Las 50 mejores películas del cine japonés

A menudo se siente que Japón ha perfeccionado cualquier cultura que haya asimilado a lo largo de su historia moderna. Ya sea en la cocina o en las artes, la sociedad japonesa ha asumido el desafío de elaborar belleza genuina con un significado poderoso, y en casi ningún otro medio es esto más evidente que en el cine.

Se han realizado películas en Japón desde finales del siglo XIX, y con una historia cinematográfica que se extiende más de 100 años, Japón posee una de las industrias cinematográficas más importantes del mundo. Es el centro de algunas de las mejores obras de cine jamás realizadas y también cuenta con una escena contemporánea muy impresionante para arrancar.

La edad de oro del cine japonés vio a personajes como las películas de Samurai de Akira Kurosawa y las películas monstruosas de Ishiro Honda salen a la luz. En otros lugares, los dramas familiares de Yasujirō Ozu son algunas de las películas más aclamadas e influyentes en la historia del cine, inspirando a innumerables cineastas japoneses de las generaciones anteriores.

El cine japonés está lleno de horror psicológico de vanguardia, drama romántico conmovedor, comedia de división lateral, celebraciones de la rica cocina de Japón y las epopeyas históricas que examinan los momentos clave del pasado del país asiático. Revela una nación con un amplio interés tanto en la cultura como en la historia.

Hemos compilado una lista de las mejores películas en la historia del cine japonés, incluidos los de algunos de los directores de cine más famosos que jamás hayan llevado la cámara a un puñado de íconos modernos que han llevado el medio a nuevas fronteras artísticas.

Las 50 mejores películas japonesas:

50. Ichi el asesino (Takashi Miike, 2001)

Comenzamos quizás con la entrada más visceral e impactante en esta lista de grandes cinematográficos japoneses. Basado en el manga de Hideo Yamamoto, Takashi Miike Ichi el asesino sigue a un hombre trastornado que se ve obligado a matar miembros del yakuza y un criminal sadomasoquista que está buscando a su jefe desaparecido.

La violencia extrema atraviesa Ichi el asesino , que coquetea entre la acción de alto octanaje y el horror horrible, detalles en un estilo visual llamativo y rápido. Un culto que siguió rápidamente llegó para la tortura y sádica demostración que fue prohibida en muchos países al ser lanzado. Aún así, esa misma violencia hace que la película de Miike valga la pena el doloroso viaje.

49. La animatriz (Varios, 2003)

¿Cómo podrían hacer las hermanas Wachowski alguna vez? La matriz aún mejor? Bueno, al contratar algunos de los nombres más importantes del anime japonés para entregar una película de antología ambientada en su universo y contar algunas historias de ciencia ficción muy intensas, por supuesto. Con 2003 La animatriz , El dúo de dirección hizo exactamente eso.

Los gustos de Mahiro Maeda, Vaquero S Shinichiro Watanabe, Yoshiaki Kawajiri, Takeshi Koike y Koji Morimoto se unieron La animatriz y tejió la historia de cómo la matriz fue creada por las máquinas y profundizó en lo que sus sujetos experimentaron dentro de sus realidades simuladas. Una parte esencial de más ancho Matriz rompecabezas, seguro.

48. Sexo y furia (Norifumi Suzuki, 1973)

En 1973, el cine japonés obtuvo una de sus mejores películas de explotación con una fuerte inclinación del erotismo. Película de Norifumi Sexo y furia es una película gráfica de los estándares de la década de 1970 y se lleva a cabo en el siglo XX, centrándose en un jugador y carterista llamado Ocho Inoshika, que busca venganza contra los que asesinaron a su padre.

Cada momento de acción coreografiada se encuentra con un destello de desnudez, aumentando las cualidades dramáticas y sensacionalistas de la película. Un clásico en el género de explotación y ciertamente uno de los trabajos más elegantes en la categoría cinematográfica, Sexo y furia es un trabajo brillante que vio al actor Reiko Ike trascender las normas de género de mediados del siglo XX.

47. Confesiones (Tetsuya Nakashima, 2010)

Basado en la novela de Kanae Minato del mismo nombre, el thriller psicológico 2010 de Tetsuya Nakashima Confesiones es una historia impactante de venganza. El maestro Yuko Moriguchi vive en trauma y dolor después de la muerte de su pequeña hija, pero se revela lentamente que su muerte fue un asesinato infligido por dos de sus alumnos.

A pesar de su profesión, Moriguchi se propone una búsqueda de venganza, lo que lleva a una audiencia cuestionando su moralidad a medida que su manipulación psicológica entra en vigencia. Al usar múltiples perspectivas, Nakashima ofrece una sorprendente pieza de cine que se sumerge en los temas de culpa y venganza y desafía a los espectadores a considerar su propia moralidad a la luz de la tragedia.

46. Batallas sin honor y humanidad (Kinji Fukasaku, 1973)

Si una película de Yakuza sombría, cruel y violenta es lo que necesitas, entonces la película de 1973 de Kinji Fukasaku Batallas sin honor y humanidad es lo que necesitas. Comenzando la serie de películas de cinco partes que el director hizo en solo dos años, el primero es un trabajo absolutamente seminal del cine Yakuza basado en las cuentas de la vida real del periodista Koichi Iiboshi.

La película se centra en Shozo Hirono de Bunta Sugawara, un ex soldado que se ha envuelto en el mundo de las organizaciones Yakuza de Hiroshima. Fukasaku captura la violencia y la batalla por el poder en una autenticidad casi documental, que muestra los tratos del inframundo criminal japonés en un estilo crudo e inquebrantable, una arena que se aparta de los primeros esfuerzos del género.

45. En el reino de los sentidos (Nagisa Oshima, 1976)

Rápidamente la empresa más erótica que se encuentra en esta lista, Nagisa Oshima's En el reino de los sentidos Cuenta con el hecho de que presenta escenas de sexo no simuladas. Basado en la historia de Sada Abe, una ex trabajadora sexual que se involucró en un asunto asesino con un político japonés en la década de 1930, la película de Oshima retrata la intensa relación sexual entre Abe y Kichizo Ishida.

Al empujar naturalmente los límites de la censura a mediados de la década de 1970, la sexualidad corre a través de En el reino de los sentidos , aunque no es simplemente un trabajo pornográfico. En cambio, los temas de deseo, relaciones y poder se exploran en la mayor seriedad, aunque se necesitaba una coproducción con Francia para que se lanzara la película erótica.

44. Frijol dulce (Naomi Kawase, 2015)

Bueno, después de todo ese sexo, violencia y venganza, tal vez es hora de que algo sea un poco más dulce para aligerar la paleta. Afortunadamente, la película de drama 2015 de Naomi Kawase Frijol dulce es el antídoto perfecto para un cine tan desgarrador. Cuenta la historia de un dueño de una tienda de panqueques japonesa y una anciana que lo ayuda a mejorar su receta de pasta de frijoles dulces.

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Kawase explora conmovedor los temas de la conexión interpersonal y el tipo de belleza que a fuego lento debajo de la banalidad de nuestra existencia cotidiana . Una obra sorprendentemente hermosa y paciente de la película japonesa que engrane el alma y trae calor al corazón, Frijol dulce No se puede perder, habiendo abierto la sección de cierta consideración en el Festival de Cine de Cannes 2015.

43. Exposición al amor (Sion son, 2008)

Estamos acostumbrados a ser películas de la variedad épica dramas históricos barridos , pero con 2008 Exposición al amor , Sion Sono entregó un drama moderno de comedia con un enorme tiempo de ejecución de cuatro horas. Una pieza estatal de cine, Sono combina todos los modales de estilos y géneros para emitir una historia surrealista de amor y pecado.

En esencia, la película sigue a un joven adolescente que intenta apaciguar los deseos de su padre católico para confesar sus pecados. Con poco que confesar, comienza a participar en el crimen de la fotografía de upskirt antes de encontrarse a merced de un culto religioso peculiar. Si todo eso suena extraño, eso es porque Exposición al amor Absolutamente es, pero su valiente singularidad es precisamente lo que gana su lugar en esta lista.

42. El fin de la evangelión (Hideki Anno, 1997)

La serie de anime Neon Genesis Evangelion estaba cayendo como uno de los mejores de su tipo. Sin embargo, los últimos dos episodios del programa se entregaron en un estilo abstracto extraño, lo que llevó a una gran reacción de los fanáticos. En respuesta, el creador Hideki Anno hizo y lanzó la película de 1997 El fin de la evangelión Para hacer las paces y terminar las cosas correctamente.

Como en la serie principal, la película de Anno se centra en el aislamiento y la agitación emocional del protagonista Shinji Ikari, ya que ayuda a la humanidad a luchar por su existencia contra los ángeles extraños y peligrosos. Al detallar el proyecto de instrumentalidad humana, Anno no solo cumplió con su legendaria serie de anime, sino que también aprovechó los temas de existencia y soledad en igual medida. Es un final apropiado para uno de los grandes de todos los tiempos.

41. Días perfectos (Wim Wenders, 2023)

Una rareza absoluta para que un director no japonés llegue a una lista de cine japonesa, pero considerando la coproducción japonesa de Wim Wenders ‘ Días perfectos Y el hecho de que es tan bueno, no es sorprendente encontrar la película de drama 2023 aquí. Una película encantadora protagonizada por Koji Yakusho, Días perfectos Explora cómo encontrar la felicidad.

El protagonista Hirayama es un limpiador de baño público de Tokio que pasa sus días simples leyendo, escuchando música rock y bañándose en su local Siento . Mientras que muchos de nosotros encontraríamos esto completamente aburrido, Wenders muestra que Hay belleza y alegría en el ritual de lo mundano . Días perfectos es un trabajo notable que nos muestra la importancia de aceptar nuestras pequeñas posiciones personales en el mundo y es una visión realmente esencial en la era moderna.

40. Esposa de un espía (Kiyoshi Kurosawa, 2020)

Parte de thriller de espionaje y parcialmente drama de relación, Kiyoshi Kurosawa Esposa de un espía Tiene una delicada aguja tonal para enhebrar, pero la saca magistralmente.

Satoko Fukuhara de Yu Aoi se vuelve cada vez más sospechoso de las actividades extracurriculares de su esposo, llegando a la conclusión de que el cónyuge de Issey Takahashi, Yusaku, no es bueno. Sus preocupaciones apenas están mal fundadas, instigando un juego de gato y ratón donde ambos ocultan sus verdaderas intenciones.

Inspirado en una historia real y Hitchcockian en su ejecución, Esposa de un espía Pita a sus dos protagonistas entre sí sin que uno de ellos se diga, haciéndose eco de la incertidumbre de la sociedad de la guerra a través de la lente de un misterio atractivo.

39. Princesa Mononoke (Hayao Miyazaki, 1997)

El estilo exclusivo del legendario Hayao Miyazaki está en plena exhibición en la atractiva fantasía histórica Princesa Mononoke , que estableció récords de taquilla en Japón que no se romperían hasta que el cineasta lo hizo él mismo cuatro años después con Enérgico .

Llevando fuertes paralelos ambientales que son tan resonantes hoy como lo fueron hace más de un cuarto de siglo, el joven príncipe Ashitaka se encuentra atrapado en una lucha entre los dioses del bosque y la humanidad, que continúan desperdiciando los recursos naturales de la tierra sin preocupación por nadie más.

Una obra maestra temáticamente rica y visualmente impresionante, Princesa Mononoke destila la brújula moral de Miyazaki en 133 minutos de genio animado, convirtiéndolo Uno de los mejores trabajos de la figura legendaria.

38. Legumbres (Kiyoshi Kurosawa, 2001)

Una entrada temprana en el subgénero Techno-Horror, Kiyoshi Kurosawa Legumbres Convierte Internet en un villano mucho antes de que los peligros de estar crónicamente en línea fueran tan frecuentes como lo son ahora.

Sería un mal servicio llamarlo ‘ Anillo , pero en línea , aunque era fácil ver cómo se dibujaron esos paralelos. El estudiante universitario de Kenji Mizuhashi, Taguchi, se suicida a instigar a varios residentes de Tokio traumatizados por visiones transmitidas a través de Internet, lo que se convierte en un campo de caza para espíritus nefastos.

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Más preocupado por el poder de la sugerencia que salpicar la pantalla con sangre, intestinos y sangre, Legumbres Capitaliza hábilmente en el Gran Desconocido de la Internet de principios de la década de 2000 a los niveles de tensión temblores exactos de su premisa inspirada.

37. Vagabundo (Seijun Suzuki, 1966)

La lista de películas hechas sobre el yakuza es exhaustiva, por decir lo menos, pero pocas, si es que hay alguna, han logrado desaprobar a Seijun Suzuki's Vagabundo desde su asiento como el thriller de crimen más vibrante del cine japonés.

En deuda con el clásico occidental, el cineasta usa esas inspiraciones en su manga tanto sutil y descarada, ya sea que sea el protagonista Tetsuya Hondo Whistling como un vaquero clásico mientras se lleva su negocio o una pelea de bares salidas de un viejo salón oeste.

Inteligente, elegante y dependiente de temas familiares de lealtad y tradición, Vagabundo Tanto abraza como subvertidos los tropos y adornos familiares de la película de Yakuza Presentar algo que es intencionalmente arquetípico y completamente único.

36. El ejército desnudo del emperador marcha en (Kazuo Hara, 1987)

Una base fascinante para un documental, el director Kazuo Hara no llega tan lejos como para alentar o explorar el sujeto Kenzo Okuzaki, sino que simplemente le permite hacer su negocio de tratar de curar viejas heridas y obtener las respuestas que ha estado buscando desde la Segunda Guerra Mundial.

Está lejos de la plantilla estándar para un documento de larga duración. El ejército desnudo del emperador marcha en Prospera en la yuxtaposición entre sus simplicidades y complejidades. El cineasta no es un participante activo sino un observador, con la misión de Okuzaki lo suficientemente absorbente como para hundir sus ganchos en la audiencia.

El ex soldado, el autoproclamado anarquista y el firme antimonarquista culparon al emperador Showa por todo el sufrimiento experimentado durante la guerra, lo que lo llevó a localizar al ex personal militar para tratar de averiguar qué sucedió con un par de soldados en su unidad que murieron una muerte inexplicada. La furia es palpable, y su viaje es asombroso hasta la escena final.

35. Hausu (Nobuhiko Obayashi, 1977)

Una terror-comedia trastornada, se ha convertido en parte de Hausu La leyenda de que Nobuhiko Obayashi fue abordado inicialmente por Toho para tratar de emular la de Steven Spielberg Fauces , solo para que el cineasta tenga algo completamente diferente en mente.

Lo que tenía en mente era un clásico de culto de piedra que ha cautivado varias generaciones gracias en gran parte al gran volumen de lo que se exhibe en exhibición, con el enfoque de la rareza de la cocina sin dejar piedra sin mover en su búsqueda de la perfección fuera de la pared.

Ardellado en una mansión remota, la protagonista de Kimiko Ikegami y sus seis amigos se encuentran sumidos en la lucha sobrenatural de sus vidas. Ridículo de mil maneras diferentes e imaginativo En muchas más, es un vuelo de fantasía de más que es tan audaz como experimental.

34. Lady Snowblood (Toshiya Fujita, 1973)

Tan influyente que Quentin Tarantino lo usó como base para el enfrentamiento climático en Kill Bill: Vol. 1 ; Dama Calmante Entregó un rugido de venganza décadas antes de que la novia fuera un brillo en el ojo de Uma Thurman, y puede haberlo hecho mejor.

Nacido en la prisión y destinado a cumplir con el deseo de su madre que exige su venganza de los responsables de su situación, Yuki Kashima de Meiko Kaji crece para desperdiciar a cualquiera que se interponga en su camino, independientemente de si son o no los culpables o no que dedican su vida a desmantelar.

Más que una simple película de acción, Lady Snowblood Nunca pierde la vista de la tragedia que dio forma a su personaje principal en la despiadada máquina de matar en la que se convirtió, mientras que las piezas establecidas en sí están orquestadas con ballet, precisión salpicada de sangre.

33. Tetsuo: The Iron Man (Shinya Tsukamoto, 1989)

Otro favorito de Quentin Tarantino, Tetsuo: The Iron Man La ciencia ficción fusionada y el horror corporal en una extensión sorprendente, sin nada que se considera fuera de los límites para la visión del cineasta inconformista Shinya Tsukamoto, quien nunca tuvo un escenario de mal gusto, no se comprometería con el celuloide.

Gloriosamente indescriptible, la primera entrega en lo que finalmente se convirtió en una trilogía de pinballs, desde psicosexualidad y fetichismo hasta ciberpunk y regresa nuevamente, lanzando latigazos de temor existencial y momentos que revuelven el estómago en buena medida. Es una receta que de manera realista no debería funcionar, pero oh chico, seguro que sí.

Es el tipo de película en la que nadie se vendería si les explicas la trama con una cara seria, pero algunas películas son tan extrañas que necesitan ser experimentadas y la única en su tipo. Tetsuo: The Iron Man Encaja perfectamente en ese soporte.

32. La cara de otro (Hiroshi Tenagara, 1966)

Parte de la nueva ola japonesa, Hiroshi Teshigahara La cara de otro Adapta hábilmente la novela de Kobo Abe del mismo nombre en una parábola social y social que sigue siendo tan potente ahora como lo hizo en la década de 1960.

Las quemaduras severas sufridas por el ingeniero, el Sr. Okuyama, lo dejan sintiéndose cada vez más aislado y ostracado mientras continúa usando vendajes en su rostro antes de una sesión con su psiquiatra alienta a intentar literalmente una nueva cara para ver si su situación mejorará.

Lo hace, pero hay consecuencias para la decisión de Okuyama de aceptar su máscara como esencia de su personalidad. En un mundo donde la identidad personal y el individualismo continúan luchando por destacarse en una sociedad de producción en masa, en todo caso, el mensaje en el corazón de La cara de otro Solo se vuelve más poderosamente presciente con el tiempo.

31. Mishima: una vida en cuatro capítulos (Paul Schrader, 1985)

Taxista El drama biográfico del escritor Paul Schrader que rastrea la vida y los tiempos de Yukio Mishima de múltiples talentos puede presumir de un pedigrí en Estados Unidos serio, pero está lejos de ser cualquier cosa que se aproxime a una película biográfica estándar de Hollywood.

Zoetrope Studios de Francis Ford Coppola y Lucasfilm de George Lucas respaldaron la producción, pero refleja mucho la visión de Schrader. Podría ser una película biográfica en el sentido más verdadero de la palabra, pero Mishima: una vida en cuatro capítulos adopta un enfoque de su narración tan enigmática como el sujeto.

Utilizando incidentes de la vida de Mishima intercalados con pasajes dramatizados de varios de sus libros para difuminar las líneas entre los hechos y la ficción, el experimento no estructurado no estructurado encuentra a Schrader en su dirección más vanguardista, con su pasión por el punto focal de la película que brilla en cada cuadro.

30. Oniibaba (Kaneto Shindo, 1964)

El cine japonés ha sido defendido por sus contribuciones al mundo del horror, con la película de 1964 de Kaneto Shindo Oniibaba Ser una de las mejores ofertas del país. Celebrada en todo el mundo, la película cuenta la historia de dos mujeres que matan samurai y venden sus desgaste por dinero, un comercio dudoso que sale mal cuando uno de los delincuentes se enfrenta cara a cara con una figura extraña en la hierba alta con una máscara demoníaca.

Un texto clave de terror folk, Oniibaba es una película sorprendentemente espeluznante que ha sufrido la prueba del tiempo con una increíble durabilidad. Todavía relevante en el cine contemporáneo, la estrella de Hollywood Willem Defoe declaró recientemente que le encantaría rehacer el clásico.

29. Hora feliz (Ryusuke Hamaguchi, 2015)

Si bien la mayoría de las películas en esta lista son clásicos del siglo XX, el cine japonés contemporáneo también ha ofrecido varias gemas. Piís maestra de Ryusuke Hamaguchi 2015, Hora feliz , es un gran ejemplo, y la película es un drama de combustión lenta sobre la vida de un grupo de mujeres en una ciudad costera a medida que crecen juntas y separadas con los vientos de las amistades cambiantes.

Un drama emocional y profundamente sensible sobre el desafío psicológico de envejecer, Hora feliz despliegue en el transcurso de cinco horas Pero te deja pensando que podrías quedarte con el grupo para siempre.

28. Cesta (Masaki Kobayashi, 1964)

Reconocido como una de las mejores películas de terror jamás realizadas, la película de 1964 de Masaki Kobayashi Kwaiden es una historia de antología que profundiza en varias historias de terror cortas de las páginas del folklore japonés histórico. Con un estilo espeluznante e inquietante, Cesta es una pieza de cine atemporal que se siente cruda y distintiva, como si hubiera venido de la tierra de Japón, que se distingue enormemente de las películas de género llamativas de Hollywood.

Adorado en todo el mundo del cine, el compañero director de terror Ari Aster fue en cuanto a decir eso Kwaiden Fue la película de terror más impresionantemente hermosa jamás realizada, y agregó que era etéreo e inquietante y poseía un compromiso totalmente devorado con el artificio.

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27. Godzilla (Ishiro Honda, 1954)

De todas las películas en esta lista de increíbles cine japoneses, la película Monster Godzilla Puede ser el más influyente de todo el grupo. Provocar un interés en las criaturas cinematográficas colosas en todo el mundo, Godzilla Nació de los devastadores bombardeos nucleares de Hiroshima y Nagasaki durante las etapas finales de la Segunda Guerra Mundial, contando la historia de una enorme bestia de lagarto que libera terror a través de Tokio mientras los científicos intentan descubrir cómo manejar a la criatura.

Mientras que en el cine contemporáneo, Godzilla es mejor conocido por disparar a los láseres por la boca , en la película original, el coloso titular fue un recordatorio conmovedor de la devastadora destrucción de las armas nucleares y lo que está más allá de la comprensión humana.

26. Anillo (Hideo Nakata, 1998)

A lo largo de la historia moderna de Japón, las películas de terror han demostrado ser muy populares e influyentes. Pocas obras se han vuelto tan inspiradoras o memorables como la película de terror psicológico sobrenatural de Hideo Nakata en 1998 Anillo , sin duda, una de las piezas más notorias de los esfuerzos cinematográficos del país.

Protagonizada por Nanako Matsushima, Miki Nakatani y Hiroyuki Sanada y basada en la novela de 1991 de Koji Suzuki, Anillo sigue a un periodista en una carrera para descubrir la misteriosa verdad Detrás de una extraña cinta de video. La cinta maldice a cualquiera que la mira, haciéndolos morir exactamente siete días después de hacerlo.

Anillo , junto con Kiyoshi Kurosawa Curar Y Takeshi Miike Audición , ayudó a popularizar a J-Horror, y naturalmente, siguieron una serie de remakes estadounidenses. Sin embargo, el original es, sin duda, el mejor del lote. Debería ser defendido por sus cualidades influyentes y porque es una película de terror tan aterradora y realista.

25. Nadie lo sabe (Hirokazu Koreeda, 2004)

Sin lugar a dudas, uno de los mejores cineastas contemporáneos de Japón, Hirokazu Koreeda es responsable de crear algunas de las representaciones más tiernas de la dinámica familiar jamás puesta al celuloide. Su película de 2004 Nadie lo sabe fue uno de sus primeros éxitos, con el notable drama que cuenta la historia de un niño que se ve obligado a cuidar a sus hermanos después de que su madre se va abruptamente y sin dejar rastro.

Alguna vez capaz de acceder sin esfuerzo a la belleza innata de una historia a través de delicados trabajo de cámara, la película de Kore-Eda en 2004 es uno de sus mejores logros, hablando de la pérdida de inocencia y los lazos de la familia que nos unen en la mente, el cuerpo y el alma. Más que cualquier otro, Koreeda tiene la capacidad de evitar cualquier floritura cinematográfica innecesaria y llevarnos al corazón de una protagonista, donde los explora meticulosamente rasgo por rasgo.

24. Haciendo bi (Takeshi Kitano, 1997)

La mayoría de la gente reconocerá al actor y al director Takeshi Kitano de la querida película de acción Batalla real , defendido por Quentin Tarantino, pero su mejor trabajo se ha logrado desde detrás de la cámara. Una de sus mejores obras llegó en forma de 1997 Haciendo bi, Un drama criminal que rezuma estilo en su historia de Nishi, un hombre que deja la fuerza policial y se encuentra en un estado de depresión que lo lleva a tomar varias decisiones extrañas.

Usando un estilo visual evocador, Kitano cuenta una historia que se centra profundamente en el protagonista, descompone temas de mortalidad y la autenticidad de la existencia humana. La película superó las expectativas iniciales al convertirse en mucho más existenciales de lo que se había pensado anteriormente.

23. Todo sobre Lily Chou-Chou (Shunji Iwai, 2001)

Representar auténticamente a la próxima generación de adolescentes nunca ha sido una tarea fácil, pero Shunji Iwai funciona impecablemente en esta tarea en su película de 2001 Todo sobre Lily Chou-Chou. Explorando la vida de los adolescentes contemporáneos en medio del ascenso constante de la tecnología, la película de Iwai se centra en un grupo de estudiantes que consideran la música de la artista de la vida real Lily Chou-Chou como la única forma de escapar de la violencia opresiva y la alienación de la sociedad.

Una extraordinaria pieza de cine que te transporta a la mente de varios adolescentes que viven en la frontera entre los sueños y la realidad, Todo sobre Lily Chou-Chou ofrece ambas respuestas y más Preguntas sobre cómo se debe navegar por la jungla de la vida del siglo XXI.

22. Mujer en las dunas (Hiroshi Tenigahara, 1964)

El surrealismo impregna gran parte del cine japonés, con la película de 1964 de Hiroshi Teshigahara Mujer en las dunas Ser uno de los mejores ejemplos en todo el paisaje de la rica historia cinematográfica del país. El entomólogo Niki Jumpei es la figura en el centro de la extraña historia, y el personaje se encuentra atrapado en un pueblo donde se ve obligado a vivir con una mujer que palean arena, día y noche, para ganarse la vida.

Un estudio existencial de la relación de la humanidad con la naturaleza, Teshigahara teje una historia que flota dentro y fuera del paisaje de los sueños, pidiendo al público que profundice su introspección en los dilemas filosóficos de la vida misma. Una pieza distintiva de arte japonés, Mujer en las dunas es una rareza espectacular.

21. Ugetsu (Kenji Mizuguchi, 1953)

Explorando la complejidad de la naturaleza humana, Ugetsu es una magnífica odisea que profundiza en la historia de dos parejas cuyas vidas se desarrayan durante la guerra civil japonesa que ocurrió en el siglo XVI. El elegante e inquietante viaje cinematográfico toma solo 90 minutos de su tiempo, pero siente que ocupa su mente y alma durante mucho más tiempo, hablando de una verdad mortal innata que es difícil de articular.

Amado por varios cineastas aclamados, Martin Scorsese dijo una vez sobre Mizoguchi, está a la altura de Renoir y Murnau y Ford, antes de agregar, con respecto a la película, Ugetsu tiene el efecto más poderoso en mí. Hay momentos en la imagen, famosos, que he visto una y otra vez, y que siempre me dejan sin aliento.

20. Shiki-jitsu (Hideki Anno, 2000)

Poseer una alineación verdaderamente fascinante de Neon Genesis Evangelion Director Hideki Anno; actor, escritor e hija de Steven Seagal Ayako Fujitani; y Carta de amor y Todo sobre Lily Chou-Chou Cineasta shunji iwai, Shiji-jitsu es una película visualmente fascinante y narrativamente desgarradora sobre trauma, soledad y depresión.

Basado en la novela de Fujitani Fuertemente , Shiki-jitsu representa una relación a corto plazo entre un director de cine de anime deprimido y una joven enigmática, con Anno sumergiendo profundamente en la naturaleza cruel de la enfermedad mental mientras la pareja intenta ayudarse a salir de sus respectivas crisis.

Anno, conocido principalmente por sus obras de anime, muestra una notable habilidad para el marco de disparos y la cinematografía con la ayuda del director de fotografía Yuichi Nagata. Una reflexión conmovedora sobre nuestro estado psicológico moderno, Shiki-jitsu ¡Es una pieza absolutamente esencial de cine japonés contemporáneo y no debe perderse!

19. Batalla real (Kinji Fukasaku, 2000)

De hecho, una de las películas más memorables e influyentes en esta lista, lo que lleva a la creación de Los juegos del hambre y Juego de calamar y the deepest admiration of Quentin Tarantino, Kinji Fukasaku ’s Batalla real es simplemente una película que nunca se puede borrar de la mente una vez que se ha visto por primera vez.

Basado en la novela del mismo nombre de Koushun Takami en 1999, escrita para la pantalla del hijo del director, Kenta Fukasaku, Batalla real Cuenta la historia de un grupo de estudiantes de secundaria que se ven obligados a participar en un esquema de gobierno totalitario diseñado para frenar la delincuencia juvenil y detener una tasa de criminalidad creciente.

Los estudiantes son llevados a una isla remota y se les hace pelear unos a otros hasta la muerte, armados con una serie de armas mortales. Hay una impactante calidad visceral en la película de Fukasaku que lo convierte en una obra verdaderamente icónica del cine japonés y que ciertamente ha trascendido los límites culturales de su tiempo de ejecución de dos horas.

18. Tampo (Juzo Itami, 1985)

Si alguna vez hubo una película que sirve como la celebración más increíble de la experiencia alegre de comer comida, entonces es, sin duda, la película de comedia de 1985 de Juzo Itami Tampo . Considerado la primera película occidental de Ramen del mundo, una obra de palabras, por supuesto, de los Westerns de Spaghetti de Sergio Leone et al. , Tampo es una verdadera alegría para la vista.

En esencia, la película se trata de dos conductores de camiones que ayudan a un propietario viudo de una tienda de ramen deteriorado en el mejor de su tipo y lo convierten en un pináculo del arte de la fabricación de sopa de fideos. El trío se propuso visitar a muchos de sus competidores para comprender el espíritu de ramen mejor, pero hay más para Tampo de lo que sugiere su narrativa principal.

A lo largo de la película, se entregan viñetas cortas sobre las cualidades sensuales y sociopolíticas de la comida, lo que lleva a conmovedores momentos de comedia y drama. El humor y la canción tocan la naturaleza misma de la experiencia humana, haciendo Tampo Bien digno de su posición alta en medio de su indudable singularidad.

17. Audición (Takashi Miike, 1999)

Junto a Anillo , a fines de la década de 1990, vio una explosión de popularidad para el J-Horror, y una de las obras más memorables y únicas es la película de 1999 de Takashi Miike Audición . Basado en la novela de Ryu Murakami en 1997 del mismo nombre, Audición Podría ser la película más peculiar en esta lista, como se esperaba de Miike.

La película cuenta la historia de Shigeharu Aoyama, un productor de televisión viudo que, anhelando a otra esposa, decide organizar audiciones simuladas para un programa de televisión con la intención real de encontrar un nuevo socio. Durante las audiciones, Aoyama se lleva con una mujer tranquila llamada Asami Yamazaki, quien luego se revela que es violento más allá de la comprensión.

Es el ritmo de Audición Sin embargo, eso le da su calidad general, jugando con humor y romance antes de mostrar su horrible depravación como resultado del trauma infantil de Asami. La película de Miike sirve como una crítica condenatoria del poder del rol de género masculino y presenta algunas de las escenas de tortura más memorables en la historia del cine.

16. Finales de la primavera (Yasujiro Ozu, 1949)

Podría haber sido demasiado fácil cambiar esta lista en la mayoría de las obras de Yasujiro Ozu, para que su legado se convierta en uno de los mejores cineastas de Japón. Sin embargo, en nombre de un amplio atractivo, nos hemos apegado a un puñado de películas de Ozu, comenzando con su clásico de 1949 Finales de la primavera .

Basado en la novela corta de Kazuo Hirotsu Padre e hija , Finales de la primavera, los frecuentes colaboradores de Ozu Chishu Ryu y Setsuko Hara jugar en el primero de la Trilogía de Noriko del director. En el drama de 1949, Hara interpreta a una mujer de 27 años llamada Noriko, a quien muchas personas instan a casarse con alguien, pero todo lo que parece preocuparse es cuidar a su padre viudo.

Muchas de las películas de Ozu se referían a la familia nuclear japonesa y su disipación en medio de la urbanización y modernización de Japón, y Finales de la primavera es el resumen perfecto de las ambiciones temáticas del director. Ampliamente celebrado como una de las mejores películas de Ozu, Finales de la primavera es un trabajo impresionante que explora la vida cotidiana de la gente común .

15. Sansho el alguacil (Kenji Mizuguchi, 1954)

Ciertamente, uno de los cineastas japoneses más poco apreciados de todos los tiempos, Kenji Mizoguchi dominó la década de 1950 con una serie de películas clásicas, incluido el drama de 1954 Sansho el alguacil. Una obra de arte cinematográfica bellamente filmada, la película de Mizoguchi sigue a los niños que luchan por sobrevivir después de que su padre gobernante es exiliado, y gran parte de la película es una exploración profunda que accede a una notable profundidad emocional en relación con sus jóvenes personajes principales.

Filmado con largas tomas y un enfoque meticuloso para la cinematografía, Mizoguchi convierte esta historia, adaptada de una historia corta del mismo nombre de Mori ōgai, en una exploración pesada de todo, desde la compasión humana hasta la opresión social.

14. Después de la vida (Hirokazu Koreeda, 1998)

La leyenda del cine japonés moderna Hirokazu Koreeda ha demostrado su capacidad para conjurar agua ocular salada en muchas ocasiones a lo largo de su carrera, lo que lleva a un amplio reconocimiento en el Festival de Cine de Cannes. Incluso desde su segundo efecto como director, de 1998 Después de la vida , estaba claro que Japón tenía un nuevo maestro de cine.

Una película realmente impresionante que celebra simultáneamente las alegrías y las penas de la vida humana y el medio del cine en sí, Después de la vida Explora las opciones que las personas hacen en el punto medio entre la vida y la muerte. En un edificio escolar de mediados del siglo XX, los fallecidos recientemente fallecidos están hechos para elegir un solo recuerdo de sus vidas para llevarlos a la otra vida y experiencia por el resto de la eternidad.

Entonces depende de aquellos que trabajan en la estación Way para recrear la memoria en la película. Después de la vida es una obra de arte genuinamente hermosa que nos invita a reflexionar sobre lo que hace que la vida humana sea tan importante y despojar sus detalles superfluos, con Kore-Eda mostrando su destreza para atraer a nuestros corazón.

13. La condición humana (Masaki Kobayashi, 1959-61)

Un monumento genuino del cine japonés, Masaki Kobayashi's La condición humana La trilogía es un trabajo vital que explora la moralidad humana contra el contexto de la Segunda Guerra Mundial Japón. Durante casi diez horas, el agotador viaje del pacifista idealista Kaji, ya que es arrojado a la brutal realidad de la guerra se detalla de las formas más desgarradoras.

Dividido en tres partes - No hay más amor , Camino a la eternidad y La oración de un soldado - Kobayashi es el Condición humana Ve a Kaji la transición de un supervisor del campo de trabajo que intenta retener su humanidad a un soldado del ejército, donde se ponen a prueba sus ideales pacifistas. Finalmente, Kaji se convierte en prisionero de guerra, completando su fatídico viaje hacia la desesperación.

Por Detallando los horrores de la Segunda Guerra Mundial , Kobayashi muestra la preservación y el espíritu de la moral humana, incluso cuando soporta los eventos más desgarradores. Además, la trilogía de la guerra épica proporciona una crítica del totalitarismo y la creencia en la resistencia interminable de la humanidad.

12. Rashomon (Akira Kurosawa, 1950)

La primera de las películas de Akira Kurosawa en aparecer en esta lista, 1950's Rashomon Ciertamente es una de las mejores obras del autor japonés y quizás una de sus más singular también. Dar a luz al efecto Rashomon , El drama de Kurosawa oscila entre los relatos conflictivos de los presuntos testigos oculares a un asesinato forestal de un samurai en Kioto.

Protagonizada por la colaboración regular de Kurosawa Toshiro Mifune, además de Machiko Kyo, Masayuki Mori y Takashi Shimura, Kurosawa basó la película en las historias cortas de Ryunosuke Akutagawa In A Grove y Rashomon, con casi todas las facetas de la película que se dibujan de tales obras.

En el centro de Rashomon Sin embargo, es la subjetividad y la veracidad potencial de los presuntos testigos oculares, desde un monje de Kyoto hasta la esposa del samurai y el propio samurai a través de un shinto psíquico. Mientras que las películas de acción samurai de Kurosawa a menudo reciben aplausos como el mejor director, Rashomon es ciertamente una de sus películas más importantes en su tratamiento de la narración narrativa subjetiva.

11. Azul perfecto (Satoshi Kon, 1997)

Dado el hecho de que Japón se ha establecido como el rey de la animación, no es sorprendente encontrar más de un puñado de películas de anime en esta lista, y uno de los mejores es sin duda el thriller psicológico de Satoshi Kon Azul perfecto , que es, con mucho, el trabajo más significativo del director e inspiró a Darren Aronofsky cuando llegó a hacer Cisne negro .

La película de 1997 se sumerge en el encanto y los peligros de una vida de la fama y las consecuencias desgarradoras que puede dejar en la identidad y la composición psicológica de uno. Siguiendo a la estrella del pop Mima, quien deja a su grupo para convertirse en actor, Kon traza su descenso a la locura como los límites de su realidad.

Algunos trabajos de animación impresionantes ayudan a tomar una narrativa impresionantemente intensa a las nuevas alturas artísticas, mientras que el estilo de edición refleja la naturaleza fragmentada de la problemática psique de su protagonista. Una obra vital de anime que critica el mundo del entretenimiento y su objetivación de las mujeres, Azul perfecto es una obra maestra genuina de la película japonesa.

10. Conducir mi coche (Ryusuke Hamaguchi, 2021)

En lo que respecta al cine japonés moderno, pocos directores han captado la atención del mundo como Ryusuke Hamaguchi. Con una brillante filmografía ya construida cuando llegó la década de 2020, Hamaguchi consolidó aún más sus credenciales artísticas con la poderosa y tierna película de drama Conducir mi coche .

Basado en la historia corta de Haruki Murakami del mismo nombre, Conducir mi coche Ve a Hidetoshi Takamasa Play Yusuke Kafuku, un director de teatro que dirige una producción de la obra de Anton Chekhov Tío Vanya En Hiroshima, solo un puñado de años después de la muerte de su infiel esposa.

Hay paciencia y calidad en movimiento para Conducir mi coche Eso llevó a una nominación al Premio de la Academia de la Mejor Película y permite que una audiencia comprenda el dolor latente que se cuelga sobre Yusuke. Hacer en cuenta Uno de los mejores puntajes modernos de Eiko Ishibashi y imagery that reflects the emotive yearning of the film’s characters, y Conducir mi coche es fácilmente una de las mejores películas del cine japonés.

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9. Haraquiri (Masaki Kobayashi, 1962)

Otra obra maestra del legendario Masaki Kobayashi. 1962 Haraquiri , también conocido como Seppuku (La forma ritualista japonesa de suicidio por desembarco), sirve como una crítica sorprendente del Código de Honor Samurai y una exploración de las estructuras y valores sociales inquebrantables del período Edo en la historia japonesa.

Narrativamente, la película se centra en Hanshiro Tsugumo, un envejecimiento de Ronin que llega a la casa de un clan feudal y busca permiso para cometer seppuku en su patio. Sin embargo, el Señor del Clan trata la solicitud con sospecha y, en cambio, comienza a escuchar la historia de Tsugumo y cómo llegó a tal situación.

A lo largo de los flashbacks, Tsugomo teje una historia de tragedia y venganza y expone los defectos en el estilo de vida samurai. Con impresionante cinematografía y uso magistral de tranquilidad y espacio, Haraquiri se considera una de las mejores películas jamás hechas y bien merecedores de su posición en las diez mejores películas japonesas de la historia.

8. Akira (Katsuhiro Otomo, 1988)

La primera de las tres películas de anime en llegar a las diez mejores películas japonesas de todos los tiempos, lo que demuestra la importancia del género para el repertorio del país, es el clásico ciberpunk eternamente icónico de Katsuhiro Otomo Akira , que llegó a la pantalla en 1998.

Basado en el manga de Otomo de 1982 del mismo nombre, Akira Tiene lugar en la metrópolis futurista distópica de Neo-Tokyo en 2019 y se enfoca en el Kaneda, el líder de una pandilla de motociclista juvenil y su amigo de la infancia Tetsuo, quien de repente adquire poderosas habilidades telequinéticas después de sufrir un accidente de motocicleta, lo que lleva a una operación militar a gran escala para evitarlo de Neo-Tokyo.

No hay un marco de Akira Eso no es impresionante para la vista, y es más que fácil ver por qué la película se anuncia como una de las mejores películas de anime jamás hechas. Hecho con meticuloso atención al detalle, Akira es un hito genuino del cine japonés y un testimonio adicional del genio de los artistas y animadores de manga del país.

7. Sonatina (Takeshi Kitano, 1993)

A lo largo de su carrera, Takeshi Kitano hizo varias contribuciones brillantes al género cinematográfico de Yakuza. Aún así, pocos lograron dejar una impresión como esta película de 1993 Sonatina , una subversión conmovedora y desgarradora de las categorías de cine muchos tropos y estereotipos que deja a la audiencia en un estado de incertidumbre existencial.

Narrativamente, Sonatina Cuenta la historia de Murakawa (interpretada por Kitano), un miembro de Tokio Yakuza endurecido y cansado a quien su jefe envía a Okinawa para lidiar con una disputa de pandillas en curso. Al llegar a la isla japonesa, Murakawa comienza a sospechar que sus superiores lo han enviado para ser asesinado.

Finalmente, Murakawa y sus hombres se esconden en una casa de playa, llevando al jefe de Yakuza a reflexionar sobre su vida de crimen y disfrutar de los placeres de simplicidad para un momento fugaz. Sonatina La escasez de escasez permite a la audiencia interactuar con la meditación existencial de Murakawa, mientras que el humor inexpresivo del director y el estilo de actuación lo elevan a una película de la más alta calidad poética.

6. Fantasma en el caparazón (Mamoru Oshii, 1995)

Podría haber sido un lanzamiento entre Katsuhiro Otomo's Akira y Mamoru Oshii’s Fantasma en el caparazón Para la mejor película de anime cyberpunk. Aún así, la obra maestra de Oshii 1995 thriller de acción neo-noir tiene que asumir los aplausos. Un logro genuinamente monolítico en la animación, Fantasma en el caparazón Deja bocas ágape.

Basado en el manga del mismo nombre de Masamune, Fantasma en el caparazón Tiene lugar en la nueva ciudad portuaria ficticia en 2029 y cuenta la historia de un agente de seguridad pública cyborg, Motoko Kusanagi, quien rastrea a un hacker peligroso llamado The Puppet Master. Hasta ahora, tan estándar para una película de ciencia ficción, pero Fantasma en el caparazón posee mucho más.

Incluso más allá de su brillante animación, la representación del futurismo urbano y la puntuación inquietante, los temas de la película de Oshii lo llevan al estado de la obra maestra. Por ejemplo, ¿cuánto de ella sigue siendo humana si Kusanagi se mejora completamente cibernéticamente? Preguntas como esta plaga Fantasma en el caparazón y prompt the examination of identity in a world of technology from its audience.

5. Corrió (Akira Kurosawa, 1985)

A lo largo de su carrera, Akira Kurosawa consultó las obras de William Shakespeare y las llevó a una nueva luz, transponiendo magistralmente las narraciones del bardo a entornos japoneses feudales y de posguerra. Pocas de sus adaptaciones fueron tan impresionantes como la película de acción épica de 1985 Corrió , basado en la legendaria obra de Shakespeare King Lear .

También incluyen elementos de la leyenda de Mori Motonari, Corrió Se enfoca en Hidetora Ichimonji (interpretado por Tatsuya Nakadai), un señor de la guerra de la era de Sengoku que decide abdicar su trono a favor de uno de sus tres hijos diferentes. Kurosawa combina expertamente la historia de King Lear en un plazo histórico japonés y usa el color para el mejor momento de su carrera.

Visualmente, Kurosawa nunca ha sido mejor. Al trazar el descenso a la locura de un gobernante y las acciones de crueldad y traición de su familia, ofrece una intensa obra maestra cinematográfica con todas las escenas de batalla visceral que se esperan de una película lanzada bajo su nombre y tomas de paisajes para rivalizar incluso a los mejores directores del género occidental.

4. Curar (Kiyoshi Kurosawa, 1997)

Como se indicó anteriormente, Anillo y Audición Ayudó a preparar el escenario para la brillantez futura del horror japonés. Aún así, el terror psicológico de Kiyoshi Kurosawa en 1997 Curar , protagonizada por Koji Yakusho y Masato Hagiwara, pateó el género en el país de Asia Oriental.

Sin duda, una obra de cine peculiar que podría no ser para el gusto de cada fanático del cine, Curar Se centra en el detective Takabe y su investigación sobre una serie de asesinatos desgarradores en Tokio por los cuales cada víctima parece ser asesinada por un perpetrador diferente, con el único vínculo que parece ser un extraño vaquero llamado Mamiya que deja a sus interrogadores en un estado hipnótico cuando se enfrenta.

Curar es una película que deja un escalofrío en la columna vertebral de una audiencia con su ritmo lento y su misterio tono y estado de ánimo. El cine japonés a menudo ha explorado las facetas más oscuras de la psique humana, pero pocas películas las examinaron con un efecto tan escalofriante como la película de terror de Kiyoshi, sin duda una de las películas más inquietantes y complejas del canon japonés.

3. Enérgico (Hayao Miyazaki, 2001)

Ahora llegando a la película de anime quizás más significativa jamás realizada, Hayao Miyazaki's Enérgico Sirve como la declaración maestra de Anime Legends Studio Ghibli. Claro, muchas películas de Ghibli tienen una oportunidad de estar entre las mejores obras de anime de todos los tiempos, pero hay algo sobre Enérgico Eso respira la perfección.

Visualmente, el medio de anime nunca se ha visto tan impresionante, con su animación y dibujo magistrales, en el que el color explota y la fantasía cobran vida. Con un puntaje fascinante, Enérgico Sigue a una niña de diez años llamada Chihiro que descubre un mundo mágico durante un movimiento en casa y debe encontrar una manera de salvar a sus padres de la malvada bruja Yubaba, que los ha convertido en cerdos.

Las ubicaciones de Enérgico se encuentran entre algunos de los más emblemáticos de la obra de Ghibli, especialmente la legendaria casa de baños para el mundo espiritual donde Chihiro inadvertidamente se encuentra trabajando. Misterioso y mágico se vuelve loco en Enérgico, y all things considered, it truly is the best anime movie ever made .

2. Historia de Tokio (Yasujiro Ozu, 1953)

Si alguna vez hubiera habido un director que trazó el cambio de la sociedad y la cultura en Japón desde finales del siglo XIX hasta la era moderna, entonces fue Yasujiro Ozu. Conocido y defendido por sus dramas familiares de peso emocional y impresionante calidad artística, la película de 1953 de Ozu Historia de Tokio Se considera ampliamente la mejor película del director icónico.

Una exploración de la complejidad de las relaciones familiares y la división de la creencia que a menudo ocurre entre diferentes generaciones, Historia de Tokio Se centra en la difícil situación de una pareja de ancianos, Shukshi y Tomi Hirayama, que hacen un viaje desde su hogar rural para visitar a sus hijos adultos, pero descubren que están principalmente preocupados por sus propias vidas.

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En el centro de Historia de Tokio’s La brillantez es su simple composición visual, a través de la cual Ozu permite que las actuaciones de sus actores y la profundidad de la narrativa de la familia salgan a la luz. La melancolía y la introspección dio la película en la brillantez de la narración de historias. En esencia, Ozu ofrece una mediación sorprendente de la inevitabilidad del paso del tiempo y la transición de la tradición a la modernidad en Japón.

1. Siete samurai (Akira Kurosawa, 1954)

Por supuesto, sin embargo, solo puede haber una película que tiene el placer de ser la película más excelente en la historia del cine japonés, y que tiene que ser la obra maestra absoluta de la película que es Siete samurai , Una sorprendente hazaña del arte del ícono de dirección japonesa que se ha convertido indebidamente en una de las obras de cine más influyentes de todos los tiempos.

El épico clásico de acción samurai tiene lugar en la era de Sengoku y presenta a un grupo de agricultores desesperados y explotados que buscan una banda de samurai sin maestría para protegerlos de un grupo de bandidos que han prometido robar sus cultivos después de la próxima cosecha. Cada samurai reunido es diferente en psicología y estado de ánimo, pero forman una alianza sólida para proteger a sus empleadores agrícolas.

Siete samurai Contiene algunas de las secuencias de acción más impresionantes de todos los tiempos que parecen notablemente auténticas. Kurosawa captura magistralmente cada corte de la cuchilla, silbato de la flecha y pisoteo del casco. Con temas de honor y sacrificio, Siete samurai es muy importante como un trabajo del cine japonés. Para nuestro dinero, es el mejor de todos los tiempos del excelente catálogo de películas del país.