De Patti Smith a Blondie: Los 10 mejores álbumes del movimiento CBGB Punk
En 1974, estaba claro, tal vez Jesús murió por los pecados de alguien pero no NUEVA YORK - La ciudad estaba cayendo en algún tipo de distopía de cómics adrenalizados. La fábrica de Andy Warhol había pisado un toke sobre la línea, y el sueño prelapsario que floreció del macizo de flores de los años sesenta era ahora una reliquia ruinosa como una civilización olvidada que el canal de historia fue construida por extranjeros y siglos abandonados a partir de ahora.
El espíritu de la época era tumulto arenoso y torcedura sucia. El poder de las flores hippy era un antiguo ideal que había sido pavimentado y enterrado bajo la arquitectura brutalista. Mientras opiáceos y Chines rocas Reemplazó excesos opulentos, el único producto espiritual invaluable que el espíritu de los espíritu tenía para ofrecer era la pobreza.
Esta desesperación febril que se había pronosticado en mil viajes de ácido malos de la década anterior reflejó la falla desalentadora de la solución tecnológica para lograr la progresión de la posguerra. La expansión del concreto, el comercialismo y la decadencia interna hundieron a los humildes habitantes de Nueva York en un fastidio de crimen y castigo.
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Sin embargo, el punk se apresuró gloriosamente a las profundidades oscuras de la degeneración y nunca se cepilló limpio después de que subió a un gruñido. Joey Ramone fue el monstruo de Frankenstein Cut Frankenstein que el cóctel cultural de Nueva York había vertido como un emblema del desintegración de la humanidad Después de una justa brugación del terciopelo y las muñecas de Nueva York habían sido colocadas allí.
El lugar en el que estaban sirviendo esta mezcla más virgen no era otro que el CBGB: el hogar espiritual de los setenta de los setenta. Desde aquí, una ola cultural similar a un renacimiento italiano cubierto de cuero cubierto de cerveza ocurrió donde la noción de arte como medio elitista fue golpeada en la sumisión por niños que tenían algo que decir.
Lamentablemente, el espectáculo terminó y la meca cultural se convirtió en una tienda de ropa cuando Patti Smith tocó la presentación final allí en este día en 2006. Por lo tanto, estamos celebrando el gigantesco impacto de la escena, clasificando los mejores álbumes producidos en su apogeo. Las reglas son: los registros tuvieron que lanzarse entre 1975 y 1978 y solo puede haber uno por artista. ¡Imagínese este nivel de calidad en tres cortos años!
Los 10 mejores álbumes del movimiento CBGB Punk 1975 - 1978:
10. ¡Vete a la chica loca! Por los dictadores
No tenía que estar aquí, ya sabes. No tuve que aparecer aquí. Con mis mejores participaciones financieras, podría haber estado disfrutando del sol en Florida, esto es solo un pasatiempo para mí. ¡Nada que escuches, un pasatiempo! Y así comienza el mantra irónico del punk rock. Esto no era un pasatiempo y los niños ciertamente no tenían que ser otro lugar, pero vaya que iban a aprovechar al máximo las circunstancias que los habían sucedido.
Lanzado en 1975, ¡Vete a la chica loca! Es, sin duda, uno de los primeros progenitores de punk. Todos los principios están en su lugar temprano: el humor corre, el estridente líder de la guitarra centelleante de Ross The Boss Funichello podría derribar a los calcetines de Gandhi, y la alegría de la juventud es espuma en la boca. Si este es el décimo mejor, ¡entonces sabes que estamos en una lista!
(Crédito: registros épicos)
9. Joven, fuerte y mocoso por chicos muertos
Una de las cosas curiosas sobre el desarrollo de la cultura pop es que se volvió tan experto en definirse a sí mismo que en el momento del punk todas las iconografías encajaron en un instante. Sin escuchar el registro en sí, solo sabes dónde Joven, fuerte y mocoso por chicos muertos comes from.
El disco se lanzó en 1977 y empujó a Punk hacia tonos más pesados, con una producción que suena como una avispa atrapada en una lata de sidra y tener una ballena de tiempo allí. Antes de que la misma explosión subterránea se amplifica aún más en Hey Little Girl, que en realidad se grabó en vivo en la propia CBGB. ¡Qué grupo de rotadores!
(Crédito: registros del padre)
8. L.A.M.F por los rompecorazones
Tal fue la escena punk en ese momento, tener solo un álbum en este por artista es una regla que viene con un asterisco. En ese momento, las bandas intercambiaban miembros como un splift en el centro de Kingston. Parece que te despertarías en el sofá de un extraño y luego esa noche estarías en el escenario con ellos.
Con Johnny Thunders, Walter Lure, Billy Rath y Jerry Nolan, todos los miembros del personal y Richard Hell flotando en algún lugar del Welter, L.A.M.F es un álbum difícil de precisar. Y hay un elemento de esa naturaleza esquiva en su sonido.
esposo de ali wong
Grabado principalmente en Essex, Londres, mientras Punk cambió de costas, el disco recuerda el mejor tipo de resaca cuando te despiertas aún borracho de la noche anterior y te entienden la amenaza con un error de acción y nocturna antes de la intersospección.
(Crédito: Relacés)
7. Suicidio por suicidio
En agosto de 1969, Alan Vega y Martin Rev testigos de los títeres y la vida nunca volverían a ser lo mismo para ellos. Como dijo una vez Vega: fue cuando vi a Iggy Pop, eso fue lo que me hizo. Eso cambió mi vida más o menos.
Con ese suicidio se formaron y capturarían los corazones de muchos en el en ciernes en el boom de CBGB de Nueva York. El mantra de la banda estaba a un millón de millas de las de hace una década: siempre dije que nunca iba a ser un artista. Se suponía que el suicidio nunca debía ser sobre el entretenimiento.
Si se necesitaba un testimonio para definir la afirmación de la banda de que no eran artistas, entonces un hommasco misterioso de diez minutos que describe la historia de un joven padre trabajador de la fábrica impulsado por la indigencia debería hacer el truco. Al igual que los científicos locos que representan la depravación política, el suicidio muestreó el ADN de William S. Burroughs, aprovechó el alcance cinematográfico de Taxista y entregó la creación enfermiza a David Cronenberg para dirigir. Con eso, la Gestalt completa de la cultura de Nueva York fue arrastrada al punk.
(Crédito: Red Star Records)
6. Generación en blanco por Richard Hell y los Voidoids
En 1975, Richard Hell dejó la televisión. Joderlos. Estaban iluminando el futuro de la música, convirtiéndose en un elemento fijo en el corazón de la escena artística de Nueva York, y teniendo demostraciones producidas por nada menos que Brian Eno, pero ¿cuál es el punto si no pueden ver el mérito en las canciones escritas como Generación en blanco? Para un hombre que ha vivido acostado y luego, ¿qué es un fracaso más para el lienzo?
Desde ese lugar relajado en la cuneta, el infierno pronto sacó su propia melodía y Generación en blanco Captura perfectamente el sonido. Es un poeta que de alguna manera tiene la cabeza en las dulces nubes y obstruye en seis pies de apestosa tierra subterránea en todo momento. Junto a esto hay un paisaje sonoro que retumba como un tapiz de Punk. ¡Ciertamente nos dirigimos hacia los registros de alta gama ahora!
(Crédito: registros del padre)
5. Líneas paralelas Por Blondie
Punk era la caja de música de Pandora. Una vez que se abrió, nunca volvió a entrar, y a medida que estalló en brillantez, inmediatamente salió a una miríada de dirección mágica. Blondie lo mezcló con pop con aplomo y en el proceso ayudó a generar una cresta de las bandas de New Wave a partir de entonces.
Punk había producido algunas canciones increíbles hasta este punto y, de hecho, tenía Blondie, pero ahora, con Líneas paralelas , el género tenía singles reconocibles para señalar. Pistas como Heart of Glass y One Way u otra se destacaron como pollas doloridas en una orgía en medio de la escena cuando el momento apresurado de punk se encontró con una pausa de refinamiento. Sin embargo, en lugar de templar su vanguardia, simplemente hizo que la fiesta fuera un poco más alo. ¡Y chico se veían bien!
(Crédito: Chrysalis Records)
4. Cabezas parlantes: 77 por las cabezas parlantes
De vez en cuando, la música necesita a alguien para que venga, agarrarlo por las solapas y atacarlo como un pinball en el juego durante un terremoto. Incluso dentro de la vorágine de Punk de Promethean, las formas de las escuelas de arte de las cabezas parlantes de alguna manera aterrizaron como un toque frío de agua a la cara de cualquier persona con el dedo firmemente al pulso.
Sin embargo, las cabezas parlantes no dispararon exactamente a la industria como una manguera de poder. David Byrne y la banda se abrieron más para la industria de la música, se presentaron como una presencia intergaláctica, lo acompañaron de la mano a la pista de baile y le mostró cómo hacer un floppy. Como la bajista Tina Weymouth dijo una vez, cuando comenzó las cabezas parlantes, nos llamamos pensando la música de baile del hombre.
Tenían inteligencia mordaz para agregar al ingenio de los punks, un ojo para hacia dónde se dirigía la cultura y una increíble variedad de canciones para arrancar. Este fue el registro que agregó un giro de limón al movimiento: la diversión había llegado a la ciudad.
jodi stewart
(Crédito: registros del padre)
3. Ramones por Ramones
El atractivo atemporal de los Ramones fue mejor resumido por el poeta punk británico, John Cooper Clarke, quien escribió en el Ramones Fanzine, Pegamento , La siguiente pieza de punk de punk proclamando prosa: a fines de 1975, leí un artículo sobre The Ramones, una pandilla de cuatro hombres de Queens. Mucho se hizo de su forma escénica asocial y la velocidad y brevedad de sus canciones. […] Compré el LP. Los Ramones fueron y son un entusiasmo mío. Entendieron que era mejor tener letras inteligentes sobre temas idiotas que al revés.
Este estridente estilo de composición de canciones de Half Afghan Afghan, el científico medio loco cruzó a Joey Ramone y una ventaja despreocupada pronto fluiría de los estados a Inglaterra, donde las pistolas sexuales recogieron el aroma. Según los informes, en su primer concierto desenfrenado, un francés presente a Steve Jones gritando: ¡No puedes jugar! A lo que Steve Jones respondió: ¡Y qué!. El resto, como dicen, es la historia antigua y gran parte de ella fue hecha en la imagen de Ramones.
Este álbum podría haber cambiado alrededor de 5,000 copias en su primer año, pero desde entonces ha tenido un impacto infernal y ha convertido a los Ramones en leyendas. Todo sobre su registro debut ahora es icónico; la imagen de portada, tomada por la fotógrafa más importante de Punk, Roberta Bayley, por solo $ 125; El sonido basura grabado en siete días con un escaso presupuesto de $ 6,400; Incluso la composición de canciones de Fire Quickfire. Todo sobre el álbum es la quintaesencia del punk tal como lo conocemos.
(Crédito: registros del padre)
2. Caballos por Patti Smith
Punk, por definición, no se puede fijar en una sola persona; Se arrastró desde las profundidades de la roca y el rollo aterrizó después del deslizamiento prelapsario de los años 60 y gruñó como una cena descuidada a esa pérdida de inocencia. Llegó vestido en pantalones de tubería de drenaje y cuero copioso, y necesitaba una mano enriquecedora.
Patti Smith era esa mano enriquecedora. Y Patti Smith no es más que grandioso. La estrofa de apertura de sus memorias concluye, los hombres no pueden juzgarla, porque el arte canta a Dios y finalmente le pertenece, y la primera letra que presentó al mundo en el rap de apertura de su álbum debut de 1975, Caballos, fue Jesús murió por los pecados de alguien, pero no los míos.
En sus palabras, ella habla a un nivel superior, uno al que pertenece y es de arte. También es uno que trasciende los límites punk de la orina, la escupida y los tópicos y disfruta en la necesidad de libertad para crear, libertad para tener éxito, libertad para no tener éxito, libertad para ser quien eres.
La madrina de Punk siempre ha sido sobre lo que sucede después en una carrera en constante evolución, y es con este dedo a la actitud y pasión por la autoexpresión de que Patti Smith salvó el rock and roll. En resumen, Punk hizo que las guitarras fueran divertidas nuevamente - Caballos Era central no solo para eso, sino también asegurándose de que tuviera un casco de choque para proteger su columna vertebral cerebral a medida que avanzaba en el futuro. Cualquiera que alguna vez dijo que la poesía era aburrida de escuchar y llorar.
(Crédito: Arista)
1. Luna de marquesina por televisión
Mientras el viento de arbuste que las muñecas de Nueva York se había movido en movimiento rápidamente comenzaron a levantar árboles y formar una nueva moda loca llamada Punk, Patti Smith estaba trabajando como periodista. En un momento, se acercaba para ver una banda llamada televisión en un club poco conocido Ganando tracción lentamente llamado CBGB .
Como significante de la intención artística de la banda que actúa esa noche, una pared de televisores se apilaría detrás de ellos, cada uno mostrando diferentes canales, excepto uno, con buen gusto fuera del centro que mostraba algo similar a las imágenes de CCTV de David Lynch-esque de la propia CBGB.
La pieza de Patti Smith se titulará: Televisión: Fuentes del cielo. Y una de las declaraciones más proto-punk se lee en la pieza: la energía sexual confundida hace que los jóvenes sean tan deseables; su forma descuidada de vestirse; su extraña forma de caminar; lleno de tanto anhelo. Simplemente implacablemente adolescente. Teniendo en cuenta esto en un momento en que solo tenían las muñecas de Nueva York y los Ramones para la Compañía, este espíritu juvenil exhibido con orgullo por la televisión era casi la fuerza punk prometeeana.
Cada elemento maravilloso del movimiento está retorcido en el lienzo de Marca lunar , hasta tal punto que podría dejar caer una bomba de diez toneladas en el guante giratorio del vinilo y nunca escucharla golpear el fondo. Hay algunos críticos que extrañan el punto de la escena de CBGB y piensan que las bandas estaban haciendo un movimiento , no música. Luna de marquesina Torres sobre comentarios tan vacíos como un edificio de creatividad desenfrenada.
Recuerdo cuando escuché por primera vez que es una oración rara en la música, pero las notas de la canción de la canción del título son una lluvia sonora celestial que es poco probable que olvide. La profundidad del álbum no necesariamente reside en las letras, temas o cualquier innovación profunda; Se persigue en los atenuados alcances sonoros de energía y atmósfera. Lo más cercano que puedes venir es decir que suena como una banda que se apodera del espíritu de una distancia de oráculo soñadora en un sentido espiritual extraño como alquimistas punk.
(Crédito: Elektra Records)
