Los 10 mejores álbumes de la década de 1970 en Nueva York

La obra maestra de 1976 de Martin Scorsese Taxista lo dice mejor. En el espeluznante thriller, las calles de Manhattan han descendido al pronóstico de pesadilla distópica postlapsaria en mil viajes de ácidos malos de la década anterior. La solución tecnológica para una sociedad que prometió la progresión de la posguerra prometió no se ha tragado en nada más que la expansión del concreto, el surgimiento de la arquitectura brutalista y una falta crónica de desodorante. Sin un anillo de vida emitido de aquellos en el poder o prominencia, que estaban más preocupados por las amenazas desde lejos que el inicio de la descomposición interna, los habitantes de la ciudad se hunden en el fastidio de crimen y castigo.

El arte prosperó como las malas hierbas en las grietas de la sociedad. Como Richard Hell, el pionero punk y el ciudadano adoptivo de la Gran Manzana una vez dijo: las cosas siempre cambian, y Nueva York te enseña eso. Estaba cambiando más rápido que el conejo de carreras en la década de 1970 y no siempre para mejor. Entre 1969 y 1974, la ciudad perdió 500,000 empleos de fabricación. Posteriormente, un millón de hogares dependían del bienestar, las violaciones y los robos triplicados, las drogas corrían desenfrenadas y los asesinatos alcanzaron un máximo de 1690 al año. Sin embargo, mucho arte proviene del caos y el desafío: Nueva York fue un cóctel creativo de ambos.

Como escribió Fran Lebowitz: Cuando sales de Nueva York, te sorprende lo limpio que está el resto del mundo. La limpieza no es suficiente. Una gran cantidad de artistas disfrutaron del exceso de mugre, y resultó en un extraño cenit cultural . El punk surgió y la cultura pop derribó el enfoque burgueses del arte de una vez por todas, y los campos de siembra para el hip hop pronto florecerían. En resumen, había una colmena de arte de Nueva York en medio de la mejor década para la música, los resultados todavía están ahí para que apreciamos.

Como Edmund White escribió en Chico de la ciudad : Tuve la suerte de vivir en Nueva York cuando era peligroso, nervioso y lo suficientemente barato como para ser el anfitrión de jóvenes artistas sin dinero. Esa era la era de las cafeterías, ya que se definieron en Nueva York: los restaurantes cheap abren todo el día donde se puede comer por menos de lo que costaría cocinar en casa. Esa fue la era de los jeans desgarrados y las camisetas sucias, cuando el tipo de personas que están impresionadas por los signos materiales de éxito no eran las personas que querías conocer.

A continuación, hemos ofrecido una instantánea de la ciudad de la época al recopilar los mejores álbumes que produjo en la década. Desde lo mejor de la explosión de CBGB que cambia el mundo hasta el comienzo del rap y el extremo ríoño hasta los pioneros de vanguardia de la vanguardia.

En verdad, todos estos registros podrían estar contenidos en la mejor lista de todos los tiempos para arrancar, por lo que los colocamos en una lista de reproducción en la parte inferior de la pieza. Disfrutar.

(Crédito: lejano/alamy/wiki/flickr)

Los 10 mejores álbumes de la década de 1970 en Nueva York:

[1970] Puente sobre agua con problemas - Simon

El último Hoorah de Greenwich Village Folk Heyday fue ofrecido al estilo himnario por las leyendas que ayudaron a generar la escena en la década de 1960 y, a su vez, la totalidad de la cultura alternativa moderna. Y nunca se suponía que debía suceder, lo que significaba que la música mantenía su humildad de humildad ...

Verá, Bob Dylan dijo una vez: Para mí, la gente es solo un montón de personas gordas. Y al hacer referencia a esa cita, el cineasta Ethan Coen bromeó: ese tipo de rechazo de la mierda que realmente amas es interesante, real y humano. Ya ves, la cosa es que la música folk nunca fue enorme, Bob Dylan nunca tuvo la intención de cambiar el mundo, Joni Mitchell nunca debería haber hecho más que una habitación llena de gente borracha en Gingham Cry ...

Sin embargo, la escena estalló en las costuras y cuando finalmente se transformó en formas modernas y dejó las resmas del texto de ritmo reverberante, pero sin embargo, finalmente se volvió a colocar en la estantería, su gran adiós yanqui fue una hermosa apoteosis de un Zenith musical entero de que todavía estamos tambaleándose positivamente (tal vez nunca nunca ser superado).

Si eso parece grandioso a veces con la canción principal de este álbum, ¿de qué demonios puedes ser grandioso si no es eso? Y a partir de entonces, las delicadas ditties se despliegan tan perfectamente que es como si el éter los hubiera estado incubando para eones solo para que el dúo se convierta suavemente en pistas de terciopelo. Adiós Greenwich, nos sirviste bien, pero era hora de que la gente dejara su hogar subterráneo y sacudiera sin esfuerzo a las vigas de las salas de conciertos sin tensión.

(Crédito: Columbia Records)

[1970] Cargado - El Velvet Underground

Podría estar escondido en una opinión personal injustificada aquí, pero a pesar de lo que las pulgadas culturales parecen sugerir, el terciopelo subterráneo alcanzó su clímax con la obra maestra de los años 70. Cargado . El álbum está cargado de ganchos más peligrosos que un recipiente de pesca chino, y viene con menos grasa y relleno de lo que la mayoría de los envases de comida rápida parecen pretender. En resumen, cada canción es una especie de obra, pero más que eso: captura la fuerza impulsora de la banda en su mejor momento.

La energía efervescadora del registro va más allá de cualquier cosa que pueda ser claramente identificada y puesta a imprimir. La profundidad del álbum no está en las letras de Masterful Beat, temas inquebrantables o cualquier innovación profunda de vanguardia; Se persigue en los turbios alcances sonoros de los sentimientos y la atmósfera. Lo más cercano que puedes venir es decir que suena como una banda que toma al espiritista en un extraño sentido espiritual como alquimistas proto-Indie: Nueva York tiene una historia de hacer esto. Las manchas sucias se disparan con una vitalidad atemporal como un giro de limón en una jeringa de basura; O más bien, como su nombre en sí, el Smut of the Subway se transfigura en algún espacio creativo celestial.

Además, esa historia casi comenzó con el terciopelo subterráneo. En 1965, la cineasta Barbara Rubin había arrastrado a su amigo Andy Warhol a las entrañas de una barra de buceo de Nueva York para tomar un concierto. Warhol fue cautivado instantáneamente por los iconoclastos rítmicos que hacen referencias abiertas a drogas duras y sadomasoquismo. Según todos los informes, también parecía sentir un parentesco con la indiferente falta de mierda de Reed en el centro. Afortunadamente, para los escritores de música que producen cliché, el día aún no ha llegado a donde no se puede llamar antes de su tiempo (supongo que algunas cosas están cliché con buenas razones).

(Crédito: Cotilion)

[1971] Piezas de hombre -Gil Scott-Heron

Cualquier registro que inventara RAP una década completa antes del hecho es digno de elogio por su avance de vanguardia solo. Sin embargo, la belleza de Piezas de hombre es que abarca los límites del género, el estilo y la intención de la próxima semana sin romper su ritmo veraniego perfecto. Este es el sonido de un futuro que todavía no nos hemos dado cuenta y es tan relajante y afirmativo como una taza de té.

Como el líder de la vergüenza, Charlie Steen, opinó cuando recientemente hablamos con él: las palabras, el ritmo y el tema de los temas de que Scott-Heron Tackle y Masters son lo que hace que sea una fuerza imparable, un poeta indudable y un genio ... Su inspiración y su influencia se pueden ver en lícistas y artistas hasta el día de hoy y su trabajo para siempre vivirá para siempre. La valentía involucrada en la honestidad y la verdad nunca debe pasarse por alto o poco valorada, su rareza es lo que lo hace tan especial e importante.

Más allá de ese atrevido brillo que capturó las fracturadas esquinas de las calles de Manhattan y las hizo iluminando en una prosa perfecta, hay algo totémico en su trabajo. Como dijo su viejo amigo de la Universidad Johns Hopkins, Dr. Ron,: si David colgó una roca y golpeó a Goliat en el centro de la cabeza, así es como la Biblia lo describió, y se fue. Y luego [David] se acercó y tomó una espada que era más grande de lo que era y se cortó la cabeza. Si viste a alguien hacer eso, casi pase lo que pase más tarde, [aplaudirías]. [Gil Scott-Heron] fue David para mí!

E incluso más allá de eso, era algo a lo que los críticos nunca dan suficiente crédito: era de manera inefable Frío . No es impertinente o juvenil, la frescura requiere un ojo para la cultura evolucionada y un sentido infalible de individualismo sincero. Scott-Heron lo tenía en espadas y se eleva a lo largo de su sonido humildemente arrogante.

(Crédito: Flying Dutchman)

[1973] Muñecas de Nueva York - Muñecas de Nueva York

Si Simon

Las muñecas de Nueva York tienen un linaje directo para el primer brote verdadero de Punk. Cada club necesita una casa club, y el epicentro de Punk era la Gran Manzana; Más específicamente, fue el CBGB. Las muñecas siguieron la misma ruta que los Stooges, reclamando los principios originales del rock roll ’roll con más atmósfera y actitud que los niños de berrinches de un estadio repleto de Wembley. Llegaron a todos sus viejos héroes a una especie de agitador de bricolaje, bañados en la inherente escena artística de Nueva York, anarquía y la derramaron sobre un cable vivo en actuaciones alimentadas por drogas eléctricamente chambólicas.

Como su líder, Johnny Thunders, dijo una vez: las muñecas fueron una actitud, si nada más, fueron una gran actitud. La actitud es el rey en su debut homónimo. Su descuido musical y la convicción enloquecida de la juventud fue su primer y único punto. En ese sentido, desafía el análisis musicológico, no tiene sentido hablar de discordancia o estructura de la canción, hace que esas medidas parezcan juzgar una hamburguesa por el contenido nutricional. Esta era una comida sónica grasa de la variedad más sabrosa.

(Crédito: Mercury Records)

[1975] Caballos - Patti Smith

Punk, por definición, no se puede fijar en una sola persona; Se arrastró desde las profundidades de la roca y el rollo aterrizó después del deslizamiento prelapsario de los años 60 y gruñó como una cena descuidada a esa pérdida de inocencia. Llegó vestido en pantalones de tubería de drenaje y cuero copioso, y necesitaba una mano enriquecedora.

Patti Smith era esa mano enriquecedora. Y agregó una intención grandiosa al esfuerzo juvenil. Era como si los que vinieron antes de ella hubieran inventado la rueda, pero simplemente la estaban rodando cuesta abajo para reír. Como dijo Smith: era joven, pero sentí que nuestra voz cultural estaba en peligro y necesitaba una infusión de nuevas personas e ideas. No sentí que yo fuera yo. No me consideré músico de ninguna manera, pero era poeta e intérprete, y sentí que entendía dónde estábamos, qué nos habían dado y dónde deberíamos ir, y si pudiera expresarlo, tal vez podría inspirar a la próxima generación. Esta fue la maternidad que el punk necesitaba, y fue la proliferación de conmutador de Patti lo que la catapultó de skylarking a una voz creativa vital.

En sus palabras, ella habla a un nivel superior, uno al que pertenece y es de arte. También es uno que trasciende los límites punk de la orina, la escupida y los tópicos y disfruta en la necesidad de libertad para crear, libertad para tener éxito, libertad para no tener éxito, libertad para ser quien eres.

La madrina de Punk siempre ha sido sobre lo que sucede después en una carrera en constante evolución, y es con este dedo a la actitud de pulso y la pasión por la autoexpresión de que Patti Smith salvó el rock and roll. En resumen, Punk hizo que las guitarras fueran divertidas nuevamente - Caballos Era central no solo para eso, sino también asegurándose de que tuviera un casco de choque para proteger su columna vertebral cerebral a medida que avanzaba en el futuro. Cualquiera que alguna vez dijo que la poesía era aburrida de escuchar y llorar.

(Crédito: Arista)

[1976] Ramones - Ramones

El atractivo atemporal de los Ramones fue mejor resumido por el poeta punk británico, John Cooper Clarke, quien escribió en el Ramones Fanzine, Pegamento , La siguiente pieza de punk de punk proclamando prosa: a fines de 1975, leí un artículo sobre The Ramones, una pandilla de cuatro hombres de Queens. Mucho se hizo de su forma escénica asocial y la velocidad y brevedad de sus canciones. […] Compré el LP. Los Ramones fueron y son un entusiasmo mío. Entendieron que era mejor tener letras inteligentes sobre temas idiotas que al revés.

Este estridente estilo de composición de canciones del sabueso medio afgano, el científico medio loco cruzó a Joey Ramone, y la ventaja despreocupada pronto fluiría de los estados a Inglaterra, donde las pistolas de sexo recogieron el aroma. Según los informes, en su primer concierto desenfrenado, un francés presente a Steve Jones gritando: ¡No puedes jugar! A lo que Steve Jones respondió: ¡Y qué!. El resto, como dicen, es la historia antigua y gran parte de ella fue diseñado a la imagen de los Ramones.

Este álbum podría haber cambiado solo alrededor de 5,000 copias en su primer año, pero esa es a menudo The New York Way. Desde entonces, se ha convertido en un gran impacto y convirtió a los Ramones en leyendas. Todo sobre su registro debut ahora es icónico; la imagen de portada, tomada por la fotógrafa más importante de Punk, Roberta Bayley, por solo $ 125; El sonido basura grabado en siete días con un escaso presupuesto de $ 6,400; Incluso la composición de canciones de Fire Quickfire. Todo sobre el álbum es la quintaesencia del punk tal como lo conocemos, y se burló de la burguesía de rock prog-rock de tal manera que nunca podría recuperarse.

jerome jesse berry

(Crédito: registros del padre)

[1977] Luna de marquesina - Televisión

Mientras el viento de arbuste que las muñecas de Nueva York se habían movido en movimiento rápidamente comenzaron a levantar árboles y formar una nueva locura de punk, Patti Smith estaba trabajando como periodista. En un momento, se acercaba para ver una banda llamada televisión en un club poco conocido Ganando tracción lentamente llamado CBGB .

Como significante de la intención artística de la banda que actúa esa noche, una pared de televisores se apilaría detrás de ellos, cada uno mostrando diferentes canales, excepto uno, con buen gusto fuera del centro que mostraba algo similar a las imágenes de CCTV de David Lynch-esque de la propia CBGB. Ya sea que lo dijeron o no de esta manera, este parecía ser el ideal realizado de los ritmos originales de Nueva York que tenían como objetivo capturar la cultura original de la gente en el ala.

La pieza de Patti Smith se titulará: Televisión: Fuentes del cielo. Y una de las declaraciones más proto-punk se lee en la pieza: la energía sexual confundida hace que los jóvenes sean tan deseables; su forma descuidada de vestirse; su extraña forma de caminar; lleno de tanto anhelo. Simplemente implacablemente adolescente. Teniendo en cuenta esto en un momento en que solo tenían las muñecas de Nueva York y los Ramones para la Compañía, este espíritu juvenil exhibido con orgullo por la televisión era casi la fuerza punk prometeeana.

Esa energía tardó tres años en madurar hacia una obra maestra. Cada elemento maravilloso del movimiento está retorcido en el lienzo de Marca lunar , hasta tal punto que podría dejar caer una bomba de diez toneladas en el guante giratorio del vinilo y nunca escucharla golpear el fondo. Hay algunos críticos que extrañan el punto de la escena de CBGB y piensan que las bandas estaban haciendo un movimiento , no música. Luna de marquesina Torres sobre comentarios tan vacíos como un edificio de creatividad desenfrenada.

Recuerdo cuando escuché por primera vez que es una oración rara en la música, pero las notas de la canción de la canción del título son una lluvia sonora celestial que es poco probable que olvide. Hay algo amorfo en la ola de sonido a lo largo del disco, empuja y empuja de la mejor manera posible, como quedar atrapado en el tipo de nocturna interminable de Bob Dylan con Mr Tambourine Man.

(Crédito: Elektra Records)

[1977] Elegante - Chic

Disco y Punk son simplemente lados diferentes de la misma moneda y si Luna de marquesina fue un acto de refinamiento, luego el esfuerzo homónimo de 1977 de Chic sirvió un plato perfectamente sazonado sin tener que recortar ninguna grasa. Con solo siete pistas definió el nuevo sonido del fin de semana más moderno de la ciudad.

Mirando hacia atrás, es casi desconcertante que se produjera tanta innovación musical en un solo lugar en cuestión de años. Para este registro, Rodgers aprovechó lo que había escuchado como un títere invisible escondido detrás de una cortina del futuro. Como dijo una vez: parece que mi trabajo es apoyar a las personas. Apoyo a grandes artistas. Cuando trabajé con una sinfonía, me senté en la tercera silla, no en la primera silla. En un meta de sentido, el registro incluso apoya a las personas hacia la alcance de la exultación vital de fin de semana en medio de tiempos muy difíciles.

Al igual que con todo el trabajo de Nile Rodgers, hay tanta musicología para diseccionar, pero tan pronto como intentas profundizar en el guizador giratorio del sonido que te golpea con un juguetón comedia de Yowsah, Yowsah, Yowsah y de repente piensas, ¿Por qué molestarse?, Incluso si quisieras una pista como Rodgers, nunca podrías, él no podría jugar con tanta facilidad. Es el mismo sentido único de diversión natural lo que se filtra en el disco y da como resultado música con cualidades casi medicinales.

(Crédito: Atlántico)

[1978] Líneas paralelas - Blondie

La escena punk que explotó en la ciudad de Nueva York fue la caja de música de Pandora. Una vez que se abrió, nunca volvió a entrar, y a medida que estalló en brillantez, inmediatamente salió a una miríada de direcciones de música mágica. Blondie lo mezcló con pop con aplomo y en el proceso ayudó a generar una cresta de las bandas de New Wave a partir de entonces.

Punk había producido algunas canciones increíbles para el tiempo Líneas paralelas fue lanzado y, de hecho, tenía Blondie, pero ahora el género tenía singles reconocibles como un testimonio de su desarrollo. Las pistas como Heart of Glass y de una forma u otra se dispararon de radios y colgaban en sus oídos, como cambiar la altitud como el momento ascendente cuando el punk se encontraba con un pronunciado cenit de refinamiento artístico.

Sin embargo, en lugar de templar su vanguardia, simplemente hizo que la fiesta fuera un poco más alo. Nueva York estaba cambiando, como la obra de arte de Jean-Michel Basquiat, estaba descubriendo una forma de agregar color al concreto fracturado. La portada de Líneas paralelas Podría ser monocromo, pero trajo los flashes vibrantes de los gritos de brillo al subterráneo. ¡Y chico se veían bien!

(Crédito: Chrysalis Records)

[1979] Miedo a la música - Cabezas parlantes

De vez en cuando, la música necesita a alguien para que venga, agarrarlo por las solapas y atacarlo como un pinball en el juego durante un terremoto. Incluso dentro de la vorágine de Punk de Promethean, las formas de las escuelas de arte de las cabezas parlantes de alguna manera aterrizaron como un toque frío de agua a la cara de cualquier persona con el dedo firmemente al pulso.

Sin embargo, las cabezas parlantes no dispararon exactamente a la industria como una manguera de poder. David Byrne y la banda se abrieron más para la industria de la música, se presentaron como una presencia intergaláctica, lo acompañaron de la mano a la pista de baile y le mostró cómo hacer un floppy. Como la bajista Tina Weymouth dijo una vez, cuando comenzó las cabezas parlantes, nos llamamos pensando la música de baile del hombre.

Este elemento intergaláctico preside la obra maestra Miedo a la música . Byrne parecía ver al mundo como un señor de la escuela de arte. Eran una banda de paria de forajidos creativos y en su historia de asalto grave de asalto grave contra la banalidad, nunca perdieron su ventaja de hombre pensante. La canción Life durante la guerra de su obra maestra de 1979 Miedo a la música es testimonio de esto.

No hay una banda en el mundo que pueda enfrentarse a la ideología terrorista de Left Berlín West Berlín Grupo Bolnevistic Baader-Meinhof, transpone la evaluación política a un beat disco y no pierde el borde visceral de ninguno de los elementos. Lejos de ser una sátira descuidada que extraña la naturaleza seria del grupo destructivo en una canción despreocupada, la banda se acerca al sujeto juiciosamente y alberga las observaciones inteligentes de Byrne en una morada jazz legítima. Esto continúa en uno de los mejores álbumes.

(Crédito: registros del padre)