Tres películas que definieron a Michael Powell como el cineasta más potente de Gran Bretaña

Aunque siempre estará inextricablemente vinculado con Emeric Pressburger por sus muchas contribuciones seminales al celuloide, Michael Powell era más que capaz de prosperar cada vez que volaba solo.

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Obviamente, es completamente justo que el dúo sea recordado mejor como una unidad cohesiva cuando fueron responsables de 24 películas hechas entre 1939 y 1972, lo que los vio forjar una relación de trabajo única que ningún otro dúo ha podido replicar, no importa el duplicado.

Pressburger era la historia de los dos, pero compartían deberes de escritura de guiones después de rebotar ideas de un lado a otro. Powell asumió la mayor parte de los deberes de dirección del león, mientras que PressBurger sirvió en una capacidad más productora durante el tiroteo, y estuvo más involucrado en la postproducción que su contraparte.

Sin embargo, compartirían el crédito, que era justo cuando eran efectivamente una mente de colmena. Su metodología idiosincrásica no habría ascendido mucho si no fueran capaces de entregar los productos una vez que sus películas alcanzan las pantallas, pero un catálogo de grandes de todos los tiempos deja claramente claro que hay innumerables muy buenas razones por las cuales Powell y Pressburger son venerados como son.

No para minimizar la participación de Pressburger en ningún nivel, pero como los más visualmente impulsados ​​de los dos que asumieron el mando de la dirección, Powell era en gran medida el cerebro detrás de la composición suntuosa de disparos, los marcos arrestantes y las vistas asombrosas que poblaron muchas de sus mejores trabajos.

Se puede argumentar que cada uno de ellos no pudo recuperar su magia unificada cuando se separaron, incluso si hay una excepción notable en el caso de Powell. No obstante, fue una de las voces más importantes y potentes para adornar el cine británico, y las siguientes tres películas ofrecieron la evaluación definitiva de todo lo que era como artista.

Tres películas que definen a Michael Powell:

La vida y la muerte del coronel Blimp (1943)

Gone con el viento Podría ser el epítome de la grandeza de Hollywood, pero eso no significaba La vida y la muerte del coronel Blimp Combinando la narración radical con cine innovador para establecer un nuevo marcador para la imagen en movimiento.

Caminando una cuerda floja tonal entrelazando melodrama, romance, guerra y sátira, la película se revolvió en la parte superior de la cadena alimentaria. Winston Churchill bloqueó su lanzamiento en los Estados Unidos después de La vida y la muerte del coronel Blimp atrevido Sugerir que pelear con honor no siempre es la mejor manera de emerger en el lado ganador.

Al rastrear la vida del oficial de Roger Livesey, Clive Candy, la narración se impulsa por sus relaciones con el ex enemigo y amigo recién descubierto de Anton Walbrook, Theo Kretschmar-Schuldorff, y la enfermera de Deborah Kerr, Barbara Wynn, con las pruebas y tribulaciones de trío intersectando en varios puntos.

Una instantánea social de la vida británica en el apogeo de la Segunda Guerra Mundial en un aspecto, pero a una escala mucho más grandiosa, La vida y la muerte del coronel Blimp trató de echar un vistazo a la esencia misma de lo que significa estar vivo en cualquier lugar durante los momentos tan frenéticos; La guerra, el amor, la amistad, la familia, la sociedad y la política se colocan bajo un foco de atención, uno que no tiene problemas para colocar a los tomadores de decisiones bajo su resplandor satírico.

Tampoco se perdió la universalidad en Powell, quien la describió como una película 100% británica, pero es fotografiada por un francés, está escrito por un húngaro, la partitura musical es por un judío alemán, el director era inglés, el hombre que hizo los trajes era un checo; En otras palabras, era el tipo de película en la que siempre he trabajado con un equipo mixto de cada nacionalidad, sin fronteras de ningún tipo.

Con todo su bombardeo tecnicolor y actuaciones exitosas, La vida y la muerte del coronel Blimp fue una vorágine de partes móviles que logró lograr más que la mayoría de las películas de su tipo. Era una fiesta para los ojos que se entretenían y se comprometieron, todo mientras criticaba el paisaje sociopolítico hasta tal punto que los corredores del poder se dejaron enfurecidos.

No hace falta decir que no es el acto de equilibrio más fácil de lograr, pero Powell hizo que pareciera sin esfuerzo, con el resultado final de un momento decisivo no solo por la grandiosidad del cine británico, sino por las corrientes temáticas resonantes que puede llevar incluso en su guía más populista.

Los zapatos rojos (1948)

Cuando Martin Scorsese celebra una película que lo ha afectado tan profundamente, no puede imaginar su vida sin ella y aún así logra encontrar nuevas complejidades, sin importar cuántas veces vuelva a visitar la historia, no hace falta decir que la película es una obra maestra.

Apenas está solo para defender los méritos de Los zapatos rojos , ya sea, con todos, desde Steven Spielberg hasta Greta Gerwig, cayendo sobre sí mismos para cantar las alabanzas de un drama de fantasía que llevó todo lo que a todos amaba de Powell y Pressburger y lo aumentó a alturas nuevas y aún más asombrosas.

No hay un solo cuadro en el tiempo de ejecución de 134 minutos que no sea una obra de arte en sí misma, con Los zapatos rojos La característica más ambiciosa del director, pero ejecutada con tal estilo, gracia y su equilibrio que parece ser la cosa más fácil del mundo para que Powell se uniera desde detrás de la cámara.

El motivo recurrente del calzado titular encarna la pasión y el sacrificio de la página de Victoria de Moira Shearer, que se encuentra luchando con una opción que es arquetípica de naturaleza. Obviamente, no hay nada formulado en Los zapatos rojos , que toma una de las historias más simples para contar y se reige en una de las películas más hermosas jamás hechas.

Victoria está dividida entre perseguir el sueño que había dedicado su vida a lograr o seguir la oportunidad de ser amada de la manera que siempre había deseado. Habrá consecuencias de cualquier manera, con el realismo mágico y las imágenes alucinantes que evocan la mentalidad de un protagonista que quiere dos cosas, pero sigue siendo completamente consciente de que nunca las conseguirán a las dos.

El diseño de producción, la coreografía, el trabajo de cámara y el puntaje funcionan en perfecta armonía para inventar una exploración caleidoscópica de lo que significa estar vivo y lo que podría costar vivirlo que navega a través del drama, el romance, el baile e incluso el horror para producir una historia ímasca como ningún otro.

mirón (1960)

La reacción inicial a mirón fue tan vociferante y abrumador que terminó causando un daño irreparable a la carrera de Powell, solo para el paso del tiempo para colocar gradualmente el híbrido del thriller psicológico y el horror en su merecido pedestal.

La inmersión que empuja el límite en el lado más sembrado de la obsesión fue reprendido en Italia por su contenido espeluznante y permaneció prohibido en Finlandia hasta 1981, y el público británico se quedó agarrando sus perlas ante lo que se había convertido en un director mejor conocido por sus obras más clásicas y palacables.

Si bien se encontraba más que un indicio de hipérbole en las reacciones, fue cruelmente irónico que, por primera vez, en mucho tiempo, Powell había elegido usar su voz cinematográfica para probar las aguas de cuán lejos el medio estaba dispuesto a doblarse, solo para descubrir que hasta ahora su reputación terminó en desapreglos.

Parecía muy injusto que al mismo tiempo Alfred Hitchcock estaba siendo celebrado por Psicópata , Powell fue alimentado a los lobos para mirón Cuando trataron en muchos de los mismos temas y sirvieron igual importancia en pionero en lo que eventualmente se conocería como el subgénero Slasher.

Mark Lewis de Carl Boehm es un solitario socialmente incómodo que pasa las tardes tomando fotos voyeuristas de mujeres escasamente vestidas, sin mencionar su hábito depravado de registrar las reacciones moribundas de sus víctimas de asesinato por el placer perverso de su propia biblioteca de cine de Snuff. Pintoresco según los estándares modernos, pero demasiado impactante para la mayoría en aquel entonces.

Un tesoro para los estudiosos freudianos en todas partes, mirón adquiridos en los titulares de su naturaleza gráfica, pero la forma en que Powell incorpora reflexiones complejas sobre la fragilidad mental, las profundidades del deseo y la subversión inherente y innovadora de Tratar a la audiencia como voyeurs en una película sobre voyeurismo fueron barridos debajo de la alfombra a favor de la indignación.