Gutav Metzger: El hombre detrás del arte automático
Las palabras auto-destructivas y el arte no son palabras que generalmente verías o incluso esperarías en la misma oración. De hecho, el cerebro humano ha sido conectado para comprender que el arte generalmente se trata de hacer. De hecho, decimos hacer arte y nunca destruir el arte.
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Especialmente en la tradición occidental, la creación de arte se caracteriza por materiales que se suman Para crear una pieza final, ya sea que sea una pintura , bordado, collage o rendimiento. Todos estos se reducen a un literal, y a veces metafórico—lienzo en blanco, al que agregamos diferentes componentes para completar una obra de arte.
Sin embargo, no todos lo ven de esta manera, especialmente no Gustav Metzger, el artista y líder detrás del arte automático. Este movimiento, que nació en la década de 1960, convirtió todos los conceptos tradicionales de fabricación de arte en sus cabezas. Metzger quería subvertir todas las costumbres y procesos convencionales de fabricación de arte por destrucción del arte.
Pero, ¿podemos realmente llamarlo destrucción si el acto de destruir era una parte integral del producto final? Metzger fue revolucionario al demostrar que puede llegar a un producto final eliminándolo o destruyendo y no agregándolo, transformando la forma en que vemos la fabricación de arte. Este estilo recuerda a los pintores de acción como el gran Jackson Pollock, que enfatizó El proceso sobre el producto, donde lo que quedó al final, ya sea un lienzo salpicado o restos de nylon corroídos, fue más un subproducto del arte en sí.
Pero volviendo a Metzger, el arte auto-destructivo estaba intrincadamente entretejido en el paisaje europeo y sociopolítico de la época. En los años 60, la gente todavía sentía el peso y el trauma de la Segunda Guerra Mundial, entrando en una nueva era moderna de la guerra con la Guerra Fría y la energía nuclear tomando el centro del escenario.
Gutav Metzger en 2016 (créditos: Far out / YouTube Still)
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Metzger era miembro del Comité de 100, un grupo de activistas que creían en la campaña por el desarme nuclear, por lo que sus piezas, que previeron predominantemente la destrucción de grandes láminas de nylon con ácido altamente corrosivo que se rocían en ellas, reflejan estas turbulaciones políticas en ese momento. El ácido, como un químico duro que a menudo se usaba para dañar a las personas durante la guerra, se usaba para mostrar cómo podría destruir cualquier cosa y todo en su camino, en este caso, nylon. Además, Metzger a menudo usaba los colores blancos, negros y rojos, que están asociados con la anarquía, que regresan a sus obras de arte altamente políticas.
Lo más destacado de Metzger como artista llegó en 1961, cuando hizo una presentación pública de la pintura ácida en el medio de la orilla sur en Londres . Al realizar la destrucción en un entorno público frente a una audiencia cautivada, colocó el proceso de fabricación de arte en un pedestal. La actuación solo terminaría cuando la hoja estaba corroída por completo, lo que requería una gran paciencia y contemplación por parte de la audiencia.
A través de este proceso arrastrado, Metzger quería abordar la fascinación oscura y retorcida de la sociedad con la destrucción y la violencia. Hemos visto esto desde el comienzo de nuestra existencia, con el hombre obsesionado con la batalla y la guerra. Nuestros muros de museos están cubiertos de arte de guerra de todo tipo de hace siglos. Transportando estas nociones a la pieza de Metzger, habría tenido un efecto catártico y quizás inductor de epifanía en la audiencia, ya que se les habría permitido un espacio de pensamiento para explorar estos temas de destrucción en su vida cotidiana.
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Según el Tate , El arte de Metzger es a la vez auto-creativo y autoestructivo porque el objetivo del artista se exploró a través de la resta de materiales y no la adición; Aquí es donde se encuentra su talento y donde se descubren nuevas cosas.
El propio Metzger acuñó perfectamente esto en una entrevista con el periodista Stuart Jeffries para El guardián , declarando, lo importante de quemar un agujero en esa hoja era que abrió una nueva vista en el Támesis de la Catedral de San Pablo. El arte auto-destructivo nunca fue simplemente destructivo. Destruye un lienzo y creas formas.
