Cinco escenas seminales que convirtieron grandes películas en obras maestras
Algunas películas están ampliamente etiquetadas como obras maestras, y los acumulados de los amantes del cine las vuelven regularmente a deconstruir sus momentos favoritos. Cuando sientes ese clic instantáneo con una película que la consolida para siempre en tu cerebro como algo que amas, es difícil no volver a visitarla para recrear la sensación que tuviste al verla por primera vez.
Si te encuentras tratando desesperadamente de sentir la misma prisa después de ver Latigazo por primera vez o la inundación de lágrimas que vinieron después Los paraguas de Cherbourg , cualquier cinefile se relacionará con esa implacable búsqueda de recreación y comprensión a medida que avanza a través de un trabajo querido.
Y a veces, al volver a explorar los clásicos que han dado forma al cine, notamos ciertos momentos que elevan toda la película, convirtiéndola de algo grandioso a la razón por la que siempre lo recordarás.
Entonces, con eso en mente, aquí hay cinco escenas que convirtieron grandes películas en obras maestras certificadas.
Cinco escenas que convirtieron películas en obras maestras:
Antes del amanecer (Richard Linklater, 1995)
Pocas películas capturan los primeros etapas de enamorarse tan bien como Antes del amanecer , con el resto de la trilogía trazando el curso natural de una relación de una manera que es crippemente honesta y humana. Sin embargo, la primera entrega muestra la evolución de una chispa romántica entre dos amantes desprevenidos que se sorprenden por la espontaneidad de su encuentro. A medida que avanza la película, los vemos atravesar los máximos extáticos de la atracción inicial a medida que se miran las miradas entre sí y están cautivados por cada nueva información que descubren y los mínimos sutiles de pequeños desacuerdos que indican potenciales golpes en el camino.
Si bien la película es ampliamente amada tanto por los cínicos como por los románticos esperanzados, una escena la marca como una obra maestra: el momento en la cabina de escucha.
No hay nada más emocionante que el peligro percibido de robar miradas a alguien de quien está enamorado, y la escena de la cabina de escucha es más que perfecta en cómo captura este sentimiento. Hay algo tan inocente al respecto, con esta persistente tensión romántica colgando sobre ellos mientras se paran uno al lado del otro en este espacio confinado, tratando de concentrarse en escuchar una pieza musical, pero probablemente pensando en si la otra persona va a hacer un movimiento. Es completamente maravilloso y sigue siendo uno de los momentos más queridos en la relación de Jesse y Celine.
8½ (Federico Fellini, 1963)
El impacto de Federico Fellini en el cine más amplio no puede ser subestimado. Su película de 1963 8½ es quizás el más famoso de su filmografía, con cineastas como Martin Scorsese, Quentin Tarantino y Abbas Kiarostami a menudo hace referencia a su trabajo. Sin embargo, hay una escena de 8½ que más los cultiva.
8½ es una historia semi-autobiográfica sobre un director que mira hacia atrás en su vida y carrera, luchando por encontrar un propósito y una motivación creativa mientras reflexiona sobre sus recuerdos. Si bien hay muchos momentos impresionantes en la película, con una actuación introspectiva y sensible de Marcello Mastrianni, el final lo ha elevado al estado que posee hoy. Durante la escena final, todos los personajes de la vida de Anselmi se reúnen en una secuencia de baile en la playa, reafirmando la magia del cine y revitalizando su pasión por la vida. Además, combina la historia de hacer la película con la película misma, con la alegría desenfrenada y la calidad agridulce de este momento final convirtiéndose en una llamada de atención al poder de la creatividad y la vida misma.
Gran trabajo (Claire Denis, 1999)
Gran trabajo es una de las películas más hipnóticas y fascinantes de todos los tiempos, con Claire Denis comentando expertamente sobre los límites de la masculinidad a través de la vida de estos soldados en el desierto. La película muestra a Denis en su mejor momento, restringiendo expertamente la información y mostrando todo con una sutileza y precisión magistrales que abarca por completo a la audiencia.
Sin embargo, una película que se basa en sentimientos reprimidos y tensión sexual Necesita desesperadamente una catarsis , y la escena final permite un lanzamiento eufórico que consolida la película como una verdadera obra maestra. En la escena final, después de enterarse de que Galoup se ha suicidado, vemos una secuencia del deshonrado soldado bailando solo en un club nocturno, rodeado de nada más que espejos, ya que finalmente se deja ir y libera de la fachada. Es un momento eufórico que también está marcado por lo que viene antes, destacando su dualidad y capacidad de suavidad que siempre ha sido alejada, dejándonos devastados por la ternura de la que estaba distanciado.
Todas esas tonterías (Bob Fosse, 1979)
Curiosamente, Todas esas tonterías comparte algunas cualidades similares a las dos últimas películas, pero es muy diferente en su energía vivaz y matices surrealistas. Sigue la vida y la carrera de Joe Gideon, Un genio director de teatro musical cuya salud y vida personal está disminuyendo rápidamente después de años en la cima de la industria del entretenimiento. Dado que se basó en la vida de Bob Fosse, es un trabajo valiente y vulnerable en el que el director se critica a sí mismo y a sus propias fallas personales, reflexionando sobre sus relaciones, su tratamiento a las mujeres y sus capacidades como padre.
Si bien hay muchos momentos que se destacan, la secuencia de fantasía vertiginosa hacia el final eleva el proyecto a un nivel completamente nuevo, con Gideon cantando sobre su inminente muerte en una forma de lengua y mejilla cuando todos sus seres queridos suben al escenario y le suplican que no muera. Es increíblemente elevado y brillante, con piezas y disfraces más grandes que la vida que se sienten claramente distopías, dado el tema de la canción. Nadie ha logrado algo así, con Fosse mostrando que si quieres tu propia película biográfica realmente genial, simplemente tienes que hacerlo tú mismo.
Vi el brillo de la televisión (Jane Schoenbrun, 2024)
No creo que alguna vez deje de hablar de Vi el brillo de la televisión , que sigue siendo una de las experiencias de cine más profundas que he tenido. Cuenta la historia de Owen, un adolescente cuya realidad comienza a romperse cuando se le presenta un programa de televisión llamado El opaco rosa . Es una obra extraña y etérea que te hace sentir como si también estés atrapado en la pantalla, con una cualidad de pesadilla que gradualmente se convierte en un grito al darte cuenta de que Owen también está atrapado e incapaz de vivir auténticamente, atrapado para siempre en una piel alienígena.
Pero en todos los momentos bellamente inquietantes de la película, hay uno que realmente me sacudió hasta mi núcleo. Hacia el final, hay una escena que tiene lugar en el futuro, con Owen trabajando en una sala de juegos. Pero después de años de no vivir realmente y tener toda la alegría y la posibilidad de la vida, Owen es una concha hueca de una persona, envejecida por el peso de un ser no realizado. Lo vemos mirar en el espejo y nos damos cuenta de que existe todo este potencial que brilla dentro de él, pero le dan cuenta de que nunca se alcanzará. Deja escapar un grito horrible, rascándose su piel mientras intenta desesperadamente dar sentido a su vida y la sensación paralizante de no ser quien se supone que debes ser. Termina con un mensaje urgente y conmovedor sobre la autorrealización y alguien que no puede alcanzar la mayoría de edad, dejándonos con una llamada de atención sobre las personas trans de todo el mundo que enfrentan desafíos crecientes para vivir como verdaderos.
