Huele a Seattle: La historia del grunge en 10 canciones

A finales de 1990, Rock and Roll ya no sentía que fuera real. El hedor persistente de metal para el cabello todavía estaba en el aire, pero no había un lugar claro para ir después. La siguiente tendencia fue una suposición de nadie hasta que comenzamos a escuchar nuevos sonidos de bandas de Seattle como Nirvana y Pearl Jam.

Al llegar como un rayo, la nueva ola de roca grunge era un soplo de aire fresco del apretado spandex de metal para el cabello solo unos años antes. En el lapso de unas pocas semanas, los pantalones ajustados y la laca para el cabello estaban fuera de la puerta, y los fanáticos estaban atando a sus Doc Martens y arrojando sus camisas de franela más sombría.

Sin embargo, la música era la más importante. Tomando los sonidos del rock and roll y el punk de la vieja escuela, estos artistas vieron al rock and roll como una mentalidad de cualquier cosa, con canciones que podrían golpear como un mazo o arrancado en una guitarra acústica.

Incluso si la canción era un poco difícil de entender, lo que las palabras dijeron que casi no importaba. Se trataba de cómo la música te hizo sentir, e incluso si no pudieras precisar lo que decían, sabías que eran algunos de los sentimientos más intensos de la tierra.

La historia del grunge en 10 canciones:

Este es Shangri la - Mother Love Bone

Ninguno de los nativos de Seattle buscaba hacerlo grande. Al comienzo del grunge, estos eran solo un grupo de niños que obtuvieron sus rocas y descubrieron lo que querían ser. Sin embargo, para una primera salida, Mother Love Bone tenía toneladas de potencial desde el principio.

Si bien el término grunge podría haberse usado libremente aquí, This Is Shangri La fue Zangero Zero para algunos de los sonidos más aventureros de Seattle, combinando todo, desde Arena Rock hasta Funk Rock hasta un poco de humor, se desprendió en la mezcla. Tomando los sonidos de la roca de los años 70, Andy Wood es el último líder del grunge, pavoneándose como sus héroes Paul Stanley y Freddie Mercury.

Aunque la canción estaba destinada a un estadio, la banda no lo estaba, con Wood falleciendo de una sobredosis de drogas antes de que se lanzara el álbum.

Tócame estoy enfermo - Mudhoney

La declaración de la misión detrás de la mayoría de las bandas de grunge era sacar la orina del rock and roll regular. Aunque Mudhoney puede haber comenzado en los mismos clubes que nos dieron a Mother Love Bone, fueron la contraparte punk de Mother Love Bone’s Arena Rock.

A través de Touch Me I'm Sark, a Mar a Marcón no le importa en qué llave esté cantando, buscando hacer suficiente ruido para romper todo el lugar al suelo. Mientras que la mayoría de los rockeros de grunge obtuvieron coros altísimos para unir sus canciones, el brazo menciona sentirse enfermo mientras llora por esta pista, cruzando los límites entre el punk hardcore y los gritos borrachos.

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Los sonidos de Seattle aún no estaban siendo criticados en casas en todo Estados Unidos, pero este era el bebé pasos en algo más abrasivo. El grunge puede haber prosperado en tener riffs pesados, pero Mudhoney también tenía un respeto saludable por los títeres en su música también.

Huele a espíritu adolescente - Nirvana

Siempre ha habido un debate sobre dónde realmente comenzó el grunge. Puede haber comenzado a fines de los años 80 cuando las bandas todavía estaban tratando de encontrar su sonido, o podría haber comenzado cuando se formó Mother Love Bone. Una cosa que no se debate: Huele a un espíritu adolescente encendió toda la escena en llamas.

Después de hacer un récord de debut bastante decente con Lejía, Ni siquiera Kurt Cobain estaba preparado para lo que sucedió con esta canción, convirtiéndose en un grito de rally para los niños privados de sus derechos que solo querían algo mejor que veneno por 1000. Si bien es técnicamente una canción pop, Cobain pone muchas declaraciones contradictorias entre sí, siendo tan hastiado como su audiencia.

A pesar de convertirse en una piedra angular de la cultura de los 90, esto se convirtió en un albatros sobre el cuello de Cobain, que odiaba la producción brillante del récord a pesar de que los fanáticos lo llamaban la próxima voz de su generación. Por otra parte, no puedes ser una de las bandas más grandes del mundo si no tienes buenas canciones, y esta canción tocó a la Generación X en su herida.

Hambre de hambre - Templo del perro

A raíz del fallecimiento de Andy Wood, Mother Love Bone no sabía si iban a ser una banda nuevamente. En un esfuerzo por consolar a sus amigos músicos, Chris Cornell de Soundgarden sugirió que hicieran Temple of the Dog, con los miembros sobrevivientes de la banda creando un álbum con él en homenaje a la memoria de Wood.

Aunque Say Hello 2 Heaven podría ser el lágrima del disco, Hunger Strike fue una mejor indicación de hacia dónde se dirigiría la banda a continuación. En medio de la grabación, la banda encontró a un cantante de San Diego llamado Eddie Vedder, quien duete con Cornell en esta canción.

Escuchar a ambos gigantes de rock alternativo que se rebotan entre sí ya es surrealista, pero este supergrupo no estaba destinado a durar. Soundgarden tenía que mantener, y los inicios de Pearl Jam ya estaban en marcha.

Hombre en la caja - Alice in Chains

Se siente extraño colocando a cada banda de Seattle debajo del paraguas del grunge. Soundgarden y Pearl Jam se usaron para tocar rock and roll que llenaron arenas, mientras que Kurt Cobain siempre se aferró a sus credenciales punk en Nirvana. En cuanto a Alice in Chains, esta fue lo más cerca que la escena de Seattle llegó a una banda de metal de buena fe.

Aunque Alice no fue tratada calurosamente en sus primeras giras mientras se abrió para Van Halen, Man in the Box fue lo que hizo que la gente volviera la cabeza. Tenía un riff tan pesado que Tony Iommi podría haberlo afectado en la primera encarnación de Black Sabbath. Aunque la melodía era pesada, la verdadera destacada fue la armonización entre Jerry Cantrell y Layne Staley, creando un elemento de belleza entre los riffs duros.

Los buenos tiempos no estaban destinados a durar demasiado. A medida que la banda se hizo más popular, sus vidas personales continuaron en espiral, lo que llevó a álbumes donde están prácticamente en la puerta de la muerte, como Jarra de moscas. Sin embargo, cuando todo estaba marcado, no había nadie más en Seattle que pudiera sostener una vela para estos tipos.

Negro - Pearl Jam

Todo en Seattle ha sido definido por algún tipo de tragedia. La muerte de Mother Love Bone arrojó una mortaja sobre Pearl Jam inicialmente, pero Eddie Vedder ayudó a volver a encaminarlos. Por otra parte, Vedder también tenía su propia parte de demonios, y estaba aprovechando algo mucho más vulnerable en negro.

Aunque la mayoría de Diez es una escucha brutal desde una perspectiva lírica, esta es una canción de ruptura básica que muestra a Vedder con su corazón en la manga. Aunque Vedder parece aceptar el hecho de que su amante ya no quiere verlo, puedes sentir la emoción que se agota con cada nota sostenida, prácticamente sonando al borde de las lágrimas a lo largo de la actuación.

El verdadero intestino llega al final de la melodía, donde Vedder espera que algún día esta persona tenga una vida hermosa, solo para desear que todavía estuviera en ella de alguna manera. El sonido del grunge puede no haber hecho baladas cursis, pero no hay nada cursi en hacerse tan vulnerable.

Spoonman - Soundgarden

Fuera de cada banda para salir de Seattle, Soundgarden fue el primero en ser vinculado para el estrellato. La voz de Chris Cornell se estaba convirtiendo lentamente en una de las voces más poderosas del rock and roll, pero las cosas dieron un giro diferente una vez que Nirvana se convirtió en la banda más grande del mundo. Si bien Soundgarden fue el último de los cuatro grandes de Grunge en tener un éxito convencional, aprovecharon al máximo lo que tenían cuando desataron Spoonman.

A raíz de clásicos como Black Hole Sun, se siente como la respuesta de Seattle a Black Dog de Led Zeppelin, con Chris Cornell golpeando sus lamentos Robert. Aunque esta terminó siendo una de las canciones más grandes de su carrera, también está llena de sorpresas, como la firma de 7/4 veces que lo arroja a un bucle antes de establecerse en el ritmo principal.

Después de pasar casi una década cortándose los dientes en el subsuelo, este fue el momento en que Soundgarden fue de las estrellas más brillantes de Seattle a uno de los reyes de rock and roll. Como les llevó tanto tiempo llegar al horario estelar, Spoonman es lo que sucede cuando dejas que una banda deambule en el estudio. Soundgarden puede haber sido el Zeppelin de los años 90, pero no eran imitadores. Estaban buscando tomar lo que hicieron Page y Plant y llevarlo un paso más allá.

‘Interstate Love Song’ - Stone Temple Pilots

Cuando se habla de las mejores bandas de grunge de todos los tiempos, se pone un poco incómodo hablando de los pilotos del templo de piedra. Para tanto éxito como tuvieron en ese momento, algunos puristas de Seattle pensaron que el barítono perezoso de Scott Weiland era una copia al carbón de Eddie Vedder. Si bien había algunas similitudes definitivas, incluso Pearl Jam no podría haber escrito nada tan ventoso como la canción de amor interestatal.

En comparación con cualquier otra canción de grunge, esta melodía está casi más cerca del país en su construcción, haciéndote sentir que acabas de aterrizar en una carretera con destino a la nada. A pesar de ser vinculado como pósters, hay mucho más debajo de la superficie aquí, como Dean DeLeo usando acordes de jazz en los versos para tirar el ritmo original.

iyanna mayweather

Si bien la mayoría de las bandas de grunge estaban canalizando a personas como Neil Young, esto es como hubiera sonado Grunge si los Eagles lo hubieran escrito. El grunge siempre se ha tratado de rebelarse contra la corriente principal, pero no hay nada de malo en escribir una buena melodía de vez en cuando.

Toque Peel and Stand - Días de lo nuevo

La mayoría de los fanáticos del grunge no sabían qué hacer después de la muerte de Kurt Cobain. La noticia de su suicidio envió una onda de choque a través del mundo del rock, y algunos fanáticos aún se están recuperando de perder uno de sus íconos de repente. La escena del grunge estaba lista para hacerse cargo del mundo, entonces, ¿qué haces cuando el líder de la manada muere con su propia mano? La respuesta: sigues empujando.

A pesar de Días de lo nuevo Viene justo en la frontera entre el grunge y el post-grunge, su enfoque único para el género los distingue de sus contemporáneos. Pegando principalmente a las guitarras acústicas, Touch Peel and Stand es el último sonido de la frustración, ya que Travis Meeks finalmente deja ir sus inhibiciones y le dice a esta persona sin nombre lo que realmente piensa de ellos.

Por otra parte, el sonido de la voz de Meeks se convirtió en una especie de prueba de fuego a lo largo de los años, ya que las bandas seguían copiando a él y a Eddie Vedder para crear el temido Yarl de Scott Stapp. Este tono de voz puede haber usado su bienvenida, pero se trata de cómo usarlo correctamente, y Meeks está fuera de sangre aquí.

‘Monkey Wrench’ - Foo Fighters

Nadie habría culpado a Dave Grohl si nunca quisiera volver a recoger un instrumento después de que Nirvana terminó. Aunque Grohl decidió salir de la música por un tiempo, ver los recuerdos de Nirvana en todas partes comenzó a llegar a él. Después de revolcarse en su tristeza por un tiempo, Grohl encontró lo único que lo ayudaría a salir de su funk: la música.

A pesar de the debut Foo Fighters record was indicative of the older grunge sound, ‘Monkey Wrench’ was the first shot of optimism from Grohl, penning an optimistic breakup song with a melody that owed as much to the Beatles as it did to Minor Threat. Despite being a nightmare to record, this shiny side of grunge was a message to everyone who got burned by Cobain’s passing.

Nunca iba a ser fácil pasar de los años de gloria de Grunge, pero canciones como esta significaban que no tenía que ser todo malo. Grunge era hermoso mientras duraba, y si alguien como Grohl pudiera superar el fallecimiento de Cobain, entonces nosotros también podríamos.