10 películas innovadoras que estaban por delante de su tiempo
A veces, sales de una película que se siente enamorada de los riesgos creativos tomados por el director, lo que lleva a un trabajo innovador. Pero en la industria del cine, la autenticidad y la ruptura de las reglas no siempre se cumplen amablemente y a veces son malinterpretados y avergonzados por el público cuando se malinterpretan.
Si es la escena del baño en Nacimiento o el final de Aor , siempre habrá películas que empujen el bote y desafíen al público masivo, arriesgando una mala interpretación para trazar nuevos territorios, que es quizás lo más valiente que un cineasta puede hacer.
Durante un momento en que las películas se están volviendo más sabrosas y atienden al público comercial, es cada vez más raro ver una película en su propio camino, trabajando antes de su tiempo, ya que desafía los límites del cine y lleva el medio al siguiente nivel, ya sea que le guste o no.
Pero con muchas historias divisivas que lo han hecho a lo largo de los años, aquí hay diez películas innovadoras que se adelantaron a su tiempo.
10 películas que estaban por delante de su tiempo:
Nacimiento (Jonathan Glazer, 2004)
Si bien el cuerpo de trabajo de Jonathan Glazer cambia de una película a otra, una cosa que se ha mantenido constante a lo largo de su carrera es su capacidad para empujar al público fuera de su zona de confort, utilizando conceptos desafiantes para crear películas inquebrantablemente honestas que enfrenten el lado más primitivo de la humanidad.
Sin embargo, parece que las películas de Glazer a menudo se encuentran con una reacción violenta y controversia de algún tipo, con su discurso de aceptación para La zona de interés Familoso censurado cuando hizo referencia a los paralelos de las películas al conflicto en curso en Gaza. Pero su película de 2004 Nacimiento También compartió una reacción similar, con una reacción famosa del público estadounidense, acusando al director de ser un pedófilo después de una escena con el personaje de Nicole Kidman y un niño en una bañera.
Pero esta respuesta se siente reflejada de una audiencia conservadora y no de las ideas que se están explorando, con Glazer creando un retrato de dolor hipnótico e hipnótico mientras Anna se convence de algo imposible, desesperado por una respuesta a su dolor. La elección de articular esto a través de su relación con un niño es fascinante, destacando la naturaleza autodestructiva de nuestras creencias y qué tan rápido se puede romper nuestra lógica cuando se le presenta un antídoto a nuestro sufrimiento.
El sueño dorado (Diego Quemada-Díez, 2013)
El sueño dorado Se siente como si pudiera haberse hecho hoy, y después de ver un relanzamiento en el BFI, me sorprendió decir que salió hace más de diez años. La historia sigue a un grupo de adolescentes centroamericanos que intentan el traicionero viaje desde la ciudad de Guatemala a Los Ángeles en busca del sueño americano. Es una historia conmovedora y desgarradora de inmigración y los horrendos obstáculos en el camino, con personas que intentan despegar a estos niños de sus posibilidades en mejores vidas y su inquebrantable optimismo a pesar de esto.
En última instancia, pinta la idea de que el sueño americano es una jaula hueca que atrapa a quienes lo logran, con el personaje principal sacrificando todo por su futuro solo para terminar en un infierno que se persiguió, paleando carne sangrienta en una fábrica sin seres queridos para aliviar la miseria de convertirse en otra enumera en la máquina capitalista.
Dado el hecho de que las personas de todo el mundo están haciendo el mismo viaje hoy y se encuentran con niveles decrecientes de compasión, El sueño dorado Se siente urgente en su empatía hacia estos personajes, golpeando el poco progreso que hemos logrado.
Rodilla de Claire (Éric Rohmer, 1970)
Éric Rohmer siempre ha estado por delante de su tiempo con sus exámenes significativos de amor y política de género, con historias oportunas como Rodilla de Claire Eso critica el ego masculino y la racionalización del deseo, sin importar cuán perverso. La película sigue a un hombre mayor que se enamora de una adolescente llamada Claire, encontrándose fantasías sobre acariciar su rodilla.
Rohmer tiene una comprensión incisiva de las personas, y a través de su mirada crítica, el director muestra desprecio hacia el deseo sexual masculino y cómo se aprovecha el poder para encontrar la realización sexual, sin importar las circunstancias. Al igual que muchas películas que presentan relaciones tabú y las implicaciones de la pedofilia, la película es una de las más controvertidas dentro del cuerpo de trabajo de Rohmer, pero solo crece en el significado a medida que vemos estas relaciones en la vida real, con poco desprecio hacia los hombres que se celebran por perseguir a las mujeres jóvenes y racionalizar el ego masculino.
El año pasado en Marienbad (Alain Resnais, 1961)
El año pasado en Marienbad es una película enigmática y infinitamente inquietante, que existe en múltiples territorios como una historia de amor y un horror. Explora la relación incierta entre dos personajes que se encuentran en un castillo, y uno de ellos está convencido de que se han conocido antes. Es una historia inquietante sobre estar congelado y perdido para siempre dentro del recuerdo de un amor pasado, excepto que la persona que amabas no recuerda nada mientras te obseses con cada detalle. Hay un estado de ánimo de urgencia y estancamiento durante toda la película, con la verdad pudriéndose y perdiéndose en las paredes de la mansión, inseguros de si estamos viendo un sueño o una ilusión, una persona o una estatua.
Se siente por delante de su tiempo en su ambigüedad y la naturaleza discordante de la edición, que atraviesa la quietud de las imágenes y te deja sentir claramente inquieto e incómodo. El romance implícito lo manipula a través de las falsas expectativas del género, dejándote atrapado en un montaje de pesadilla de fijación interminable que es tan brutal como una película de terror.
Domingo Domingo sangriento (John Schlesinger, 1971)
Cuando piense por primera vez en las películas para incluir en esta lista. , Domingo Domingo sangriento Inmediatamente me vio a la mente. Dado el hecho de que se hizo en la década de 1970, la película es revolucionaria en su interpretación del amor queer, después de un hombre poliamoroso llamado Bob, que está en una relación con una mujer recientemente divorciada llamada Alex y un médico de mediana edad llamado Daniel. Graba el enredo entre cada personaje, con una exploración sensible y profundamente que afecta el amor y la necesidad de sentirse aceptado. Las escenas de amor entre Bob y Daniel son delicadas y llenas de ternura, algo que fue extremadamente raro de ver en la pantalla entre los hombres homosexuales.
Es un tema complicado que casi nunca se aborda, solo vagamente comparable a los pasajes como los pasajes, resaltando cuán radical y antes de su tiempo fue en su exploración de poliamor y los conceptos erróneos sobre estas relaciones.
Jeanne Dielman, 23, Quai du Commerce, 1080 Bruselas (Chantal Akerman, 1975)
Sé que todos siempre golpean sobre Jeanne Dielman , pero realmente es una obra maestra única. Al discutir su trabajo, Akerman explicó cómo quería casi castigar a la audiencia a través de la lentitud, obligándolos a ser testigos de la existencia más aburrida y devastadora que es la realidad de muchas mujeres en todo el mundo. La historia traza tres días en la vida de Jeanne Dielman, entrando en los detalles dolorosos de las minucias de su rutina diaria y que muestra el estilo de vida opresivo de amas de casa que rara vez son agradecidas o apreciadas por su trabajo.
Interpretado magistralmente por Delphine Seyrig, hay una oportunidad mientras amasta a carne picada sobre la mesa antes de mirar en nada durante minutos, existiendo como una fantasma invisible de sí misma mientras completa las tareas en las que el mundo confía sin ser notado para ello, viviendo para una acumulación de momentos inconsecuencia. Akerman fue revolucionaria en la forma en que armó la lentitud contra la audiencia, utilizando esto como una herramienta para expresar los horrores del patriarcado y la forma en que consume a los que están atrapados por él.
Narciso negro (Emeric Pressburger, Michael Powell, 1947)
El trabajo de Powell y Pressburger ha sido anunciado como algunos de los más influyentes dentro del cine, con Los zapatos rojos siendo elogiado sin cesar por jugadores como Martin Scorsese y venerado por su innovador estilo visual y narraciones progresivas. Y entre muchos proyectos audaces, Narciso negro sobresale por esta misma razón.
La historia sigue a un grupo de monjas que viven en un convento aislado en la parte superior del Himalaya, y uno de ellos es llevado a la locura como resultado de sus sentimientos sexuales no resueltos por un trabajador del gobierno, el Sr. Dean. Es igualmente siniestro, ya que es gracioso, con impresionantes tomas de las monjas sobre las colinas aisladas y un momento aterrador a medida que la hermana Ruth queda envuelta por su deseo por completo, con una cara llena de maquillaje y un vestido rojo mientras trata de seducir al Sr. Dean. Por el momento, una historia que exploró la sexualidad femenina era completamente tabú, pero subvierte este tema de una manera inteligente al burlarse de la idea de que la acontecimiento es de alguna manera horrible, creando una historia divertida y satírica sobre el deseo y la locura.
Arcoiris de Alma (Froted of the Road, 1994)
Arcoiris de Alma es una joya escondida de una película escondida criminalmente subestimada, después de una adolescente llamada Alma Gold mientras navega por las aguas entrecortadas de crecer. En el momento de su lanzamiento, había muy pocas películas sobre la niñez negra, con historias de la mayoría de edad que a menudo se centran en personajes blancos. Pero el arco iris de Alma es una historia rica y entrañable sobre la familia y el autodescubrimiento, con exuberantes imágenes de discotecas secretas y sueños sexuales que crean un retrato encantador de la pubertad y las punzadas de la adolescencia.
El director fue criticado en el momento del lanzamiento por mostrar una familia negra bastante rica, algo que el público estadounidense no estaba acostumbrado a ver y pensar que no era poco realista. Pero Chenzira afirmó que este no era un entorno inusual, y presionó para que las personas ampliaran su perspectiva y desafíen estos estereotipos perpetuados en el cine. Arcoiris de Alma Destaca lo importante que es ver todas las experiencias de la niña en la pantalla, creando una representación vital para jóvenes negras en ese momento que no habían visto personajes como ellos en las películas.
No (Jordan Peele, 2022)
Después del éxito global de Salir y A nosotros , El siguiente proyecto de Jordan Peele estaba envuelto en Mystery, y su película de 2022 No recibió una reacción algo dividida e inicialmente tibia. La película es un giro sobrenatural en el western tradicional, después de un hermano y una hermana que intentan capturar a una misteriosa criatura alienígena que acecha cerca de su hogar. Sin embargo, Peele usa esta búsqueda para comentar sobre la naturaleza del espectáculo mismo y nuestra explotación de dolor y trauma mientras intentamos entenderlo.
Peele usa expertamente los tropos de ambos géneros para capturar un nuevo aspecto insidioso de la cultura moderna y nuestro uso de las redes sociales, tanto encontrando empatía por estos personajes que intentan comprender su propio dolor, así como criticar un mundo que nos alienta a usar nuestras peores experiencias para el entretenimiento, algo que es particularmente prevalente en la industria del cine y la comercialización del dolor.
wynfrey crews
Muchos malinterpretaron la película después de su lanzamiento, decepcionado de que no inspiró el mismo nivel de miedo que sus películas anteriores y tuviera un subtexto temático menos obvio. Sin embargo, realmente creo que la gente volverá a visitar esto en los años venideros y verlo como una advertencia sobre los peligros de las redes sociales y la explotación del trauma.
Margaritas (Vêra Chytilová, 1966)
Para los que han visto Margaritas , no necesitará ninguna explicación de por qué esta película se adelanta a su tiempo. Es una película verdaderamente extraña y experimental que sigue a dos adolescentes que se embarcan en una búsqueda para consumir y destruir el mundo que las rodea, castigando a los viejos que las encuentran atractivas al comer cantidades obscenas de comida. Las imágenes se empalman juntas de una manera entrecortada y desorientadora, creando un estado de ánimo trippy y de ensueño que te basa en el mundo de fantasía de los personajes.
Es una historia radicalmente extraña y feminista que es alegre en su anarquía y destrucción, burlándose de las restricciones del patriarcado y las normas de género de la época de una manera maravillosamente juguetona. Es una pieza de cine caleidoscópica que rompe los límites de la película en sí, cada vez más impresionante dadas las restricciones de la opresión soviética que gobernó el tiempo que se hizo, existente como una extraña odisea del comportamiento bruto a medida que las niñas se entregan a una imagen asquerosa que desafía la forma en que se percibe.
