para mí. No era mi intención en ningún momento representar una realidad documental aquí. Para mí es una visión que está más cerca de la ficción. El aspecto documental de la película es el hecho de que los edificios y los paisajes se pueden encontrar ahora, en la actualidad, o al menos podrían ser hasta que fueron derribados.