Desde Orfeo negro hasta Emilia Pérez: ¿Cuándo aprenderá el cine occidental a dejar que los cineastas latinoamericanos cuenten sus propias historias?
Cuando se anunciaron las nominaciones del Premio de la Academia el mes pasado, el musical en español de Jacques Audiard Emilia Pérez Calificó 13, incluyendo Mejor imagen, Mejor director, Mejor guión adaptado y Mejor actriz. Para muchos en América Latina, la adoración acumulada en la película es tan sorprendente como desalentadora. Ubicado en México pero filmado en París y dirigido por un cineasta francés, Emilia Pérez Es solo el último ejemplo de una película europea que cuenta con confianza una historia latinoamericana sin una opinión significativa de las personas que realmente viven allí.
Los cineastas europeos y estadounidenses han estado minando a América Central y del Sur para inspirarse desde los primeros días del cine, generalmente evitando cualquier esfuerzo de autenticidad a favor de la exotización y el miedo. Películas como la década de 1940 Infierno verde y de 1954 La jungla desnuda Los estereotipos vendidos sobre la región en las principales producciones de Hollywood, pero aunque eran problemáticos, cayeron directamente al género de aventura pulposa, una rama del cine que rara vez se preocupa por la autenticidad cultural.
En 1959, el director francés Marcel Camus cambió la narración y creó un plan que los directores siguen siendo lanzando Orfeo negro , una película que tenía arte y prestigio escrita por todas partes, pero que era tan cliché, problemática y desprovista de autenticidad como la película B más hacinada. Adorado en Europa y vilipendiado en América del Sur, permitió a los futuros cineastas fantasear y fabricar sobre América Latina desde una perspectiva occidental.
Orfeo negro es un recuento del mito griego de Orfeo y Eurydice ubicado en una favela en Río de Janeiro durante el Carnaval. Para crédito de Camus, se inspiró en una obra de teatro escrita por el escritor brasileño Vinicius de Moraes, y desde la perspectiva de un extraño, hizo todo lo posible para retratar con precisión la ciudad y sus habitantes. Filmó la película en Río, usó un elenco en gran parte local (aunque Marpossa Dawn, una de las estrellas, era estadounidense), y presentaba música de Bossa Nova Pioneers Antônio Carlos Jobim, Luiz Bonfá y João Gilberto.
Repleto de color, música y la belleza singularmente impresionante de Río, la película se convirtió en un éxito cuando se estrenó, ganando la Palma de Oro en Cannes y el Premio de la Academia a Mejor película extranjera. Brasil representa a Brasil de una manera que el público occidental nunca había visto en tal escala, y se convirtió en una piedra de toque para muchos, incluida Morgan Freeman, quién ha dicho que es su película favorita.
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Pero para los brasileños, fue controvertido desde el principio, que representa un mundo que apenas reconocieron como suyo. El contraste entre la fascinación que Orfeo negro generado en el extranjero y el desprecio con el que fue tratado por brasileños, que se veían representados como exóticos, invita a pensar sobre la soledad de Brasil, escribió El músico Caetano Veloso en 2000, y agregó que los brasileños con frecuencia somos acusados de ser auténticos porque no nos parecemos lo suficiente como lo que los extranjeros vieron en esa película. Señaló los colores de la película, tan diferentes de los reales de Río, y el ambiente general de vudú para los turistas que lo impregna como ejemplos principales de la superficie de la película.
La alienación Los brasileños sintieron que al ver la película y los estereotipos que reforzaban para el público internacional eran lo suficientemente malos, pero el hecho de que Orfeo negro alejó el oxígeno del renacimiento artístico del país fue aún peor. El Movimiento de Teatro Experimental Negro se estaba apoderando de Río, mientras que en el interior, una nueva ciudad, Brasilia, estaba siendo fundada para revitalizar esa parte del país y celebrar la arquitectura modernista.
La música brasileña también estaba experimentando un cambio de mar, con artistas como Jobim y Gilberto jugando con los sonidos clásicos de Samba para crear Bossa Nova. Poco después de que se estrenara la película, el movimiento conocido como cine novo surgió, inspirado, irónicamente, por el Nueva ola francesa y neorrealismo italiano. En resumen, Brasil estaba experimentando una explosión en la cultura, y no había absolutamente ninguna necesidad de que un director francés arrojara su arte a algo de lo que no tenía conocimiento.
Más de seis décadas después, sin embargo, Emilia Pérez Es un recordatorio desalentador de que para algunos cineastas, América Latina sigue siendo un lugar exótico repleto de historias de otro mundo que simplemente deben contarse, y no por los artistas que viven allí. Incluso después del renacimiento en el cine mexicano que arrojó a personas como Alfonso Cuarón y Alejandro González Iñárritu, directores como Audiard encuentran sus propios ángulos. En el caso de Emilia Pérez , la reacción ha sido tan contundente como con Orfeo negro .
Hay una guerra contra las drogas, casi 500,000 muertes [desde 2006] y 100,000 desaparecidos en el país, dijo el guionista mexicano Héctor Guillén. BBC , agregando, está tomando uno de los temas más difíciles del país, pero no es solo cualquier película, es una ópera. Es un musical.
No fue solo el manejo insensible del conflicto que los críticos como Guillén encontraron tan irritantes. Fue el hecho de que la producción ignoró cualquier aporte o contribución de artistas mexicanos.
Su forma de hacer la película es ignorar a tantos en la industria [del cine] en México que ya está hablando sobre este tema, dijo, citando a los muchos guionistas y actores que no estaban alistados para el proyecto. Tener algunos mexicanos allí no impide que sea una producción eurocéntrica, concluyó.
El hecho de que la película haya sido llena de premios y nominaciones sugiere que estamos de regreso donde estábamos con Orfeo negro Cuando la comunidad internacional abrazó una película sobre un país extranjero a pesar de que los habitantes reales de esa región lo denunciaron como, en el mejor de los casos, completamente inexacto. En un momento en que el público de habla inglesa parece más abierta que nunca a las películas con subtítulos, no hay excusa para que los cineastas occidentales continúen contando sus versiones de las historias de otro país, sin importar cuánto arte entra en él.
