Los 10 mejores remakes de películas de todos los tiempos
Un remake es una oportunidad para salvar una mala película, ver un clásico desde una nueva perspectiva o finalmente lograr el potencial de un concepto prometedor pero inadecuadamente financiado. También puede expandir un guión limitado por la censura de su día o agregar perspectivas faltantes a las historias que eran productos de su tiempo.
Sin embargo, no todos los remasios son un éxito o incluso un intento que vale la pena. Algunos han sido desastres, como el de Gus van Sant Psicópata . Quentin Tarantino podría ser uno de sus pocos seguidores, pero Van Sant asumió más de lo que podía manejar revisar el maestro de suspenso. La película fue menos reinventadora que un duplicado de disparo del original, que el director llamó sensiblemente un homenaje a Alfred Hitchcock.
Igualmente desafortunado fue el intento de 2014 de convertir la tensa historia de terror de Roman Polanski Bebé de Rosemary en una miniserie. No solo carecía del temor subyacente y las imágenes creativas del original, sino que parecía alterar el punto de la historia de Ira Levin por completo, y continúa subrayando por qué ciertos grandes de cine están mejor dejados solo.
Además, hay innumerables remakes estadounidenses de éxitos internacionales que aparentemente se producen sin razón, sino para ahorrar al público local la incomodidad de ver películas extranjeras. Estos remakes colocan historias internacionales en lugares familiares con un elenco reconocible, a menudo sin una mayor visión de cómo se debe revisar la película.
A la luz de las fallas antes mencionadas y muchos más, vale la pena señalar que no todos los remasios son un desastre que espera que suceda, y ha habido muchos éxitos. No son uniformemente algo malo, y los siguientes diez do-Overs hicieron un trabajo fantástico al justificar su existencia.
Los 10 mejores remakes de películas:
10. Recordar (Lee Il-Hyung, 2022)
Recordar es una nueva versión surcoreana del intrigante drama de Atom Egoyan en 2015 del mismo nombre. Egoyan es un cuento de venganza inusual protagonizado por Christopher Plummer como un hombre anciano que lucha con la demencia y la pérdida de memoria que empeora rápidamente. Con la ayuda de su amigo, escapa de la casa de cuidado en la que reside y se dedica a una misteriosa búsqueda relacionada con los eventos de su juventud, conectado de alguna manera con el Tercer Reich.
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La versión revisada, escrita y dirigida por el prometedor cineasta Lee Il-Hyung, reorganiza los elementos esenciales de la película de Egoyan. Ambientada en la Corea actual, se ocupa de una búsqueda localizada de venganza vinculada a la era colonial japonesa. El cineasta agrega varios florituras creativas propias, incluido un giro diferente a su progenitor, pero uno que es igualmente efectivo.
Lee cambia el tono para que sea más un thriller de venganza que su predecesor pensativo y cambia significativamente la relación entre los dos personajes centrales. Es posible que el remake no esté a la altura del trabajo de Egoyan, pero es un recuento legítimo y dinámico, sin embargo, respaldado por un excelente trabajo del actor principal Lee Sung-Min.
9. Los magníficos siete (John Sturges, 1960)
John Sturges, director de películas occidentales icónicas que incluye Tiroteo en el OK Corral y Mal día en Black Rock, Tomó la decisión interesante para convertir una aventura samurai en un drama de armas ambientado en la frontera estadounidense.
Akira Kurosawa Siete samurai ha inspirado innumerables películas, pero Los magníficos siete se convirtió en un clásico por derecho propio. La historia básica fue revisada para mostrar una comunidad agrícola mexicana del siglo XIX cuyos residentes buscan a los pistoleros estadounidenses para protegerlos de los desesperados locales que atacan anualmente y saquean la aldea.
La película de Sturges prosperó con un elenco de estrellas y una vigilancia musical vigorizante de Elmer Bernstein. Pocos lo llamarían igual al trabajo original de Kurosawa, pero el maestro mismo aprobó sinceramente. Felicitó a Sturges por su liberación y le dio una espada ceremonial de samurai por proporcionar un digno sucesor.
8. Laca para el cabello (Adam Shankman, 2007)
La comedia musical de 1988 de John Waters sobre la adolescente de Baltimore, Tracy Turnblad, una niña a la vanguardia de la moda y las tendencias musicales de principios de la década de 1960, fue una creación única.
Con un casting excéntrico, incluida la famosa drag queen dragen Divine como la madre de Tracy, que respaldan roles dados a personajes como Ric Ocasek y Debbie Harry, y la cantante Ruth Brown como anfitriona local de clubes de baile, la película fue una parodia salvaje y tonta de la cultura pop de 1962 en todos los aspectos imaginables.
La nueva versión de Adam Shankman en 2007 intentó igualar la rareza de las aguas, especialmente al dar el papel de Divine a John Travolta. Afortunadamente, mantuvo la sátira dispersa, los personajes amplios e incluso el activismo racial fechado de manera divertida del original. Incluso mejoró un poco en el frente musical, lo que hace una revisión divertida que no podría igualar la cursi cursi y la alegre vulgaridad de la versión de John Waters.
7. La jaula de pájaros (Mike Nichols, 1996)
La trama de la farsa francesa El jaula aux folles se sigue bastante de cerca en Mike Nichols La jaula de pájaros , aparte de ser transportado al sur de California. Sin embargo, esta no es simplemente una réplica americanizada, sino una versión más viva y más divertida.
De hecho, puede ser la única película en la que el éxito se derivó más del departamento de casting que de cualquier otro miembro de la tripulación, incluido el propio director. El concepto pertenece completamente a los escritores del original francés (y a Jean Poiret, quien escribió la obra de teatro anterior en la que se basa), pero las mejoras se deben al elenco.
Principalmente, la hilarante combinación de Robin Williams y Nathan Lane, con comedia adicional de Hank Azaria y un grupo de actores secundarios muy bien elegidos. Los programas de arrastre son posiblemente mejores en La jaula de pájaros , también, y las risas justifican lo que de otro modo podría ser un simple cambio de un continente a otro.
6. La mosca (David Cronenberg, 1986)
El horror del cuerpo característico de David Cronenberg es directamente responsable de La mosca El éxito, que arrastró la patada original de Vincent Price, protagonizada por el precio de 1958 y gritó en una nueva era grotesca.
La trama básica se conserva en su esencia, con un científico que prueba su dispositivo de teletransportación recién inventado antes de que una mosca de la casa deshonjada da paso a horrores inimaginables. Casi la encarnación de Cronenbergian, Seth Brundle de Jeff Goldblum, sufre una evolución aterradora.
Cronenberg también actualiza las referencias científicas y adopta un enfoque más serio para la unión genética de humanos e insectos, así como mejorando enormemente los efectos especiales sin perder el temor de la mutación imparable del personaje principal. Difícil de ver pero fácil de amar a su manera horrible.
5. Pequeña tienda de horrores (Frank Oz, 1986)
La leyenda del cine independiente Roger Corman especializada en películas B, con la década de 1960 Pequeña tienda de horrores destacando como uno de los más populares, completo con un joven Jack Nicholson en un papel secundario.
La comedia de terror fue inesperadamente revivida como musical en 1982, que fue la versión que Frank Oz adaptó a su película hilarantemente entretenida. La iteración de 1986 lleva el diseño de escenario de cómics del espectáculo del escenario, los personajes amplios y la rareza abierta en plena flor en la pantalla grande, sin mencionar un títere muy mejorado que asume el papel de Audrey II, la planta que come el hombre en el centro.
El excelente casting también es una gran parte del éxito de la película, particularmente Rick Moranis como el tendente de plantas Nerd Seymour Krelborn, Steve Martin como un dentista cantante alegremente sádico, y Levi Stubbs del grupo de Motown, las cuatro tops, como la voz cantante del follaje mortal.
4. 12 monos (Terry Gilliam, 1996)
12 monos se basa en 1962 El muelle , un corto de ciencia ficción de 28 minutos que trata con un soldado sometido a experimentos de viajes en el tiempo en una sociedad post-apocalíptica en un intento por prevenir o revertir los pasos que destruyeron la civilización.
Influyente más allá de su duración y presupuesto, El muelle fue elogiado por su habilidad técnica. Terry Gilliam, un gran admirador de The Short y su director, Chris Marker, quedó impresionado por lo que llamó un guión intrigante e inteligente, que amplió la producción breve, en blanco y negro en un thriller de ciencia ficción de larga duración que refleja las sensibilidad estilísticas y estéticas de su cineasta.
Gilliam también aprovechó al máximo el respaldo de estudio raro, con la presencia de estrellas establecidas como Bruce Willis y Brad Pitt en el elenco. Pitt estaba particularmente dedicado a perfeccionar su papel, pasar semanas en un hospital psiquiátrico mientras estaba en el personaje de prepararse completamente para sus escenas en una actuación ganadora del Globo de Oro con la que permaneció sorprendentemente descontento, dada lo integral que era para las emociones inmersivas de 12 monos en general.
3. Coda (Sian Heder, 2021)
El Oscar, Bafta y la comedia dramática ganadora del Oscar, Bafta y Globo de Oro fueron un remake de La familia Belier, Una encantadora característica francesa del director Éric Lartigau. La segunda versión sigue siendo fiel a la historia original, que trata con una adolescente que es el único miembro oyente de una familia sorda rural.
Coda is the acronym for Child Of Deaf Adults, an identity seen to limit the main character’s potential. Despite changes in setting y tone, the remake perfectly captures the struggle of the young woman who is a gifted singer y wants to follow her dream of studying music but whose beloved but needy family have come to rely on her in dealing with the hearing world.
Heder no solo ha producido una versión americanizada de la película en inglés, sino que se ha expandido en el concepto para justificar completamente el remake. Varios pequeños cambios mejoran la historia, pero quizás el cambio más significativo fue la decisión del cineasta de contratar actores sordos para interpretar a personajes sordos, lo que hace que las actuaciones sean mucho más naturales.
2. El hombre Quien sabía demasiado (Alfred Hitchcock, 1956)
Intentar mejorar en Alfred Hitchcock es una de las tareas más difíciles del cine, pero si hubiera alguien que fuera capaz de mejorar una película hecha por el Maestro de suspenso, era el hombre mismo.
El director había estado insatisfecho durante mucho tiempo con su original británico de 1934 y aprovechó su contrato con Paramount para actualizar y ajustarlo para Hollywood como un thriller protagonizado por James Stewart y Doris Day.
Hitchcock reescribió el guión, manteniendo solo los elementos básicos de la trama, lo que implica que una pareja de vacaciones se involucre inadvertidamente y terriblemente con conspiraciones terroristas. Mientras que el original se consideró demasiado alegre, el remake fue más suspenso y hizo un uso mucho mejor de la historia, con Hitchcock atribuyendo secamente el éxito de su segunda puñalada al hecho de que fue hecho por un profesional y no por el talentoso aficionado responsable de la primera.
1. Verdadero arena (Joel y Ethan Coen, 2010)
Verdadero arena ganó a John Wayne el único Oscar de su vida profesional, y fue una de las mejores películas dirigidas por Henry Hathaway en una larga y distinguida carrera. Sin embargo, el remake de 2010 de los hermanos Coen lo dejó en el polvo de la pradera.
Hailee Steinfeld, en su primer papel, fue perfecta como Mattie Ross, una niña de 14 años anormalmente nivelada que busca justicia para su padre asesinado. Jeff Bridges es infinitamente entretenido como Grooster Cogburn, el disoluto de los Estados Unidos Marshall Mattie persuade para que la ayude.
La película a menudo usa el diálogo tomado directamente de la novela original, que se adapta tanto a los personajes como al estilo de narración de cuentos. Verdadero arena También obtiene un impulso considerable al tener al gran Roger Deakins como director de fotografía, lo que ayuda a darle a la remake una estética distintiva que agregó significativamente a su calidad mientras continúa empujando más de la sombra fundida por su predecesor.
