De Francis Ford Coppola a Jean-Luc Godard: 10 películas de viaje esenciales

Todo lo que necesitas para una película es un arma y una niña . -Jean-Luc Godard

El arte tiene el poder de transportar a las personas a territorios inexplorados, desde los mundos de fantasía de las obras de ciencia ficción hasta los rincones inexplorados de nuestro propio planeta. Dado que el cine es un medio visual, se podría argumentar que las películas pueden hacerlo mucho mejor que otras formas de arte. Las películas sobre viajes ofrecen a la audiencia una oportunidad invaluable para explorar el universo sin moverse una pulgada, llevando a los espectadores a un viaje espiritual en lugar de uno físico.

Mientras hablaba de películas de carretera, uno de los mejores practicantes del género - Wim Wenders dijo: Francamente, no sabía que el género existía. Debo haber visto algunas películas, creo que vi Desvío (1945), pero no lo reconocí como un género. Por supuesto, sabía muchos westerns, si había algún precursor en esas películas, era el oeste. Pero no sabía que podías hacer películas mientras viajaban.

Agregar: No sabía que realmente podías subir a un auto, comenzar una historia, y el itinerario y la historia se convertirían en los mismos. Mientras hicimos Alice en las ciudades , Me enteré. Me sentí como un pez en el agua. Este era el tipo de cine para el que nací.

Hemos seleccionado una lista de 10 películas de viaje esenciales que podrían servir como un punto de entrada interesante para que los espectadores exploren el género, con maestros de cine como Ingmar Bergman y Jean-Luc Godard, entre otros. Vea la lista completa a continuación.

Las 10 mejores películas de viaje de todos los tiempos:

En la calle (Federico Fellini - 1954)

Protagonizada por Giulietta Masina como una joven simple que es vendida por su pobre madre a un hombre fuerte y obligada a tomar el camino, En la calle es una de las películas más populares de Federico Fellini. No es solo una película que representa su viaje físico a través de diferentes paisajes, sino que es el intento de Fellini de llegar a un acuerdo con el cine. La película ganó el Premio de la Academia inaugural a la mejor película de idiomas extranjeros en 1957.

Fellini recordó, al principio solo tenía una sensación confundida, una especie de tono que acechaba, lo que me hizo melancolía y me dio una sensación de culpa difusa, como una sombra que me cuelaba. Este sentimiento sugirió a dos personas que permanecen juntas, aunque será fatal, y no saben por qué. Pero una vez que esta sensación cristalizada, la historia llegó fácilmente, como si hubiera estado allí esperando ser encontrada.

Fresas salvajes (Ingmar Bergman - 1957)

Un brillante estudio de personaje de un profesor médico anciano (Victor Sjöström) en su actuación de pantalla final en su viaje de automóviles para recibir un título honorario, Fresas salvajes es un reflejo sobre la existencia humana. Mientras el profesor se dirige hacia su destino final, su mente viaja en diferentes direcciones y se ve obligado a enfrentar sus propios sueños y pesadillas.

Bergman reveló, me sorprendió: ¿suponiendo que haga una película de alguien que viene, perfectamente de manera realista, y de repente abriendo una puerta y caminando hacia su infancia? ¿Y luego abrir otra puerta y volver a la realidad? ¿Y luego caminar por la esquina de la calle y entrar en otro período de su vida, y todo todavía está vivo y continuando como antes? Ese fue el verdadero punto de partida de Fresas salvajes .

Pierrot el loco (Jean-Luc Godard-1965)

Pierrot el loco es, sin duda, una de las primeras obras maestras de Godard, con un mundo loco donde la ficción y la fantasía siguen colisionando hasta que los dos sean indistinguibles. Protagonizada por Jean-Paul Belmondo y Anna Karina como un par de amantes complicados, la película los sigue en sus desventuras mientras viajan desde París al Mar Mediterráneo.

Dijo Godard, People Pigeonhole Adventure. Estamos de vacaciones, dicen. La aventura comenzará tan pronto como estemos en la costa. No piensan en sí mismos como vivir la aventura cuando compran sus boletos de tren, mientras que en la película todo está en el mismo nivel: comprar boletos de tren es tan emocionante como nadar en el mar.

Piloto fácil (Dennis Hopper - 1969)

Una de las obras definitivas del género de la película de carretera, este clásico de contracultura de 1969 presenta una moderna odisea estadounidense que es alimentada por las drogas y la fe en la cultura hippie. Piloto fácil Tuvo un impacto muy influyente en el nuevo movimiento de Hollywood y capturó la esencia de lo que significa estar en el camino, escapando de los grilletes de la sociedad.

En un entrevista Con el rodillo, Hopper comentó: la nueva generación no sabe nada de mí, excepto lo que vieron en Piloto fácil. A la sociedad le encanta poner burbujas allí y colocarlas, y me molesta. Prefiero exponerme a mí mismo. Estoy realmente cansado de las imágenes de Hollywood: la gran estrella viril que es realmente una homosexual, las dos zapatillas que folla a todos en las habitaciones oscuras en las fiestas. Quería ser vulnerable porque pensé que sería algo diferente. Pero no duermo con cámaras, por lo que esta película no es la verdadera tolva de Dennis.

Páramos (Terrence Malick - 1973)

Este drama criminal neo-noir de 1973 fue el brillante debut como director de Terrence Malick. Basado libremente en la ola de asesinatos de la vida real de Charles Starkweather y su novia en 1958, la película presentó al mundo entero las sensibilidades estéticas únicas de Malick. Páramos Las protagonistas de Martin Sheen como un turbio engrasador y veterano de la Guerra de Corea que le dispara al padre de su amante, instándola a emprender un viaje notable a través del Medio Oeste hasta las tierras Badlands de Montana.

Al final de mi segundo año en Los Ángeles, comencé a trabajar en Páramos , Dijo Malick. Mis influencias fueron libros como The Hardy Boys, la familia suiza Robinson, Tom Sawyer, Huck Finn, todos involucrando a un inocente en un drama sobre su cabeza. Quería que la imagen se configurara como un cuento de hadas, fuera del tiempo, como Isla del tesoro .

Ataque (Werner Herzog - 1977)

La tragicomedia de 1977 de Werner Herzog cuenta la historia de un músico de la calle Berlín que deja Alemania después de salir de la prisión. En la evasiva búsqueda de una vida mejor, se encuentra en Wisconsin como el ideal del sueño americano se transforma rápidamente en algo por completo.

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En un entrevista with Roger Ebert, Herzog revealed: I don’t know how and why; the strange thing is that with both the crabs and the dancing chicken at the end of Ataque , la tripulación no podía tomarlo, lo odiaron, eran un grupo leal y en caso de Ataque Lo odiaban tanto que tenía que operar la cámara yo mismo porque el director de fotografía que era muy bueno y dedicado, lo odiaba tanto que no quería dispararla. Él dijo: Nunca he visto nada tan tonto como eso. Y traté de decir: Sabes que hay algo tan grande al respecto. Pero no pudieron verlo.

Apocalipsis ahora (Francis Ford Coppola - 1979)

Basado libremente en la famosa novela de 1902 de Joseph Conrad Corazón de la oscuridad, El opus magnum de Francis Ford Coppola imagina el mismo viaje espiritual hacia las profundidades de la condición humana en el contexto de la Guerra de Vietnam. En lo que sin duda es su proyecto más ambicioso, Coppola lanza un poderoso comentario sobre el colonialismo, la violencia y la capacidad humana de destrucción.

Lo que se considera vanguardia en un momento, 20 años después se usa para papel tapiz y se convierte en parte de la cultura. Parecía que eso era lo que había sucedido con [ Apocalipsis ahora ], Dijo Coppola. Cuando estaba haciendo esto, no llevaba un guión. Llevé una copia de rústica de pingüino verde de Heart of Oscuridad con todo mi subrayado en él. Hice la película de eso.

París, Texas (Wim Wenders - 1984)

París, Texas es el logro coronado de la ilustre filmografía de Wim Wenders. Investigando el significado de la familia y el aislamiento fundamental de los humanos, la película está protagonizada por Harry Dean Stanton en una búsqueda desgarradora para recoger los fragmentos de su familia. A pesar de los vastos paisajes, la película logra centrarse en los elementos íntimos de la psique humana.

En un entrevista, Wenders said, From our first one-page outline, we knew the movie was Travis and Jane, and we had to take Travis to that point, and ourselves to that point, and face a story neither of us had told before. We had to get there slowly. I don’t think there’s a break; at some point in the middle, the movie turns and starts walking on new territory, like in a blank space in the landscape. At least my landscape.

Paisaje en la niebla (Theo Angelopoulos - 1988)

Paisaje en la niebla Es el poderoso retrato del autor griego Theo Angelopoulos de la inocencia Lost Innocence. Cuenta con dos hermanos jóvenes en la búsqueda de su padre imaginario, tratando desesperadamente de cruzar la frontera hacia Alemania, pero encontrándose en situaciones peligrosas.

Angelopoulos explicó: más allá de la incorporación en el marco de la película, un elemento arquetípico cargado de implicaciones de conflictos primordiales y vanidad existencial, la presencia de mitos en mis películas forma la base de la relación indudablemente materialista con la tradición. La clave de esta relación no es la reproducción mecánica del mito y su encarnación externa en el tejido de una historia moderna con el propósito de afirmar su naturaleza eterna e inmutable. Por el contrario, es su abolición crítica al limitarla dentro de una narración puramente ficticia sin la implicación fundamental de la necesidad.

Vivimos en una cultura que ha heredado estos mitos y debemos destruirlos a toda costa y darles una dimensión humana. No acepto el destino ni la idea del destino. Al entrar en el mito de la realidad histórica se convierte en una historia real con una dimensión diferente. No es interpretación: le doy una dimensión humana, porque es el hombre quien hace historia y no mito.

Sonatina (Takeshi Kitano - 1993)

El clásico de culto de 1993 de Takeshi Kitano es una de las mejores películas de Yakuza de todos los tiempos. En lugar de descender al mundo de la violencia gratuita, Kitano se acerca a la brutalidad en pantalla con el desprendimiento de un filósofo. Cuenta la historia de un grupo de gángsters que se refugian en las playas de Okinawa, escondidas del mundo y de sus seres internos.

El cineasta se lamentó, mis películas han sido conocidas entre el público japonés por sus constantes fracasos comerciales; de mi segundo Punto de ebullición ( 3-4x Ju-Gatsu ) hasta Conseguir alguno ?, Que, por cierto, fue mi película menos exitosa comercialmente exitosa hasta la fecha. Por ejemplo, Sonatina Ahora se considera una especie de obra maestra entre muchas personas, pero cuando se lanzó en Japón, ¡desapareció en dos semanas!