De Jean-Luc Godard a Akira Kurosawa: Las 25 mejores películas extranjeras de todos los tiempos

Una vez que supere la barrera de subtítulos de una pulgada de altura, se le presentará muchas más películas increíbles. -Bong Joon-ho

Realizar una lista como esta nunca es una tarea fácil para nadie porque el legado del cine mundial es infinitamente rico y afecta a diferentes personas de muchas maneras diferentes. Sin embargo, sin duda vale la pena intentar anotar algunas de las películas extranjeras más influyentes de todos los tiempos, películas que nos han intrigado con su encanto desconocido y las que nos han llevado a llorar con su belleza destructiva.

Para evitar el monopolio de cualquier director de cine específico (sí, Akira Kurosawa, Andrei Tarkovsky e Ingmar Bergman, estoy mirando a los tres), hemos decidido incluir 25 cineastas diferentes para esta extensa lista, para que sea más inclusiva, pero una lista como esta siempre estará dominada por algunos de los mejores maestros del arte del cine. Verá que la obra maestra se arroja mucho porque cada una de estas 25 entradas merece nuestra atención indivisa, tal es su poder irresistible.

Para que nuestro trabajo sea aún más difícil, la colección incluye un cineasta diferente para cada elección. Aquí hay una lista de las 25 mejores películas extranjeras de todos los tiempos:

Top 25 películas extranjeras de todos los tiempos:

25. El encanto discreto de la burguesía (Luis Buñuel – 1972)

Famoso por hacer lo que es, posiblemente, el mejor cortometraje de todos los tiempos, Un perro andaluz (1929), Luis Buñuel realiza un examen magistral y surrealista de las prácticas normativas de la sociedad en su película de 1972, El encanto discreto de la burguesía . La película pasa entre hilarantes sátira social y horror simbólico de pesadilla maravillosamente. Sigue a un grupo de amigos burgueses que intentan tener una lujosa cena, pero son constantemente interrumpidos por eventos extraños.

Buñuel expone las hipocresías del lujo decadente y los ideales podridos de una manera verdaderamente surrealista. La película recibió el Premio de la Academia a la Mejor Película Extranjera en 1972 y sigue siendo una de las mejores obras maestras surrealistas y cómicas en la historia del cine.

24. El caballo de Turín (Béla Tarr - 2011)

¿De qué hablamos cuando hablamos de lenguaje? ¿Nos referimos a palabras, gestos? En El caballo de Turín , La cineasta húngara Béla Tarr elimina todos estos significantes en cascada y crea un lenguaje de desesperación que en su mayoría es silencioso y, sin embargo, profundo. La trama se centra en un agricultor y su hija que viven en medio de la nada.

Tarr nos proporciona una visión implacablemente sombría de un paisaje desolado donde la vida misma se disuelve en la nada. El caballo de Turín es una reimaginación minimalista del infierno en la tierra y es infinitamente hermosa en su pesimismo.

23. El atalante (Jean Vigo – 1934)

El encantador y caprichoso romance de Jean Vigo presenta a una joven ingenua que se escapa del bote de su esposo (un capitán de barcaza) para explorar París por su cuenta. Es triste y divertido, pero sobre todo, Vigo se centra en el humano. La película de 1934 explora lo que significa amar en la vertiginosa falta de familiaridad del mundo moderno.

Es seguro decir que El atalante ha influido en múltiples generaciones de cineastas, pero muy pocos han podido recrear esa sensación de maravilla inocente. La visión de Vigo es presciente y maravillosamente original.

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22. M (Fritz Lang - 1931)

Apodado el maestro de la oscuridad por el British Film Institute, M es el célebre cineasta alemán Fritz Lang, el inquietante drama del crimen Arthouse. En la película de 1931, Lang construye un laberinto profundamente inquietante de moralidades corruptas donde los binarios de lo correcto y lo incorrecto significan muy poco. Muy influenciado por el expresionismo alemán, Fritz Lang emplea un cultivo de luces de luces y sombras para crear una atmósfera cinematográfica.

A pesar de que han pasado casi 90 años desde que se estrenó la película, M sigue siendo un melodrama convincente que nunca deja de aparecer como algo menos que llamativo. Esta fue la película que expuso al público estadounidense a las obras del maestro alemán y solidificó su estatus como uno de los mejores cineastas.

21. Ladrones de bicicletas (Vittorio de Sica - 1948)

Posiblemente el mejor drama neorrealista italiano, Ladrones de bicicletas es un retrato poderoso y sentimental de Post WW-II Italia. En una depresión económica, una familia intenta mantenerse optimista incluso cuando la pobreza y el desempleo. El legado del mayor trabajo de Vittorio de Sica es monumental y su influencia se puede ver en innumerables películas.

Ampliamente celebrado y aclamado por la crítica, ganó el Premio de la Academia por la película extranjera más destacada siete años antes de que surgiera esa categoría. Ladrones de bicicletas es una película que nunca puede ser excluida de una discusión sobre las mejores películas de todos los tiempos.

20. Recreo (Jacques Tati - 1967)

En Recreo , Jacques Tati crea un París subversivo y ferozmente original, lleno de rascacielos metálicos y superficies reflectantes. La comedia de 1967 de Tati es una exploración caprichosa de la desilusión del hombre moderno, atrapado en una jungla urbana. Complejo pero juguetón, Tati logra magistralmente hacer que una pesadilla modernista parezca hilarante.

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Un diseño de sonido brillante funciona en sincronicidad con las impresionantes imágenes en esta obra maestra cinematográfica. Se suponía que la visión estética única de Tati era una advertencia, pero nunca logramos pasar la parte estética.

19. Aguirre, la ira de Dios (Werner Herzog - 1972)

Filmado en las selvas de Amazon con un presupuesto muy bajo, El épico drama histórico de Werner Herzog es una de las obras definitorias del nuevo cine alemán. Sobre la base del mito de El Dorado, Herzog lanza una poderosa investigación de la codicia y el deseo. La película elimina las complejidades de las relaciones de poder y deja solo las inquietantes ansiedades de lo que significa ser humano.

Klaus Kinski presenta la actuación de su vida como Aguirre, el conquistador faustiano que se vuelve loco por el abrasador calor de la ambición. El legado de la película es tal que siempre aparece en listas que presentan obras eminentes de cine. La película fue clasificada

18. Pather Panchali (Satyajit Ray - 1955)

Sin lugar a dudas, el mejor cineasta indio, este fue el largometraje debut de Satyajit Ray. Es un relato abrumadoramente emotivo de la familia bengalí en el bengalí posterior a la partición. Aunque parece que fue inspirado en el neorrealismo italiano, la voz de Ray es absolutamente suya. El primero de su famosa trilogía APU, es rico en hermosas imágenes y un toque cinematográfico devastador.

Ray yuxtapone la inocencia de la infancia con un paisaje cuya memoria cultural es la violencia. Pather Panchali es una parte inolvidable e indispensable de la historia del cine.

17. Los 400 golpes (François Truffaut - 1959)

Esta película marcó la génesis del legendario personaje cinematográfico de Truffaut, Antoine Doinel. Los 400 golpes estaba al frente de la floreciente New Wave francesa, una hermosa exploración de una infancia influenciada por modelos y crímenes defectuosos. Es una historia de un niño no deseado que se desliza a través de las grietas del sistema pero aún se aferran a la esperanza.

La sorprendente obra maestra de Truffaut seguirá siendo relevante para la eternidad porque el concepto de jóvenes incomprendidos es omnipresente a través de las generaciones. Los 400 golpes es una búsqueda inquebrantable de la libertad que se ha movido y deleitado al público durante años y continuará haciéndolo durante muchos años más.

16. La gran ilusión (Jean Renoir - 1937)

Una de las películas más bellas contra la guerra jamás realizadas, el trabajo de Renoir en 1937 es una poderosa lamentación dirigida a la muerte de la aristocracia europea. Invocar hábilmente imágenes memorables de ideales en desintegración, La gran ilusión es una exposición tragicómica de la inutilidad de la guerra extensa. La visión humanista de Renoir de la Primera Guerra Mundial es inquietante y conmovedor al mismo tiempo.

Aunque los aclamados cineastas como Orson Welles y David Lean citaron la película como una de sus 10 mejores películas de todos los tiempos, es interesante observar cómo los líderes políticos fascistas vieron la obra maestra de Renoir como una amenaza para la conciencia pública. El ministro de propaganda de Hitler, Joseph Goebbels, describió la película como enemigo público cinematográfico No. 1.

15. Tres colores: azul (Krzysztof Kieślowski - 1993)

El mejor trabajo del cineasta polaco de la crítica, Tres colores: azul es el mejor de la Tres colores Trilogía y sigue la evaluación existencial de la vida de una mujer después de perder a su esposo e hijo en un accidente automovilístico. Juliette Binoche es espectacular como la protagonista, tratando de sacudirse el trauma buscando una nueva identidad, pero se encuentra incapaz de escapar del legado de su pérdida.

Esta idea de negación da forma constantemente a la narrativa, así como a la estructura cinematográfica, ya que Kieślowski se entrega a largos apagones durante una escena solo para dejar que la realidad vuelva a entrar, como si destacara la inutilidad de la negación. La gran tesis de Kieślowski es que la tristeza siempre encuentra la salida, no importa cuánto intentes volver a meterlo.

14. Hiroshima, Mon Amour (Alain Resnais - 1959)

Esta obra maestra de 1959 es uno de los mejores ejemplos de nuevo historicismo, una escuela de pensamiento que rechaza una visión unidimensional de los eventos históricos y busca penetrar aún más. La secuencia de apertura de la película es inquietante, una visión compleja de las secuelas de los bombardeos de Hiroshima explorados en forma de charla de almohadas que dos amantes se entregan. Alain Resnais realiza una revisión radical de lo que significa para volver a visitar los eventos traumáticos.

Las tragedias globales y personales se entrelazan en un hilo narrativo intrincado que gana subjetividad en Hiroshima, un lugar donde el recuerdo de la violencia está grabado en cada piedra. La película de Resnais es un hermoso acto de recordar y olvidar al mismo tiempo.

13. De cerca (Abbas Kiarostami - 1990)

Podría decirse que el mejor cineasta de la nueva ola iraní, Abbas Kiarostami desdibuja magistralmente las distinciones entre ficción y no ficción, entre fantasía y realidad en su docudrama posmoderno, De cerca . De naturaleza profundamente meta-ficticia, Kiaorostami examina los roles performativos que todos jugamos con la precisión de un cirujano y el delicado toque de un poeta.

Basado en eventos verdaderos, Kiarostami enfatiza la parte de creación de una reconstrucción que presenta la trágica historia de un aspirante a cineasta desempleado, Hossein Sabzian. De cerca es un psicoanálisis cinematográfico hermoso pero inquietante de un hombre común.

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12. Un hombre escapó (Robert Bresson - 1956)

La obra maestra de 1956 de Bresson se basa en las memorias de André Devigny, un luchador de resistencia francés que planea su escape después de ser capturado por los nazis. Con una trama engañosamente simple, Robert Bresson logra retratar la pérdida de la libertad y la desesperación existencial de una manera completamente poco sentimental. Un hombre escapó es una excursión emocional e intelectual a las ansiedades de la psique de un prisionero.

La fascinante cinematografía de Léonce-Henri Burel y un diseño de sonido impecable trabajan juntos para crear una obra de arte materialista y metafísica al mismo tiempo. Un hombre escapó Presenta un argumento fuerte de por qué es la mejor película de desglose de la prisión de todos los tiempos.

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11. Sansho el alguacil (Kenji Mizuguchi - 1954)

Ambientada en Japón feudal del siglo XI, sigue la desintegración de una familia después de que el Padre es exiliado por un Señor feudal. En un desgarrador giro de los acontecimientos, la madre y los dos niños se propusieron buscar al padre, pero son secuestrados y vendidos, la madre como prostituta y los niños como esclavos. Mizoguchi es implacable en su lamentación sobre la condición humana.

Sansho el alguacil’s La belleza es incomparable. Kenji Mizoguchi examina el espíritu de la era brutal y se concentra en el pathos de una tragedia personal. La complejidad de la trama se deshaga de las imágenes simples y el resultado es una de las obras de cine más poderosas.

10. Ven a ver (Elem Klimov - 1985)

La sombría película contra la guerra del cineasta soviética Elem Klimov es una representación despiadada de la capacidad de la humanidad para el mal descarado. Experimentamos los horrores de la guerra a través del protagonista adolescente, Alexei Kravchenko, en un paisaje que ha sido sometido a una incursión y genocidio nazi. Ven a ver Insiste en que, aunque la guerra ha cambiado lo que significa ser humano para siempre, la dignidad individual es algo que nadie puede quitarnos.

Es una historia convincente de sobrevivir contra viento y marea a pesar de que toda una civilización se convierte en caos a nuestro alrededor. Visceral y conmovedor, Ven a ver es una pesadilla pero necesaria, un recordatorio para que nos mantengamos alejados de nuestros errores pasados.

9. Aventura (Michelangelo Antonioni - 1960)

Un espectacular drama misterioso de Arthouse, Aventura Cuenta con una mujer joven que de repente desaparece en un viaje de yates a una isla volcánica remota en el Mediterráneo. Su amante desinteresado y su mejor amiga se propusieron tratar de encontrarla, pero terminan disfrutando de un asunto ilícito. El fascinante lenguaje cinematográfico de Antonioni pinta el Ennui existencial y la debilitante pérdida de significado en el mundo moderno.

Mantenerse fiel a las ideologías artísticas del arte posmoderno, la película nunca se resuelve realmente y las motivaciones de los personajes nunca están realmente claras. La obra maestra de Antonioni de 1960 es la manifestación de la visión cinematográfica única y preocupante de un genio.

8. 8 ½ (Federico Fellini - 1963)

Una de las mejores películas de la historia del cine mundial, Fellini’s Cinematic proeza tiene la sensación de una pintura compleja con múltiples capas y una maravillosa multiplicidad de interpretaciones. 8 ½ Es, quizás, el ejemplo más famoso de una película sobre película. Fellini construye un gran esqueleto de lo que se supone que es una película y la deconstruye simultáneamente. Deliciosamente autocomplaciente, la obra maestra de Fellini de 1963 es un viaje visualmente impresionante e intelectualmente atractivo.

8 ½ es un trabajo cinematográfico seminal que inspiró a innumerables otras películas como Woody Allen's Recuerdos de Stardust (1980) y Charlie Kaufman Synecdoche, Nueva York (2008). Ganó dos premios de la Academia por la mejor película de idiomas extranjeros y el mejor diseño de vestuario (blanco y negro) mientras obtuvo otras tres nominaciones al Mejor Director, el Mejor Guión Original y la Mejor Dirección de Arte (en blanco y negro). El círculo de críticos de cine de Nueva York también nombró 8 ½ La mejor película en idioma extranjero.

7. El séptimo sello (Ingmar Bergman - 1957)

La culminación de todas las batallas filosóficas que Bergman luchó en sus películas, El séptimo sello Es su mejor película que representa alegóricamente la violencia y la lucha de la vida moderna a través de un juego de ajedrez jugado entre un caballero desilusionado y la figura de la muerte. Bergman pinta una imagen implacable de un paisaje sin Dios con el único verdadero maestro que es la muerte.

Hacer preguntas sobre la vida, la muerte y todo lo demás, El séptimo sello es una de las obras más memorables en la historia del cine mundial. Ha solidificado su lugar en la tradición cinematográfica entre las mejores películas de todos los tiempos con sus imágenes inquietantes y sus excelentes técnicas narrativas.

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6. En The Mood For Love (Wong Kar-Wai-2000)

Sin lugar a dudas, una de las mejores películas de la nueva ola de Hong Kong en el cine, el autor chino Wong Kar-Wai crea una película de poder reservado y majestuosa belleza, ahogándose en melancolía romántica. Ambientada en la Sociedad Moralmente Conservadora de 1962 Hong Kong, la película trata sobre la intimidad emocional que dos vecinos comparten después de descubrir que sus cónyuges los están engañando entre sí, pero no pueden actuar, paralizados por las demandas performativas de la sociedad.

Wong Kar-Wai nos deja con una historia que no tiene resolución y es notablemente conmovedora debido a la ausencia de una. Su exquisito talento en el oficio del cine brilla en cada escena, ya que somos transportados del pintoresco a lo sublime.

5. Jadeante (Jean-Luc Godard-1960)

Jean-Luc Godard sigue siendo uno de los directores más polarizadores de todos los tiempos, amas su trabajo o lo odias. No hay intermedios. De cualquier manera, no puedes ignorar la influencia de su largometraje debut, Jadeante . El desprecio y el desprecio de Godard por las convenciones clásicas del cine se dieron a conocer en su obra maestra de 1960 y allanó el camino para el camino para el Nueva ola francesa .

Auto-reflexivo y ansioso por deconstruir su propio mito, Jadeante es una de las películas más singulares del corpus del cine mundial. Los méritos cinematográficos de la película se pueden debatir durante horas, pero lo que no se puede negar es la visión artística ferozmente original de Godard y la indiferencia irreverente con la que transformó el medio cinematográfico.

4. Yi Yi (Edward Yang - 2000)

Yi Yi (Significado y uno y dos) es el mejor trabajo de Edward Yang, uno de los principales cineastas de la nueva ola taiwanesa. La película es un drama intergeneracional entrañablemente íntimo sobre las turbulencias personales de una familia. Todos y cada uno de los miembros de la familia tienen sus propias batallas para pelear y navegamos por los confusos laberintos de la vida junto con ellos. En lugar de personajes de cartón, Edward Yang guía nuestras manos y nos hace conscientes de la presencia de carne y sangre, vulnerable pero resistente.

La presencia más singular a lo largo de la película es el personaje de un niño, Yang-Yang, quien está profundamente preocupado por el hecho de que la gente no puede ver el dorso de sus propias cabezas. Entonces él hace clic en las fotos de la cabeza de las cabezas de las personas para ellos. En una poderosa escena final, le promete a su abuela fallecida que continuará contando historias que la gente no conoce y les muestra cosas que no han visto. Yang-yang es el defensor más convincente del vanguardia que el cine ha producido.

3. Siete samurai (Akira Kurosawa - 1954)

Ambientada en Japón del siglo XVI, el cuento épico de Kurosawa es un viaje de tres horas hacia el mundo del samurai. Es un conflicto entre el código de honor conservador y rígido de los mejores guerreros de Japón medieval y la ilegalidad de los bandidos, de naturaleza moralmente depravada y parásita. Los siete samurai en la película son la última línea de defensa contra la inevitable corrupción del orden social.

Kurosawa traduce magistralmente las convenciones del teatro Noh a un medio posmoderno: el cine. La existencia de la película en sí se convierte en un sitio del conflicto que está tratando de retratar, un espacio disputado tenso que alberga dos ideales irreconciliables.

2. Historia de Tokio (Yasujirō Ozu - 1953)

La obra maestra atemporal de Ozu explora las desilusiones y frustraciones de Japón de la posguerra a través de la historia de una pareja de ancianos que van a visitar a sus hijos casados ​​pero descubren que sus hijos no tienen mucho tiempo para ellos. En una ciudad que es constantemente bulliciosa, Ozu presenta una historia de profunda belleza y duelo. La audiencia se queda sin palabras por el tranquilo y devastador poder de Historia de Tokio .

La película de 1953 también es famosa por el estilo de cámara distintivo de Ozu, a menudo llamado Tatami Shot. La falta de movimiento de la cámara agrega una estabilidad muy necesaria debido a la naturaleza extremadamente volátil y dinámica de la ciudad en la que se filma. La película no se presentó al público estadounidense hasta 1972, después de lo cual se volvió universalmente aclamado y con razón.

1. Acosador (Andrei Tarkovsky - 1979)

Acosador es la mejor película de Andrei Tarkovsky, uno de los mejores cineastas de la historia del cine. Solo esa declaración es suficiente para merecer un lugar en cualquier lista, pero no le hace justicia al cine. Tarkovsky construye una experiencia meditativa que se tambalea violentamente hacia la verdad, pero solo garra en el vacío, una incisión reveladora de la cual se drena una dialéctica vacía. Aunque está estructurado como una expedición al aire libre para llegar a una heterotopía que promete proporcionar nuestros deseos más profundos y oscuros, Acosador Realiza un viaje simultáneo hacia los recovecos psicológicos que nos quedan ocultos.

Tarkovsky cubria la temeridad del género de ciencia ficción con una rica atmósfera de madurez filosófica. Acosador’s El deseo autodestructivo amenaza con destruir todas nuestras nociones preconcebidas, pero se detiene con la elegante restricción de la totalidad poética. La cámara de Tarkovsky se desliza sobre el páramo radiactivo mientras perfora lentamente algunos de los misterios del universo.