Cinco escenas que sacuden la industria que cambiaron el cine para siempre
Como cualquier otra forma de arte, el cine se basa en un conjunto de tropos establecidos. La gente va al cine esperando ciertas cosas, y los cineastas pueden usar estos bloques de construcción para construir sus propios mundos y presentarlas a una audiencia. De vez en cuando, sin embargo, aparece algo y sacude estas bases hasta su núcleo.
jonathan nowzaradan
Hay muchos personas involucradas en el negocio del cine que piensan que tienen ideas que Cambie el mundo, pero muy pocos logran lograr esto. Ya se trate de innovaciones técnicas, ritmos de personajes o temas completos que se ven a través de una lente diferente, estas cinco películas dejaron la industria en una posición diferente desde donde la encontraron.
Si bien no todas estas películas fueron las primeras en hacer ciertas cosas, definitivamente popularizaron los rasgos con los que están más asociados. Sin duda, todos tienen una deuda con imágenes más pequeñas que no obtuvieron casi tanta tracción, pero estos son los que tuvieron el mayor impacto en sus campos elegidos.
No solo hicieron olas, enviaron ondas de choque a través de Hollywood, reescribiendo las reglas de lo que era posible en la pantalla. Ya sea un efecto visual innovador, una elección radical de narración de historias o una audaz visión de director, estas películas redefinieron el paisaje cinematográfico. Algunos audiencias divididas, otros se convirtieron en clásicos instantáneos, pero todos demostraron que, en las manos correctas, la película aún puede ser una fuerza de naturaleza impredecible y en constante evolución.
Cinco escenas que cambiaron el cine para siempre:
Citizen Kane (Orson Welles, 1941)
Se ha convertido en el cliché para poner fin a todos los clichés que el debut como director de Orson Welles Ciudadano Kane es una de las mejores películas de todos los tiempos. Sin embargo, ese es el problema, lo es. Además de tejer una convincente red de ambición, desamor y los peligros del éxito, la película comenzó o popularizó varias técnicas o estructuras que ahora son comunes en el cine. Su uso de flashback, su trama no lineal y su impresionante maquillaje y efectos especiales avanzaron el medio a los grandes saltos, pero es el trabajo técnico de Welles, el director de fotografía Gregg Toland y el editor Robert Wise que más destaca.
Podrías tocar casi cualquier escena de la película y tropezar con algo innovador, pero ¿por qué molestarse en pasar por toda la película cuando el tramo de apertura es tan icónico? La lenta y siniestra rastreo hacia Xanadu, la fortaleza palaciega del personaje principal, está llena de maravillas técnicas. Una serie de disueltos bien ocultos, incluido uno en un reflejo de la casa en un charco de agua, mantiene el impulso del avance. La luz solitaria en la habitación de Kane permanece en el mismo lugar con cada nuevo marco, una hazaña muy impresionante que se suma al sentido de inmersión de la audiencia. Desde el principio, Ciudadano Kane cambió el juego y su influencia en las generaciones futuras no puede ser exagerada.
El mago de Oz (Victor Fleming, 1939)
Es realmente alucinante pensar que, en el mismo año que la mayor parte de Europa se sumergió en la Segunda Guerra Mundial, uno de los musicales de películas más felices y apreciados de todos los tiempos estaba impresionando al público en Estados Unidos. La historia de Dorothy y su viaje de Judy Garland a lo largo del camino de ladrillos amarillos se hornea en el ADN de la cultura pop, con más parodias y homenajes de los que puedes sacudir la cola del cobarde del león.
sam kiszka
Quizás el más memorable y escena importante De la obra maestra de Victor Fleming es la que nuestra heroína abre por primera vez en la tierra titular de Oz. Hasta este punto, la película se había presentado en blanco y negro, pero tan pronto como Dorothy abre la puerta de su choza desplazada, la audiencia está cegada por una explosión de glorioso técnico. Aunque no es la primera escena en usar la técnica, esta demostró cuán poderoso podría ser. Las transiciones entre monocromo y color todavía se usan hoy para demostrar cambios en el tiempo, el lugar o el sentimiento, y ninguna de esas escenas hubiera sido posible sin el éxito de esa niña de Kansas.
Psycho (Alfred Hitchcock, 1960)
Incluso ahora, muchos protagonistas de cine sufren de lo que se conoce cariñosamente como síndrome de personajes principales. Todo el mundo sabe que James Bond tiene que volver para la próxima película, entonces, ¿por qué preocuparse cuando lo colocan en peligro mortal? Con la notable excepción de No hay tiempo para morir , por supuesto. ¿Daniel Craig habría sido volado a pedazos si Alfred Hitchcock no hubiera matado a su protagonista unas seis décadas antes? Casi seguro que no.
Marion Crane (Janet Leigh) está en la ducha cuando una figura misteriosa le avanza con un cuchillo. A medida que se acumula la tensión y el puntaje legendario de Bernard Hermann se hincha debajo, la figura, más tarde revelada como Norman Bates de Anthony Perkins. Él apuñala a la pobre Marion una y otra vez, su sangre rodea el desagüe. Con el personaje principal a la mitad del tiempo de ejecución, nadie estaba a salvo en Psicópata , o cualquier película para el caso .
Esto sigue siendo una rareza en las películas hasta el día de hoy, ya que la mayoría de los guionistas están aterrorizados de matar su liderazgo y arriesgarse a perder a la audiencia. Sin embargo, no Hitchcock. Él mira un vistazo a tus convenciones y risas.
Saving Private Ryan (Steven Spielberg, 1998)
La guerra es un infierno, y en ninguna parte es más claro que en la apertura de Steven Spielberg's Salvando a Ryan privado . Omaha Beach, 1944. Operación Neptuno, mejor conocida como D-Day. Miles de tropas estadounidenses se unen a sus camaradas del Reino Unido, Francia, Canadá y muchas más para comenzar el asalto terrestre que esperamos que generará el final de la Segunda Guerra Mundial. Los aterrizajes de Normandy Beach son venerados como una de las partes más sangrientas y brutales de todo el conflicto, con miles de hombres cortados por disparos antes de que sus pies incluso tocaron la arena.
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Las películas establecidas durante la guerra pueden ser culpables de glorificar el combate armado. No este. Spielberg quería transmitir la locura del día D, por lo que hizo todo lo posible para hacer que esta escena sea lo más desgarradora posible. A través de la cinematografía brillante de Janusz Kamiński, las escenas frenéticas de hombres asesinados o heridos se sienten sorprendentemente reales. No hay nada glamoroso en esta vorágine de balas, extremidades y gritos moribundos. Según los informes, algunos veteranos no pudieron superar la escena de apertura porque les recordó demasiado los horrores que soportaron. Desde la primera toma de esta notable película, War on Screen nunca fue la misma otra vez.
Tigre agachado, dragón oculto (Ang Lee, 2000)
La primera película de idioma no inglés que recaudó más de $ 100 millones en los Estados Unidos fue una película de artes marciales que nadie esperaba ser un éxito. Dirigido por el gran ang lee, Tigre agachado, dragón oculto es un ejemplo por excelencia de Wuxia, que explora la vida de los artistas marciales en la antigua China. Protagonizada por Chow Yun-Fat y Michelle Yeoh, la trama comienza cuando se roba la legendaria espada de Destiny Green Destiny, y dos combatientes maestros deben descubrir quién lo llevó y traerla de vuelta a donde pertenece.
El uso de cables para exagerar los movimientos de los actores y el personal de acrobacias prevalece en toda la película. Este llamado alambre de cable había sido visto por el público occidental antes, especialmente en La matriz , pero su uso en la pelea entre Li Mu Bai (Chow) y Jade Fox (Cheng Pei-Pei) se siente mucho más auténtico. Es una pelea bellamente coreografiada, su uso de cables que otorga un aura casi sobrenatural a sus personajes sin desviarse demasiado en lo absurdo.
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No desde que Bruce Lee irrumpió por primera vez en la escena si los artistas marciales asiáticos hubieran sido tratados con este tipo de respeto: el cine internacional ahora era un género establecido en la corriente principal occidental, abriendo las compuertas de cada gran película no inglesa del siglo XXI para ser visto por un público mucho más grande.
