Michelangelo Antonioni: artista revolucionario del neorrealismo italiano
Surgiendo de uno de los levantamientos cinematográficos más personales e íntimos, Michelangelo Antonioni se convirtió en uno de los pocos pioneros del neorrealismo italiano de la posguerra para llegar más allá de las fronteras del movimiento y prosperar en todo el mundo. Un periodista de cine mucho antes de sus triunfos detrás de la cámara, Antonioni ayudó a provocar la revolución creativa que era el neorrealismo, uniéndose a otros guionistas rebeldes como Luchino Visconti y Vittorio de Sica antes de tomar su modo de cine distintivo en el extranjero.
Indeed, Antonioni wasn’t your typical Italian neorealist like Visconti or de Sica, instilling his own works with an ambiguity and intrigue towards wandering characters exploring empty landscapes, while maintaining a focus on the kind of minimalism that made the movement iconic. Such, no doubt, came as a result of his own childhood, whereby his working-class parents gave him the freedom to discover the world for himself, forging an unrestricted creative style in the process where he found a curious passion for drawing endless facades of houses, streets, alleyways and charming gates.
Al crecer en Ferrara, en el norte de Italia, no fue hasta 1940 que se mudó a Roma, encontrando un trabajo como editor de cine para la revista Arts and Culture Magazine Cine , que fue editado por Vittorio Mussolini, el hijo del dictador fascista Benito Mussolini. Manteniendo una cuestión de meros meses, Antonioni le resultó difícil no bloquear los cuernos con la jerarquía de la publicación, fomentando un sentimiento de descontento político entre los escritores que luego florecerían Artistas formativos del movimiento del neorrealismo .
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Al igual que sus años de la primera infancia, no fue hasta que Antonioni se liberó de las restricciones de la revista y permitió su propia libertad que floreció como un creativo y coescribiente Un piloto regresa , una película que se hizo en colaboración con la Fuerza Aérea italiana, con Roberto Rossellini en 1942. Si bien una película de propaganda utilizada para promover el patriotismo y la positividad dentro del país, las películas de este tipo dieron credibilidad a Antonioni, que se encontraría en el otro extremo de su propio drama de la WWII, siendo redactado en el ejército donde luego evitó la muerte por parte de la muerte más tarde.
Para 1945, cuando la guerra llegó a su fin, el neorrealismo ya estaba en pleno apogeo, con Luchino Visconti liberando Obsesión en 1943 y el antiguo colaborador de Antonioni Dirección de Rossellini Roma, ciudad abierta Establecer las bases para la próxima década de innovación artística. Antonioni también tenía los ojos bien abiertos, liberando su primer cortometraje con 1947 Gente del Po, Un documental que se refería a la gente del río titular durante los tumultuosos años de guerra. Filmado en 1943 pero al margen gracias al desarrollo de la Segunda Guerra Mundial, Antonioni más tarde calificó la película su propia marca de neorrealismo, iniciando una carrera que nunca se mantendría dentro de las pautas de un estilo definitivo.
Al documental fue seguido por siete cortometrajes antes de lanzar su primer largometraje, Crónica de un amor, in 1950. Yet, ever the contrarian, Antonioni’s film wasn’t quite in the spirit of the popular neorealist style, with his film focusing on middle-class lovers whose relationship turns to tragedy rather than the struggle of Italy’s working class while working with professional actors to make a more traditional crime drama. Such set the tone for his later works, too, with Los veinte , La dama sin camelie y Amigos cada uno saliendo de la convención mientras obtiene aclamación crítica generalizada.
Centrándose en personajes desesperados que se dirigen a través de paisajes mientras intentaban conectarse con el mundo que los rodea, las películas de Antonioni comenzaron a estar estrechamente asociadas con los ideales existencialistas, prefiriendo reflexiones profundas y oscuras en el orden invisible de la vida. Este estilo personal colisionó con el neorrealismo en 1957 con el lanzamiento de El grito, que se traduce en El grito , Una de las muchas obras maestras del movimiento, que cuenta la historia de un mecánico que es abandonado por su amante, por lo que elige buscar algún tipo de significado en las colinas del valle del po.
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(Créditos: lejano / cino del duca)
As God’s lonely man wandering the hills, Steve Cochran’s Aldo meets various people during his reflective odyssey who he uses as sounding boards to make sense of his own life. Depicting a man whose inner turmoil is turning him into an empty husk, Antonioni’s classic spoke to the total alienation of a whole generation of working-class Italians working to redefine themselves and their values following the horrors of WWII.
Sin embargo, tan fundamental como Antonioni fue para la formación y desarrollo del neorrealismo en la década de 1950, podría decirse que su trabajo en la siguiente década lo convertiría en un icono de cine italiano. Duplicando su compromiso con las narraciones abiertas que exploran las almas desoladas, Antonioni creó su trilogía sobre la modernidad y sus descontentos, que comenzó con la sorprendente película de 1960 Aventura , continuó con el lanzamiento de Moody 1961 Noche y closed with 1962’s El eclipse, Una pieza crítica de cine que diseccionó los reparos del director con la vida contemporánea.
La cría de existencialismo agotador a lo largo de cada una de estas tres películas, la trilogía de Antonioni es definitiva de su propio deseo de separarse de las limitaciones creativas, presentando la forma contemporánea con una visión cinematográfica dinámica que habló con la ansiedad que impregnaba Europa después de los últimos años de la Segunda Guerra Mundial.
Solo años después, su trabajo se celebraría en un escenario global, con 1964 El desierto rojo, Su primera película en color, ganando el estimado Golden Lion en el Festival de Cine de Venecia. Un drama sombrío sobre una mujer que intenta hacer frente a la carga de su propia existencia, la película tipificó el estilo de Antonioni hasta la fecha, siendo una belleza serpenteante que abordó las complejidades de la vida desde todos los ángulos. En un ensayo escrito para Cultura cinematográfica En ese momento, dijo: nunca he pensado en etiquetar lo que para mí siempre se consideró una necesidad, es decir, para observar ... Detesto películas que tienen un mensaje. Simplemente trato de contar, o, más precisamente, mostrar, ciertas vicisitudes que tienen lugar, luego espero que mantengan el interés del espectador sin importar cuán amargura puedan revelar.
Como Antonioni fue dado a conocer a la comunidad de cine global, llevó su arte a su puerta, llegando a un acuerdo con MGM para lanzar tres películas de idioma inglés que le darían más libertad financiera para promulgar sus deseos creativos más peculiares, con el de 1966 hecho por británico de 1966. Explosión Ser su primera creación . A pesar de aparecer más narrativamente centrado en la superficie, contando la historia de un fotógrafo de moda que captura por error un asesinato, la película de Antonioni fue igual de existencial y la vanguardia como sus características anteriores, con la película cada vez más enigmática a pesar de la creciente investigación del protagonista.
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Una conclusión similar se puede sacar de la década de 1970 Zabriskie Point y 1975’s El pasajero que completó su trilogía principal de películas, con ambas características siguientes personajes que intentan descifrar el mundo a su alrededor tratando de definir primero su propio ser. Como si fuera un protagonista en su propia película, El pasajero Marcaría uno de sus éxitos finales, con Antonioni paseando el desierto metafórico a fines del siglo XX después de haber hecho su parte para expandir el dinamismo del cine europeo.
Sin embargo, al igual que los grandes pioneros como Ingmar Bergman, Jean-Luc Godard y Andrzej Wajda, el legado de Antonioni impregna el cine hasta el día de hoy, golpeando un acorde con otros artistas europeos como Wim Wenders y Michael Haneke, así como los creativadores estadounidenses Sofia Coppola y Robert Eggers. Explorando la complejidad de la mente humana a través de la estructura del neorrealismo, Antonioni tomó el movimiento del arte y lo transformó en un nuevo tipo de lenguaje cinematográfico donde la vida, la pérdida, la identidad y el propósito fueron cuestionados perpetuamente.
Persiguiendo lo real: neorrealismo italiano está en BFI Southbank del 1 de mayo al 30 de junio, con películas seleccionadas también disponibles para ver Reproductor de BFI
Roma, ciudad abierta is re-released by the BFI in selected cinemas from May 17 th.
